Los retratos acolchados de la estrella del arte Bisa Butler son sublimes en escala y concepto: retratos de tamaño natural que rinden homenaje a sujetos negros basados en fotografías en blanco y negro desde alrededor de 1850 hasta el presente. Sus retratos estallan con un caleidoscopio de colores eléctricos y texturas ricas, cada tono representa una emoción o tema diferente. Ya sean temas históricos o contemporáneos... famosos (Frederick Douglass, Nina Simone, Lauren Hill, Jean-Michel Basquiat) o desconocidos... Butler los produce con el mismo cuidado íntimo y reverencia.
Estar en presencia de su trabajo se siente sagrado, y Butler ha ayudado a elevar la percepción que la gente tiene del acolchado, desde un oficio femenino 'humilde' hasta un arte. Le han encargado retratos acolchados para las portadas de Tiempo , Esencia y las memorias de la fundadora del movimiento #Metoo, Tara Burke Sin consolidar . Ha realizado exposiciones individuales en museos en instituciones como el Instituto de Arte de Chicago y el Museo Nacional Smithsonian de Arte Afroamericano. Y más recientemente, la Galería Jeffrey Deitch presentó “The World Is Yours”, una exposición de piezas de Butler inspiradas en el artista de hip-hop Nas.
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Tuve el placer de entrevistar a Butler en su estudio en Mana Contemporary, un centro de arte en expansión en Jersey City, Nueva Jersey.
Tu portada para las memorias de Tarana Burke Sin consolidar Me habló como alguien que formaba parte del movimiento #MeToo. ¿Cómo terminaste trabajando en ese proyecto en particular?
El editor de Tarana se acercó a mí y me dijo: “A Tarana le gusta tu trabajo, y esto es una posibilidad remota, pero ¿hay alguna posibilidad de que consideres diseñar la portada de sus memorias?” Y dije: 'Absolutamente'. Hacer algo por Tarana después de haber hecho algo por tantas mujeres que sentían que tenían la culpa y que necesitaban ocultar lo que les había sucedido, significaba mucho poder hacer algo por ella.
¿Puedes explicarme tu proceso artístico?
Lo primero que hago es examinar fotografías para hacerme una idea y dejarme atraer por una imagen. Prefiero las fotos en blanco y negro porque puedo ver una escala de grises. Ampliaré la foto, la imprimiré en mi estudio y dibujaré encima de la imagen con un rotulador, identificando esa escala de valores. ¿Cuál es la luz más clara? ¿Cuál es la oscuridad más oscura? Y luego hago formas que puedo recortar. Cada forma se convertirá en un trozo más de tela. En ese momento, elijo mi paleta, que es la que lleva más tiempo porque uso el color para expresar emociones a la manera de los pintores modernistas como Picasso y Matisse. El azul puede representar calma o serenidad y el rojo puede representar fuego o pasión.
También quiero que haya un patrón allí. Muchas telas africanas tienen patrones de cuentos populares, cuentos de esposas y alegorías. Por ejemplo, hay una tela conocida como “labios grandes”. Si quiero esa tela ahí, estoy tratando de decir que los labios carnosos de esta persona son hermosos. Estoy pensando en el color, el patrón y el significado al mismo tiempo. Después de haber cortado y arreglado todo, lo pego ligeramente con pegamento para tela y un trillón de alfileres. Podría tener una tela base de color rojo, pero todo lo que está encima podría tener diez o quince capas de otras texturas, colores y tonos porque estoy tratando de que parezca modelado tridimensionalmente. Y luego lo cargo en mi máquina de coser.
Su marido, el DJ John Butler, tocó una canción de Nas que inspiró 'The World is Yours' en la Galería Jeffrey Deitch. ¿Cómo surgió la idea?
Nas tiene esta canción 'One Mic'. Y quería que mi trabajo se sintiera como esa canción. Siento que la generación del hip hop (los raperos, los productores, hay algo acerca de los músicos) tiene el dedo en el pulso y son capaces de hacer que tu pulso se acelere y baje. En la canción de Nas , rima muy lentamente. Sé que escuchaba los sonidos de la calle, o de los trenes M o A. Mientras rapeaba, era casi como si estuviera corriendo por las calles de Nueva York, y luego fue como si alguien lo estuviera persiguiendo. Su cadencia subió mucho y luego la volvió a bajar. Quería hacer mi obra de arte tan visceral como esa canción. Quiero que la gente sienta algo y quiero poder controlarlo como un maestro. Me hizo empezar a escuchar a Nas de nuevo.
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¿Cómo trajiste esa cadencia a tu programa?
Estoy tratando de traer gente a mi mundo para que puedan sentir la humanidad. La canción surgió de nuestro estatus social ahora mismo en este país. La gente está unos contra otros y se están volviendo realmente salvajes tribales: “No eres como yo”. Eres otro’. Y por eso quería transmitir la idea de que sientes lo que yo siento. El mundo es nuestro . No tenemos que luchar a muerte entre nosotros. Nos pertenece a todos y debemos respetarnos unos a otros. Parte de eso es comprender las emociones de otras personas y darse cuenta de que son como las suyas. Y Nas te lleva con él en este viaje por la Nueva York tal y como él la conocía. Y quiero que mis exhibiciones puedan llevar a la gente a un viaje como yo lo conozco. Estas son las personas que conozco. Así es como lucen los negros. Esto es lo que sentimos. Y allí verás ecos de tu propia familia.
Hábleme de la banda de música que cerró su exposición en la Galería Jeffrey Deitch.
Tuvimos la presencia de la banda de la escuela secundaria Malcolm X Shabazz de Newark, Nueva Jersey. No estaba planeado que todos comenzaran a marchar detrás de los niños, pero esa era la atmósfera. Y luego fue como algo del Flautista. La gente empezó a llegar de todas partes y marchaban justo detrás de los niños. Cuando llegaron a la galería, era mágico. Nunca pensé en lo que pasaría si tocaras la batería de jazz en el SoHo en un día cálido y soleado de primavera. Los niños entraron directamente a la galería hasta el escenario principal. Se podía ver que estaban muy orgullosos. ¡Fue muy bueno!
En su exposición más reciente en la Galería Jeffrey Deitch, las fotografías con las que trabajó eran más contemporáneas. ¿Cómo surgió la idea?
Eso sucedió durante el encierro. Me encontré en una conversación en la que hablaba con la madre de Beyonce y MC Hammer en Clubhouse; creo que estábamos hablando de NFT. MC Hammer es muy activo en el mundo del arte digital. Había diez panelistas y trescientas personas escuchando que podían dejar comentarios. Esa conectividad me hizo más valiente porque hay fotógrafos vivos a quienes quería preguntar: '¿Podría crear una pieza basada en tu trabajo?' Pero siempre fui demasiado tímido.
Siempre me había fascinado lo que sucedió antes, pero aquí estábamos, en este momento, donde lo que estaba sucediendo frente a nosotros era una locura. Y me pregunté, ¿por qué estoy ignorando el ahora? Permítanme prestar atención a mi propia historia en lugar de a quién inspiró a mis abuelos.
Tal vez tuviste que empezar con el pasado para llegar al presente. ?
Definitivamente ayudó a crear retratos de personas como Harriet Tubman cuando tenía poco más de cuarenta años o Frederick Douglass cuando tenía veintinueve. Parecen figuras míticas, pero también son seres humanos. Cuando estaba creando un retrato de Frederick Douglass, tuve que pensar en los pensamientos que pasaban por su cabeza. Frederick Douglass es otra cosa porque es una fuerza de la naturaleza que se libera, se escapa y aprende a leer por sí mismo. Se convirtió en la persona más fotografiada, incluso más que la reina Victoria, en el siglo XIX. Al mirarlo a los ojos, me di cuenta de que había mucho más que no entendía. Quiero decir, ¿cuándo realmente miramos las fotos de otras personas durante cien horas? Pude ver una mancha en su ojo. Luego leí en su autobiografía que una vez lo golpearon y casi pierde el ojo izquierdo. Pero la mancha todavía estaba allí, el capilar reventado. Fue una conversación íntima y profunda con una persona que tenía una vida muy diferente a la mía.
Cuando fuiste a la Universidad de Howard, descubriste una forma diferente de pintar. ¿Puedes hablar de eso?
El jefe del departamento de arte, Jeff Donaldson, fundó un colectivo de arte revolucionario Black Power en Chicago en la década de 1960 llamado AfriCOBRA. Mis profesores fueron quienes sentaron las bases para muchos de los colores que ves en mi trabajo porque crearon una nueva paleta: Kool-Aid. Antes de eso, la tradición pictórica europea habría sido el estándar para las escuelas de arte en todo Estados Unidos. Kool-Aid tenía múltiples significados. Fue genial, ya que queríamos que nuestra paleta combinara con los colores que usaba la gente en los años sesenta (naranja brillante, amarillo, verde brillante, rojo brillante, DayGlo), todos los colores aparecieron. Pero también queríamos los colores del continente africano. Tenías estudiantes como mi padre provenientes de un África recién liberada. Empezaste a ver niños nigerianos en el campus y niños ghaneses en el campus. Además, los afroamericanos viajaban a África para estudiar y vieron los colores del mercado. Creo que Kool-Aid era parte del arte para la gente y no sólo en museos y galerías. Querían que la gente corriente tuviera arte en sus casas y lo entendiera.
Después de graduarte, obtuviste una Maestría en Artes en la Universidad Estatal de Montclair. ¿Fue ahí donde aprendiste a hacer quilts?
El núcleo del estado de Montclair incluía artes de fibra. Fue allí donde me di cuenta de que no necesitaba un lienzo. Esta fue la primera vez que pude crear arte que se adaptara a mi estilo de vida. Cuando yo era una madre joven, John trabajaba todo el día y yo estaba en casa con los niños. Necesitaba tener arte en el que pudiera trabajar durante horas con mis hijos allí mismo, y el acolchado era eso.
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Leí que tu primer retrato acolchado fue el de tu abuela. ¿Qué inspiró eso?
Pinté un retrato de ella cuando estaba en la escuela de posgrado. Su salud estaba delicada. Ella dijo: “Me hiciste parecer una anciana”. Ella lo odiaba. Así que hice un retrato acolchado de la foto de su boda [ Francis y Violette (abuelos) ] y a ella le encantó.
¿Lo colgó en la pared o lo usó como colcha?
No podía levantarse de la cama. Su nombre era Violette, así que tuve que usar una tela violeta violeta. Pero la colcha no era tan grande. Se lo pondría sobre las piernas. Estaba en papel de seda, así que cuando la gente venía, ella le quitaba el papel de seda. Quería que todos los que vinieran a sentarse junto a su cama vieran esta colcha.
Háblame de tu retrato acolchado de madre e hija, Entrada coloreada . Si bien los colores que elegiste son edificantes, el letrero me persigue.
Esa foto en particular fue tomada en 1956, y Gordon Parks estaba usando una película fotográfica en color, que era nueva en ese momento. Los colores eran suaves, pasteles y granulados, lo que influyó en los colores que elegí. Elegí un fondo floral naranja y blanco. Mi sobrina y yo notamos que parecía una paleta de crema. Era como esa crema pastel anaranjada. Porque esa es la primera impresión de esa foto. Es una hermosa tarde de domingo o sábado y una mujer y un niño están de compras en la avenida. Están vestidas muy femeninas. La niña lleva un vestido de encaje. La mujer lleva tacones. Todo en ellos es tan gentil y femenino. Pero luego hay un enorme letrero de neón brillando sobre sus cabezas que dice: “Entrada de color”. Así que ese es el aspecto de terror: es como un susto en una película de terror. Y lo triste es que esa era la realidad de la vida estadounidense.
Después de graduarte de la Universidad Estatal de Montclair, enseñaste arte en una escuela secundaria en Newark. Leí que eras amiga de una bibliotecaria que falleció y fue entonces cuando dejaste la docencia. ¿Fue ese un momento de luz para ti?
Fue. Por esa época, la bibliotecaria de la escuela secundaria en la que trabajaba falleció mientras dormía y no tenía mucha familia. Mi directora guardó un momento de silencio por ella, pero estos son adolescentes. Se suponía que sería un minuto, pero sólo lograron 30 segundos. A los pocos meses, contrataron a otro bibliotecario. Con la muerte de mi amigo, me di cuenta de que el sol seguirá saliendo, la luna todavía se pondrá y la vida continúa. Entonces, ¿qué quieres hacer con tu vida? Porque si desapareces de la existencia, ellos seguirán sin ti. Fue en esa época que decidí que tenía que encontrar la manera de ser artista a tiempo completo.
Cuéntame sobre tus próximas exposiciones en el museo.
Actualmente me estoy preparando para una gira por tres museos con una exposición individual que comenzará en Washington, DC, y seré la primera mujer negra en realizar exposiciones individuales en dos de los lugares. Es una muestra que tendrá piezas desde que comencé a hacer colchas en 2001 hasta la actualidad. Creo que habrá unas treinta colchas en la exposición.
En términos del clima político en Estados Unidos, a veces parece que estamos retrocediendo. ¿Cómo debemos procesar esto?
Me asusta como a todos, pero creo que debemos recordar que hubo otros tiempos en el mundo y en este país en los que algunas personas fueron realmente esclavizadas. A algunas personas la ley les decía: “No eres un ser humano. Eres las tres quintas partes de un ser humano. No eres dueño de tus hijos. No eres dueño de tu tierra. No eres dueño de tu propio cuerpo”. Una cosa que dijo Frederick Douglass cuando escapó fue: “Soy un ladrón. Robé esta cabeza, estas manos y estas piernas”. Y ese era él mismo. Si pudiera sentir que había más y mejor en este mundo y que había gente buena, no podemos rendirnos.
