Devendra Banhart, apúntalo.Foto: Wikimedia Commons Hay algo que le sucede en las fiestas a un artista que trabaja en distintas disciplinas. ¿A qué te dedicas? se pregunta inevitablemente en forma grandiosa, agarrando una copa de champán, y siempre en tiempo singular. Existe la suposición de que, incluso si el artista trabaja en diferentes medios, esos medios son todos parte de la misma historia.
No es así, me dijo Devendra Banhart el verano pasado mientras estábamos sentados en una cafetería de Tribeca y hojeábamos las páginas del entonces nuevo libro de mesa de café que recopilaba las ilustraciones de su álbum y otras obras visuales recopiladas. Dejé mi fideos en la calle Ramen . La propia obra de arte de Banhart puede adornar las portadas de sus álbumes, pero cuando se trata de ensuciarse las manos, el meollo del asunto, el proceso, sus composiciones visuales y sonoras satisfacen en gran medida diferentes necesidades. [Mi] narrativa dual trata sobre las dos disciplinas que coexisten pero que rara vez se entrelazan, me dijo, y en un momento lo hicieron.
Quizás Banhart estaba profético: su segundo nombre, Obi, sugiere que tiene tales poderes Jedi, y la gente no puede tener suficiente de alguien cuando lleva el nombre de un Guerra de las Galaxias personaje, pero el verano pasado ya estaba cincelando Mono en mármol rosa, el noveno lanzamiento bajo su nombre y su colección de música más cohesionada hasta la fecha. Saldrá la semana que viene el No tales registros .
Ahorre para dos canciones, Mono Es una salida decididamente apacible, sombría y surrealista a partes iguales. Con la ayuda de Noah Georgeson y Joe Steinbrick, el equipo que ayudó a 2013 Mala Para capturar parte de la perfección escasa y lo-fi de sus primeras grabaciones, Banhart ha creado algunas arquitecturas sonoras nuevas y magníficas. Mono La relajada narración se desarrolla en un viejo hotel japonés sin nombre, donde la samba y la bossanova juegan en el vestíbulo y un tipo atractivo y envejecido intenta seducir a una jovencita con un plato de fruta.
Me han prohibido describir cualquier arte como un parto.
Banhart y yo nos pusimos al día de nuevo hace unas semanas, cuando su curiosidad y su interés genuino en mi propio trabajo me hicieron darme cuenta de lo mucho que la gente se proyecta en su música. Considere la segunda mitad del álbum, cuando los arpegios de sintetizador orientales meditativos del canal Mourner's Dance Angelo Badalamenti Twin Peaks tema y la hermosa Linda encuentra a Banhart personificando a una mujer solitaria y a la deriva que apenas puede soltar las palabras para cantar al final de la canción. Mi proyección en ese arco, que el cantante estaba atravesando algo de pesadez, pudo haber sido cierta, pero finalmente fallé en mi suposición al darme cuenta de que no todos hacen de la música un santuario para algo. No todo el mundo se acerca a su proceso creativo con cosas que resolver.
Esa es la eficacia que Banhart construye en su arte visual, me dijo cuando lo reproducimos por teléfono. Mientras tanto, su música es menos una exteriorización purgada y más una elaboración de arquetipos sonoros y temáticos, con los que se toma un tiempo para sentarse. En ese lobby, libre de etiquetas polarizadoras, el simio titular puede ser tanto primitivo y evolucionado y majestuoso. Por eso, Mono permitió que Banhart hiciera algo que, en sus palabras, pudiera reclamar sin intentar interpretarlo.
[youtube https://www.youtube.com/watch?v=czOOpMBaM_4]
Felicitaciones por este tremendo trabajo que se está preparando para presentar. ¿Cómo te sientes? ¿Es como dar a luz o tallar un mono en piedra?
Muchos de mis amigos han tenido hijos y he tenido extensas conversaciones con ellos sobre los atroces detalles del parto. Desde entonces, dejé por completo [con] describir cualquier otra cosa que no sea tener un bebé como parto.
¿Los horrores del proceso se han llevado ante ustedes?
Sí, todo palidece. Todo palidece. Esa metáfora es simplemente ... sabiendo por lo que han pasado, solo puedes describe Por supuesto, al no ser capaz de experimentarlo ni siquiera, me han impedido describir cualquier arte como un parto.
Tocar el asunto exacto.
Pero estoy emocionado, me alegro de que esté hecho, y ahora me siento listo para pasar a lo siguiente, sin embargo, al mismo tiempo. I soy emocionado de compartirlo, por supuesto, pero para mí por lo general, y de hecho de manera consistente, con el tiempo, comienzo a identificar patrones. Una semana antes de que termine el disco en el que estoy trabajando en ese momento, sé que el disco está terminado porque estoy listo; estoy esperando con impaciencia a que se haga para poder trabajar en el siguiente. Y sé que eso sucede porque comenzaré mi proceso de escritura. Eso es para acumular diariamente ideas para canciones, ya sea en forma de letras (líneas, párrafos o páginas) o descripciones reales de canciones, una arquitectura particular que me gustaría explorar o un género.
Esa es la zona en la que estoy ahora . Es una respuesta tonta porque nadie quiere escuchar que solo quiero hacer otro disco y este no me importa. Ni siquiera es el verdad , pero supongo que se supone que debo decir, lo cual también es muy genuino, que yo soy muy emocionado de reproducir el disco. Pido disculpas por lo terrible que está yendo esta entrevista.
[Ambos ríen]
Bueno, de lo que estás hablando es de una cosa creativa muy natural, y tal vez por eso busco la metáfora del parto a pesar de que es injusta. Hay una purga que ocurre cuando terminas con algo, y no quiero proyectar mi comprensión de esta música en ti, pero parece que, particularmente en el segundo lado, hay una tremenda sensación de melancolía. Tengo la sensación de que el cantante está trabajando en algo y tal vez sacando algo pesado de su sistema. Muchas de las cosas que son muy cercanas y personales no son algo con lo que te quieras sentar todo el tiempo ... es por eso que te comprometes a grabarlo, ¿verdad? ¿Exorcizarlo?
Bueno, siento que tú ... ¿tocas música? Porque eso suena como un compositor hablando de lo que es para ellos. Creo que estás proyectando un poco, pero es maravilloso, me encanta escuchar eso, porque en realidad es diferente para mí. No lo abordo desde ese ángulo, ¡pero es fascinante!
Sí, pero me gusta mucho esta idea de arquitecturas sonoras que mencionaste, porque las dos que escuchamos en este disco son mucha música brasileña, la samba y la bossa en particular, luego algo de música japonesa. El Koto está realmente por todos lados aquí también, y la primera persona a la que agradezcas [en las notas] es Yukika Matsayuma, así que no lo sé. Estaba pensando en ese punto de la historia cuando muchos japoneses emigraron a Brasil y comenzaron a tocar mecenas de la tropicália y mucha de la música más vanguardista que se estaba haciendo, fusionando las culturas. ¿Fue un asentimiento consciente sobre esto, solo dos de las cosas que estabas escuchando mucho, o qué?
Sonaría realmente frio si yo dijera, tio, por supuesto , obviamente . ¡Lo notaste, me alegro de que lo hayas entendido! Pero no había hecho esa conexión hasta ahora. [Risas]
Creo que todo este registro debería llamarse ' Intentar y no afinar un Koto ' .
Para eso estoy aquí, ¡no te preocupes!
Ahí lo tienes, para eso estás aquí ... ¡y siéntete muy libre de cambiar totalmente todo lo que acabo de decir! Pero es fascinante escuchar que, porque tienes razón, los asentamientos o comunidades japonesas más grandes fuera de Japón, las más grandes del mundo, están en Brasil. Rodrigo [Amarante] que toca en el disco y está en la banda y es uno de mis queridos amigos, creció en Brasil y él es como yo conozco esa comunidad. Lo ha visitado, lo ha visitado muchas veces.
Pero realmente no había hecho la conexión entre cómo este disco está ciertamente influenciado por la música latinoamericana en general, pero particularmente por la música brasileña, la samba y la bossanova. Y, en particular, canciones como Theme For a Taiwanese Woman, que es pura samba. Pero con los sonidos asiáticos u orientales, orientales que produce el koto de forma autóctona, no había hecho esta conexión. Creo que todo este disco debería llamarse Intentar y no afinar un Koto . Creo que fue un año , todos lo jugamos y todos nos dimos cuenta de que somos súper arrogante.
Empezamos a hablar sobre el disco y a pensar, creemos un tipo de plantilla estética con la que podamos medir las canciones, o veamos si podemos vestir las canciones de manera que estén en armonía con esa plantilla, siendo esa plantilla esta hotel imaginario en esta lejana prefectura de Tokio donde solo hay una vieja vieja descolorida y este tipo de vendedor de autos usados, viejo y desaliñado perro salado que es el único huésped, que ha estado allí durante los últimos 10 años.
El hombre elegante del título.
Exactamente. Fancy Man, Fig in Leather esos son los personajes de ese hotel. Pero con el disco, estéticamente no se trata tanto de la narrativa. Esas canciones, sí, caen en esa narrativa, pero generalmente el estético de eso, el producción final, ¿encajan las canciones, se tocarían en este vestíbulo? El koto era la [elección] obvia. Está bien, necesitamos usar un koto, ¡alquilamos un koto! Es por eso que [ella es] la primera persona a la que agradezco, la persona que nos alquiló un koto. Ella toca koto y no la grabamos, solo le alquilamos el koto y pensamos, somos guitarristas, somos músicos, ¡es fácil!
Qué equivocado estabas.
Cómo equivocado ¡Fuimos hijos de puta! Me despierto muy temprano y estoy afinando el koto hasta que llegan Noah y Joe, luego me ayudan Realmente afínelo, y el resto del día trataremos de traducir partes de guitarra muy simples al koto. No es fácil conseguir un instrumento que no sabes tocar para hacer lo que quieres que haga.
Hay algo tan americano y hermoso en eso.
Con seguridad.
Es la forma más sincera de adulación, tú tocas cosas brasileñas y las cosas japonesas. Aquí está este niño, Devendra, un niño multicultural, y está usando estos géneros culturales muy ricos y llenos de historia, pero no es una falta de respeto. Estás usando sus pieles para contar tu propia historia, para crear una escena de alguna manera.
Eres tan jodidamente gracioso, ¡oh Dios mío, hombre!
¡Entonces se queda adentro! Pero mencionaste la narrativa, y me alegro de que lo hicieras porque a veces creo que capto una y es otra proyección. Sé que Joe y Noah coescribieron esas dos canciones más divertidas, al estilo de Zappa, sobre el hombre del hotel, Fig y Fancy, pero luego el disco da un giro a un lugar mucho más meditativo y sombrío. ¿Cómo analizo eso? No es discordante, pero es interesante y parece que hay alguna intención de tu parte.
Supongo que era nuestra forma de tomarnos un respiro. Mmm, es una pregunta interesante. Me alegra que este disco, a diferencia de todos los discos del pasado, no esté tan extendido. Mantiene un tono particular, bueno, podemos decir estado de ánimo, podemos decir narrativo, podemos decir un tono particular, más consistente de lo que he podido hacer en el pasado. Siento que todo es tan relativo y subjetivo, y este récord en comparación con los demás realmente fluye en este océano en calma.
Pero en comparación con un disco más enfocado, te desanima que de repente Fig in Leather y Fancy Man salten. Ahora, esas canciones no son canciones súper agresivas ni súper bailables, pero en relación con el resto del disco, definitivamente se destacan. Interrumpen la armonía del disco. Ese, de una manera extraña, ha sido mi M.O. por mucho tiempo. Esta es la primera vez que no como disruptivo como lo ha sido en el pasado.
[youtube https://www.youtube.com/watch?v=Md0000uSgOs]
El año pasado me dijiste que creías que el humor también es una herramienta poderosa para hablar de algo serio. Podrías descartar algunas canciones como la personificación de un personaje tonto, pero esto también es la muerte del ego masculino hasta cierto punto. Estás satirizando a este personaje, a este tipo, y se siente como algo de lo que hemos hablado antes.
Me estaba acercando a esa pregunta a través del género de la música, pero sí, ¡absolutamente! El tema en sí es exactamente como dijiste, el ego masculino. El tipo de Fig in Leather es esta persona anciana que intenta seducir a esta persona más joven con tecnología totalmente obsoleta, y es totalmente en vano. Es realmente un personaje divertido con el que jugar y con el que me puedo identificar. Y Fancy Man también es eso, este totalmente ingenuo, privilegiado, con el título de hermano Ryan Lochte, ¡simplemente cagando por todo el mundo y corriendo a través de eso!
Duuuude .
Pero hay un pequeño momento de trascendencia en esa canción, cuando se dan cuenta al final de que nada de eso tiene valor. ¿Es este un pensamiento elegante? Estoy bastante seguro de que no concluye la canción, la inutilidad de la misma, esto es todo. maya . Entonces hay un pequeño un poco de espacio allí, la persona no es un total Estúpido. Se despiertan un poco al final de eso.
Ese también es el mono, ¿verdad? Si Mono en mármol rosa se relaciona en absoluto con estos temas, supongo que pienso en un simio y pienso en algo brutal y sin refinar, mientras que el mármol rosa es majestuoso y elegante, quizás femenino. Estoy tratando de analizar eso en el contexto de estas canciones.
¡Sí, bueno, no sé por qué me estás hablando! [Risas] ¡Ya sabes, ya lo sabes!
Todo el ácido que hice en la universidad.
[Risas] Bueno, sí, eso es exactamente correcto, y eso es lo que es el título en cierto sentido, una referencia a ese arquetipo o símbolo. En el otro sentido, es algo que quiero recuperar de intentar interpretar. 
Devendra Banhart.Foto: Flickr Creative Commons / monophonicgirl
¡Fresco! ¿Hay algo de este disco que sea autobiográfico, un reflejo de tu familia o de tu vida? Le dedicas el disco a tu padre biológico al final, y no quiero entrometerme porque no es de mi incumbencia cómo era tu relación con él, pero es algo en lo que pensé con los temas de la pérdida en la segunda mitad de el record.
¡Si! En muy poco tiempo perdí a algunas personas muy cercanas a mí. Noah Davis, Asa Ferry, Bill Berkson, mi padre biológico Gary Banhart y Milos Kras. No me senté y escribí una canción sobre ellos, o sobre esa experiencia, pero ese proceso de duelo y ese proceso continuo sin duda informaron al disco, me gustó o no, y definitivamente se fusionó con la totalidad del álbum. Hay estas cosas explícitas u obvias, como Mourner's Dance, pero eso en realidad no fue escrito sobre esa experiencia, fue escrito sobre ir a ver un espectáculo de danza.
Pero fue informado por tanta muerte, porque he estado en cinco monumentos. Acabo de regresar de San Francisco tocando el memorial de Bill Berkson y me preguntaba cómo sería tener un baile coreografiado en un memorial. Entonces hay una canción para eso. Y creo que habría escrito esa canción si no hubiera experimentado tanta pérdida, pero haber experimentado esa pérdida hace que sea algo sobre lo que sé escribir, de alguna manera.
También sabes cómo escribir sobre procesos, ¿no? Cuando te vi en The Strand el año pasado, creo que fue [con respecto a] la Oh yo, oh mi ... obra de arte, y hablaste de cómo falleció el tipo de INXS y te sorprendió lo mucho que te afectó. Estabas trabajando en ello y seguías trazando estas líneas. Dijiste algo sobre el proceso de trazar líneas una y otra vez hasta que tienes un monumento o un santuario. Había algo en el proceso que me pareció muy interesante.
Esa eficacia de ese proceso existe en el dominio visual para mí. No sé si siento lo mismo acerca de la composición de canciones. Solo sé que esas experiencias se han filtrado en el álbum al 100 por ciento, inconscientemente, y son completamente parte del disco. Pero en este momento lo único que puedo decir es una manifestación real de tanta pérdida es el hecho de que la única acción real, la única verdadera cosa Lo que puedo hacer es decirle a la gente que amo que los amo.
Aparte de eso, solo estoy de luto. Realmente estoy tan desconsolado y triste, y no recurro a la guitarra como estábamos hablando antes. Mucha gente recurre a la música para sacar esto, y yo no necesariamente hago eso.
Te sientas con eso.
Pero en realidad recurro al arte para eso. Lo del dibujo está mucho más cerca de eso, de lo que parece tu proceso con la música. Esa es la parte hermosa de hacer arte, se baila diferente con diferentes socios.
Ape in Pink Marble de Devendra Banhart saldrá el 23 de septiembre en Nonesuch Records. También toca en un programa de lanzamiento de álbum ese día en Rough Trade Brooklyn, que al momento de escribir estas líneas se ha agotado.
