Willa Chasmsweet Wasserman's Las pinturas son de esas que permanecen contigo durante días. Le dan al espectador algo nuevo que experimentar en cada interacción con su trabajo. Wasserman describe su enfoque de la pintura, para Observer, como uno en el que debes mirar 'mientras ajustas tus ojos'. Esta forma de mirar y experimentar es similar a ese momento en el que te despiertas por primera vez y te encuentras en la condición de transición entre el sueño y la vigilia: hipnopómpico. En este estado de conciencia, el cerebro intenta establecer conexiones entre objetos no lineales y asociaciones más amplias.
Esta tensión entre la percepción y la conciencia despierta es en lo que se tambalean las pinturas de Wasserman; Fracciones de segundo más grandes de reconocimiento de uno mismo y del otro. Dicho de otra manera, estas pinturas ofrecen una especie de dialéctica, o una forma de reconocer psíquicamente la representación del yo en relación con los parámetros que Wasserman ha establecido para que los espectadores experimenten; una lectura psicoanalítica por así decirlo. El trabajo de Wasserman también habla de una historia más amplia en torno a lo queer, el deseo y la intimidad que resuena a través de su tema y los detalles que analiza en el lienzo.
Wasserman llama la atención sobre las brechas entre el espacio, el tiempo y el reconocimiento que a menudo se pasan por alto histórica, social y visualmente. Trabajando predominantemente con pinturas al óleo sobre superficies metálicas y lienzos, Wasserman canaliza una historia más amplia de la pintura que pretende trasladarse a este momento contemporáneo y más allá. Al pensar en representaciones más amplias del yo, la experiencia vivida, la identidad trans y subvertir viejas técnicas de palabras para crear un nuevo significado, les está dando a los espectadores una idea de lo que podría ser y lo que puede ser. Estos temas están omnipresentes en su obra. Y como trabajadora metalúrgica formada, esto también se ha infiltrado en su proceso creativo de maneras emocionantes.
“Para mí se sienten como hermanos. Creo que la pintura al óleo se inventó para imitar la carne y ser muy valiosa y moldeable. Y el metal, sobre todo porque todos los metales tienen propiedades diferentes. Pero el latón es sorprendentemente maleable y puedes convertirlo en lo que quieras. Y eso se siente como pintar. Las pinturas también cambian mucho con el tiempo, al igual que el metal, dependiendo del entorno en el que se encuentre”, dijo Wasserman al Observer.
Esta relación que Wasserman ha forjado entre la pintura y el trabajo del metal se ha convertido en un componente característico de su arte, algo sobre lo que quería saber más. Una fresca tarde de noviembre, me dirigí al estudio de Wasserman ubicado en la bulliciosa Bushwick. Durante las últimas dos décadas, Bushwick se ha ganado la reputación de ser un refugio para creativos como Wasserman. Esto ha resultado en una migración de muchas galerías y artistas que acuden en masa a la zona, se apoderan de fábricas abandonadas y las transforman en talleres modernos.
Wasserman me recibió en su casa y estudio; A pesar de haber estado en el espacio solo durante unas dos semanas en el momento de mi visita, parecía estar instalándose cómodamente. Recientemente se mudó de Los Ángeles a Nueva York, sin embargo, esto es una reunión. La nativa de Indiana recibió su BFA de Hunter College seguido de una maestría en pintura de UCLA. Y a pesar de que todavía hay una pandemia mundial, Wasserman ha mantenido un calendario de exposiciones muy ocupado; Actualmente, Wasserman está mostrando su trabajo en NADA Miami.
Cuando entras por primera vez al estudio, te recibe una cortina de cuentas rojas. Dio paso a una habitación muy luminosa con grandes ventanales cubiertos con cortinas transparentes de color amarillo canario. La habitación estaba cuidadosamente atestada de materiales de pintura, cuadernos de bocetos y sábanas enrolladas colocadas en montones. En la pared colgaban varios trozos de lino y papel. Una paleta cortada en metal hecha a mano con toques de pintura al óleo ya sobre ella y un gran caballete estaban listos para Wasserman cuando le apetecía. Hablamos de nuestro amor mutuo por la pintora Joan Mitchell, de cómo han evolucionado las prácticas de estudio de Wasserman, de su afinidad por los sándwiches de huevo, pero también de lo que es fundamental para una práctica de estudio.
Sus nuevos proyectos están comenzando a tomar forma y estuve allí durante un raro momento de calma en su estudio normalmente ocupado; Esto también surge de su primera exposición individual con Downs y Ross galería que cerró el 13 de noviembre. Wasserman, en este momento, vive y trabaja en un espacio, lo cual es una novedad para ella. Y como resultado, ha tenido que crear límites para este nuevo estudio.
“He establecido este espacio como mi espacio de estudio. Como si no hiciera otras cosas aquí. No dejo que mi teléfono suba al loft. Es agradable tener un loft porque cuando tu cama está en tu habitación siempre te gusta dejarte caer en la cama con mi computadora portátil y hacer cosas. Pero aquí no es realmente el caso”, dijo.
Sin embargo, la nueva situación de vida de Wasserman le ha permitido evolucionar. “Estoy en un tiempo y un espacio donde no hay drama, y lo estoy haciendo yo mismo. Y ahora siento que soy una pintora de todos los tiempos”, dijo.
donde comprar chore boy
Wasserman señaló que últimamente había estado escuchando mucho a la banda TalkTalk de los años 80, así como a Anne Briggs, una popular cantante folk británica de los años 60. Estas influencias musicales, entre otras, ayudan a establecer el tono y también crean un estado de ánimo que Wasserman considera propicio para trabajar. La idea de espacio en términos de música y arte, y también la fisicalidad de los lugares, surgió varias veces a lo largo de nuestra visita.
“El espacio es para el trabajo y el espacio para el potencial. Solo quiero darle a la gente espacio para descubrir lo que ven. En lugar de hacer pinturas declarativas, por eso pinto con tanta suavidad. Es porque no quiero decirte qué es, sólo quiero hacer espacio”. dijo Wasserman.
Durante nuestra visita, Wasserman me mostró un carrete de plata que había recibido por correo. Los mechones iridiscentes estaban bien enrollados y fríos al tacto, manteniendo una calidad casi de cuento de hadas. Si bien este objeto me pareció increíblemente especial y táctil, un novato en la tradición de las puntas metálicas, este era exactamente el tipo de suministro que los maestros del viejo mundo de siglos antes usarían para lograr el efecto meticuloso deseado. Sin embargo, dentro de los límites del moderno estudio de Wasserman en Brooklyn en 2021, el carrete plateado ha adquirido un nuevo significado.
En 2018, como estudiante de maestría en Bellas Artes en el famoso programa de pintura de UCLA, Wasserman comenzó a experimentar con la tradición renacentista de las puntas de metal y la aplicó a su práctica de estudio. Esto nació de la experiencia previa de Wasserman como metalúrgico y desde entonces se ha trasladado a muchas de las pinturas que crea hoy. Maestros del viejo mundo como da Vinci, Jan Van Eyck y otros utilizaron piezas afiladas de metal, como plata, sobre una superficie preparada, generalmente usando yeso, para crear dibujos precisos y meticulosos. Si bien los elementos de la tradición permanecen intactos, Wasserman ha desarrollado su proceso con ella.
“Siento que con la punta de metal, que es latón y pronto será plateada, tiene un límite material de qué tan oscuro o claro puede llegar a ser. Eso establece los límites de las pinturas. Creo que tengo una tendencia a mantener las cosas cerca del original o de la superficie”, dijo.
Wasserman generalmente comienza dibujando con un trozo de lana de acero, ya sea sobre una hoja de papel o directamente sobre lino estirado. A partir de ahí, su trabajo empieza a tomar diversas formas y también ayuda a establecer los parámetros en los que trabaja. Esto se puede ver en las pinturas convexas en las que Wasserman pinta directamente sobre piezas de metal, normalmente latón o acero ennegrecido. Utilizando delicadas pinceladas, Wasserman anima el lienzo con suaves tonos apagados que crean imágenes etéreas y confusas que pretenden hacer que el espectador ajuste su visión.
En 858 de Emily Dickinson en el que leí 'chasmsweet' mientras no podía dormir , esta sensación más amplia del espacio y la representación visual del cuerpo se explora de una manera emocionante. Tonos cremosos de amarillos de seda de maíz, sutiles naranjas caléndula y claras de cáscara de huevo se mezclan para crear una escena vertiginosa de reconocimiento y desconocimiento. Un cuerpo suspendido emerge del primer plano de espaldas al espectador y el pelo largo cayendo en cascada desde un lado mientras mira hacia la izquierda con el brazo extendido por la cabeza. El cuerpo da paso a lo que parece ser una estatua o busto sobre un pedestal. Las pinceladas amarillas y blancas se apoderan del lienzo y moldean las formas, al mismo tiempo que crean una gran sensación de orden entre los espacios más grandes.
Sin título 11/07/21 , es una pequeña pintura magníficamente íntima de 8”x8” sobre una pieza de metal ennegrecido. Un torso desnudo sin cabeza y con las piernas abiertas se enfrenta al espectador. Los violetas bígaro y los azules aciano resaltan la forma sobre un fondo negro. La forma onírica es agresiva y llama la atención. Hay una energía en este trabajo y en los demás que vibran a través de la superficie y más allá. Estos momentos de intimidad e intensidad son los que impulsan el trabajo de Wasserman y lo que hace que los amantes del arte corran para ser testigos.
