Jasper John, Tres banderas, 1958. Jordan Riefe La próxima retrospectiva histórica de Jasper Johns en el Whitney no se entregará hasta 2020, pero LA recibirá un adelanto con Jasper Johns: Something Sembling the Truth at the Broad, abierto hasta el 13 de mayo. Una colaboración con la Royal Academy de Londres, el extenso espectáculo presenta 120 pinturas, esculturas y dibujos que marcan la exhibición más grande de la obra de Johns jamás mostrada en California y su primera inspección de museo aquí desde 1965.
Definido por motivos que ocurren a lo largo de su trabajo, incluidos objetivos y números, la carrera de Johns comenzó con Bandera , que provocó una revolución cuando apareció en 1958. El mundo del arte llevaba casi una década de expresionismo abstracto cuando esta réplica encáustica de 3,5 por 5 pies de las barras y estrellas apareció en la Galería Leo Castelli. En un debut auspicioso, Johns vendió tres pinturas (dos blancos y un número) a Alfred Barr, director fundador del MoMA. Se rumoreaba que el museo quería comprar Bandera pero estaban preocupados por sus connotaciones políticas. 
Vista de instalación de 'Jasper Johns: algo parecido a la verdad'.Jordan Riefe
Al MoMA le preocupaba que la bandera fuera vista como un gesto complicado dentro de Estados Unidos en ese momento, que la gente estuviera confundida en cuanto a lo que Johns estaba haciendo como un acto patriótico o su opuesto, dijo el co-curador del programa, Ed Schad, a Braganca. el intento del museo de obtener la obra pidiéndole al arquitecto Philip Johnson (asociado durante mucho tiempo al MoMA) que la comprara con el entendimiento de que eventualmente entraría en su colección.
El artista Billy Al Bengston, uno de los practicantes originales de Ferus Gallery Cool School de L.A. que incluía a Ed Ruscha, John Altoon, Larry Bell y otros, vio por primera vez el trabajo de Johns en la Bienal de Venecia en 1958. Vi a Jasper Johns Bandera y eso fue todo. No vi nada que pareciera arte en Venecia después de eso, recordó a Braganca. Es solo que estaba tan descaradamente en tu cara. No eran una mierda de gallina. 
Vista de instalación de 'Jasper Johns: algo parecido a la verdad'.Jordan Riefe
Identificado como Neo-Dada en ese momento, las obras de este período fueron luego re-etiquetadas como Proto-Pop cuando los años sesenta marcaron el comienzo de un nuevo tipo de arte. Lo del arte pop… Me sentí como los artistas con los que estaban asociados eran artistas que estaban frustrados por el tono del arte que se estaba creando en ese momento, que era el expresionismo abstracto, dijo Ed Ruscha a Braganca. Creo que estos artistas sintieron que no había lugar dentro de ese reino.—Expresionismo abstracto y pintura abstracta. Había muy poco espacio para moverse dentro de eso porque mucha gente lo había atacado y lo había resuelto. Le dijo a la audiencia en la inauguración de la exposición que su primer vistazo a Johns's Bandera se echó el pelo hacia atrás.
Johns se centró en lo que llamó cosas que la mente ya sabe. Eso no fue solo una reacción al expresionismo abstracto, sino que tenía como objetivo provocar que los espectadores cuestionaran percepciones fijas. El texto y los números jugaron un papel importante, influyendo en artistas posteriores como Ruscha, John Baldessari, Roy Lichtenstein y otros.
Si Johns pinta la palabra rojo sobre amarillo, como lo hace en 1959 Inicio en falso , ¿eso lo hace rojo o amarillo? Es un acertijo que se remonta al menos a Marcel Duchamp y su uso de objetos encontrados y readymades, o incluso a Rene Magritte, cuyo La traición de las imágenes tiene la frase esto no es una tubería escrita debajo de lo que no es una tubería, sino la imagen de una tubería.
Los objetos comunes proporcionaron una salida al expresionismo abstracto, y algo parecido a la verdad está lleno de ellos. Hay una lata de café Saverin con pinceles, una escultura de una linterna y una bombilla, una escoba y una taza de té pegadas a un lienzo y tres versiones de un mapa de los Estados Unidos. Esta imagen se basó en un mapa que le dio su colaborador y amante Robert Rauschenberg . Los dos se conocieron en 1954 y trabajaron juntos diseñando escaparates para Tiffany's durante el día, mientras que las noches y los fines de semana se pasaban en sus apartamentos manchados de pintura ideando una paleta y un lenguaje visual que redirigiría el arte del siglo XX. 
Vista de instalación de 'Jasper Johns: algo parecido a la verdad'.Jordan Riefe
Fue en una visita al estudio de Rauschenberg en 1958 para discutir un próximo espectáculo que Leo Castelli vio por primera vez el trabajo de Johns y decidió mostrarlo en su lugar. Se dice que la participación romántica de Rauschenberg y Johns terminó en 1961, y se puede ver la influencia de este evento en el trabajo de este último cuando se volvió hacia una paleta más oscura de grises y negro en obras como Mapa y En memoria de mis sentimientos — Frank O’Hara, ambos pintados a principios de los sesenta.
Hijo de un granjero alcohólico en Carolina del Sur, Johns tenía tres años cuando sus padres se divorciaron y lo enviaron a vivir con su abuelo. Una infancia itinerante entre parientes a menudo lo dejaba sintiéndose como un invitado en su propia casa. Después de asistir a la Universidad de Carolina del Sur, se mudó a Nueva York y se inscribió en la Parsons School of Design.
Reclutado durante la Guerra de Corea, Johns estaba destinado en Fort Jackson, Carolina del Sur. Al regresar a Nueva York en 1954, conoció a Rauschenberg y comenzó a dedicarse al arte en serio mientras colaboraba con la artista de performance Rachel Rosenthal, la coreógrafa Merce Cunningham y el compositor John Cage.
En estos días, Johns es reconocido como uno de los artistas estadounidenses vivos más influyentes y recibió el premio Medalla Presidencial de la Libertad en 2011 . Junto con Jeff Koons, es el artista vivo más vendido del país con Bandera Yendo por $ 110 millones en 2010. Inicio en falso obtuvo $ 80 millones en 2006, mientras que un Bandera de 1983 se vendió por 36 millones de dólares hace apenas unos años.
Rauschenberg falleció en 2008, pero Johns todavía se mantiene fuerte a los 87; la última pieza de la muestra tiene fecha de 2016. Consultó sobre el diseño de la nueva exposición en Londres y Los Ángeles cuando las partes se reunieron con él en su casa en Sharon, Connecticut.
Normalmente lacónico, Johns siempre se ha mostrado reticente a la hora de explicar su trabajo, dejando eso a los estudiosos e historiadores del arte. Pero si la verdad es belleza, como insiste Keats, entonces quizás podamos entender mejor lo que Johns quiere decir en esta cita promocionada en el material colateral de la exposición: Uno espera que algo parecido a la verdad, algún sentido de vida, incluso de gracia, parpadee, en al menos, en el trabajo.
