El nuevo álbum de Stone Temple Pilots, Shangri-LA DEE DA (Atlantic), plantea la pregunta: ¿puedes enseñarle a un perro viejo a hacer nuevos trucos? Una vez que el tema de las diatribas venenosas de todos los robots independientes moralistas que intentan mantenerlo real en la fiebre del oro posterior al Nirvana, S.T.P., como el radón en su sótano, de alguna manera ha perdurado. Algún día incluso pueden suplantar a Aerosmith como los grandes farsantes del hard rock. Para entonces, todos, excepto unos pocos amargados, habrán olvidado lo despreciada que era la banda en su apogeo de estilo, cuando la personificación de Eddie Vedder del cantante principal Scott Weiland tenía los pasos de Rich Little oyendo, y no había una nota, letra, mirada o gesto. estos tipos ofrecieron que no parecía del todo, horriblemente derivado.
Más viejo, más sabio, posiblemente desintoxicado, S.T.P. han ampliado al menos sus horizontes de apropiación. Patear drogas y expandir su colección de discos no garantiza la longevidad de su banda, pero Shangri-LA DEE DA es un comienzo prometedor. Aunque algunas de las canciones, incluida Dumb Love, son, como ha dicho el Sr. Weiland, S.T.P. (es decir, tal vez, Alice in Chains vintage), la banda claramente se ha beneficiado de un atracón de Virgin Megastore. La lista de influencias, desde los Beatles hasta Zeppelin, Todd Rundgren y, según el comunicado de prensa del álbum, el pionero de la bossa-nova Antonio Carlos Jobim, ilustra una vez más la delgada línea entre el eclecticismo y cubrir las apuestas.
Después de varias escuchas, este disco tiene un efecto extraño. La repugnancia puede retroceder ligeramente y puede producirse una cierta apreciación por su hábil manipulación de sonidos familiares. Las mujeres embarazadas pueden incluso manejar con seguridad A Song for Sleeping, la oda de Weiland a su hijo recién nacido, y los fanáticos de la era Vasoline pueden encontrar alivio a la crisis de la mediana edad en el trabajo de hacha que se realiza a Courtney Love en Too Cool Queenie. realmente famoso / Y ganó mucho dinero / Y algo de él también). La hagiografía falsa de Kurt Cobain (No era ni la mitad de malo / Al salvar el mundo) no es el único paso en falso de esta canción. Días de la semana, una especie de rechazo del tema de los amigos, sólo es pegadizo en la forma en que se asoma un clavo en el marco de una puerta. Pero Shangri-LA DEE DA, por cursi y chirriante que pueda ser, posee algunos momentos genuinos de pop-rock, que se evidencian mejor en Wonderful y Bi-Polar Bear. S.T.P. nunca han tenido integridad, pero tal vez han ganado algo de dignidad al intentar seguir adelante, ahora que incluso los farsantes han dejado de quejarse de todos los farsantes que hay por ahí.
- Sam Lipsyte
Nuggets II: Venta de garaje
Primero, algunos hechos sobre Nuggets II: Artyfacts originales del Imperio Británico y más allá (Rhino). Al igual que su predecesor, en sí mismo una versión ampliada del álbum doble histórico de 1972 de la psicodelia estadounidense temprana compilado por Lenny Kaye, es una excavación de cuatro discos de partituras de singles raros de lo que se conoce ostensiblemente como bandas de garage-rock de 1964 a 1969. La tarea aquí es destacar los análogos internacionales a los de los Standells. Las únicas melodías incluidas en estos discos que llegaron a las listas aquí son Imágenes de Matchstick Men de Status Quo y Friday on My Mind de Easybeats. La melodía de apertura, Creation's Making Time, es mejor conocida como la nota clave de Rushmore. Y eso es todo para el reconocimiento en los Estados Unidos.
Incluso más que el punk rock incipiente recopilado en Nuggets I (que se expandió en 1998), los singles de bandas de garage-rock británicas, europeas, sudamericanas y asiáticas son fetichizados por el tipo de descontentos que ves en la WFMU Record Fair. Sospecho que esto tiene que ver con que el corpus de Nuggets I ya no es del todo suyo: los sucios (o, con respecto a los hábitos higiénicos de esta especie de coleccionistas de discos, los lavados) pueden saber qué pasa con LA's Music. Machine, así que vamos a La De Da's de Auckland y The Zipps de Amsterdam. Ahora, con el lanzamiento de Nuggets II, tendrán que empezar a ganar terreno en Micronesia.
Lo extraño de Nuggets II es lo parecidas que suenan las canciones. Es de rigor lamentarse de cómo el capitalismo está aplanando las diferencias culturales de los países. Pero la evidencia presentada aquí sugiere que, en la década de 1960 que nunca fue mancillada, el legado musical inmediato de los Beatles, Rolling Stones, Who, Kinks y Yardbirds no fue en gran medida uno que fomentara la heterogeneidad, sino la homogeneidad.
Hay un montón de melodías geniales, incluidas Crawdaddy Simone de Syndicats y I Am Just a Mops de The Mops de Japón, dos de las canciones más dementes de la época. El movimiento I Can Hear the Grass Grow, el My Mind's Eye de los rostros pequeños y el Who Dat del jurado son firmes. Cualquiera de estos cuatro discos de pura y desagradable acción de rock sonaría genial en una fiesta en la azotea: Garage rock es más divertido para beber que, digamos, música dance inteligente.
Pero hace que uno se pregunte por qué muchas de estas bandas no incorporaron influencias locales, como lo hicieron Os Mutantes de Brasil a través de Bat Macuma. Créame, cuatro discos de R&B y psicodelia neandertal de pared a pared es algo bueno. Pero solo un superemacista musical casi certificable de los 60 no encontraría a Nuggets II un poco adormecido.
- Rob Kemp
Thelonious Monk: recto, con perseguidor
Debido a que rara vez tienen los derechos sobre la obra entera grabada de un inmortal del jazz, a los sellos discográficos les gusta volver a empaquetar lo que tienen y afirman, aunque solo sea implícitamente, que esta es la época esencial de la carrera del artista. En el caso de la nueva caja de tres CD de Thelonious Monk, The Columbia Years: 1962-1968, eso sería una afirmación. Las primeras cajas de Monk, la Blue Note de cuatro CD, que incluye sus primeras grabaciones de 1947-1952, y la caja de Riverside de 15 CD, que cubre de 1955 a 1962, son la veta madre de sus composiciones formalmente ingeniosas, vitrinas de su espinosa enfoque percusivo y totalmente sui generis del piano. (Aquellos que no están familiarizados con su música pueden intentar imaginar algo entre Erik Satie y el folk blues).
Debido al desfase entre el genio y el reconocimiento, Monk trabajó en relativa oscuridad en las primeras obras maestras. El contrato con Columbia marcó su llegada a lo grande y, a la inversa, su inminente caída de la gracia crítica. Seguía tocando maravillosamente, pero, en contraste con la variada configuración musical de los últimos años, se había adaptado a un ritmo de cuarteto cómodo y ocasionalmente predecible con su saxofonista tenor, Charlie Rouse. Apreciamos en retrospectiva que se encaminaba hacia una completa retirada de la vida musical, los silenciosos años 70 que precedieron a su muerte en 1982. En un toque artístico, el primer disco de la reedición comienza con un fragmento de cuatro segundos de Monk murmurando, I'm famoso. ¿No es una perra?
Lo que hace que el conjunto sea tan sorprendentemente satisfactorio, como obra de revisionismo histórico y como colección de música brillante, es lo que se ha restado, no agregado. Al comprimir la extensa producción de Columbia de Monk en tres discos, Orrin Keepnews, el productor de la reedición y el productor original de Monk en Riverside, ha eludido las repeticiones y longueurs que hicieron que Monk de la era de los sesenta fuera tan problemático. Variedad se ha adaptado con éxito. Monk suena astuto y seductor en los cortes de cuarteto del disco 1 (prueba Ugly Beauty); quemándose en Blue Monk, una de las piezas de big band del disco 2; y relajado y expansivo con el clarinetista Pee Wee Russell en un concierto de Nutty, del último disco en vivo.
Aún así, la reedición de Columbia parece destinada a vivir a la sombra de las cajas Blue Note y Riverside. Pero ese, para un álbum de jazz, es un lugar muy honorable para estar.
- Joseph Hooper
Los Ramones: Jive Talkin ’
Algunas bandas necesitan toda una carrera para redondear un sonido, pero no los Ramones. Como Neu !, lo consiguieron en el primer par de tambores en 1976. Como se muestra en la reciente reedición de Rhino Records de sus primeros cuatro LP (Ramones, Leave Home, Rocket to Russia y Road to Ruin, que incluyen varios demos, singles y, en un caso, un concierto completo), el resto de su carrera giró en torno a la delicadeza, no un término asociado a menudo con el punk. El hecho de que fueran tolerados durante otros 25 años es una prueba de la buena voluntad que generó la banda de dibujos animados, a pesar de las luchas internas y la iconografía nazi.
Se ha escrito mucho sobre la personalidad bufonesca de la banda, pero hay que considerar de qué nació: una aceptación cariñosamente irónica de la cultura estadounidense del Graffiti de su juventud, que se había reducido al niño Kustom Kar Kommando que era el Fonz. Así que toda su charla sobre sedación y tratamientos de choque tuvo poco que ver con la ira de la cultura punk que engendraron; más bien, era su nostalgia por Creature Double Features y Phil Spector. La brevedad de las canciones, las portadas de los buscadores, las imágenes de lucha de monstruos de películas en las portadas de sus álbumes: todo apuntaba a una creencia cascarrabias de que los hippies no solo habían arruinado la mejor época de la música, sino que también llegaron a escribir la historia oficial. –Uno que trataría todo lo que los Ramones valoraban como un mero preludio de un solo de guitarra de Richie Blackmore de 14 minutos.
A principios de los 70, el rock había adoptado el blues como una forma de autenticidad, transformando el grito de campo en una banda sonora para chicos blancos decadentes que se deslizaban al margen de Stevie Nicks. Pero los Ramones fueron los primeros anti-wiggers, nacidos de la tradición de las bandas artísticas de la ciudad de Nueva York de denigrar lo que podría considerarse una genuflexión caucásica hacia la música soul (a lo que Nelly Furtado responde, ¡meep meep!). De hecho, con sus chaquetas de cuero, sus cortes de pelo estilo cuenco y la enunciación de Joey Ramone que huele pegamento, los Ramones eran realmente juglares de blancura. Cuando canta, Sentado aquí en Queens / Comiendo frijoles refritos / Estamos en todas las revistas / Gulpin 'down Thorazines en Were a Happy Family, de Rocket a Rusia (su álbum más fuerte), son un pálido Posavasos para el Lower East Side, eligiendo la bravuconería en lugar de los trajes de mono.
Los Coasters fueron los embaucados de su época: afroamericanos con la letra de un par de sabios blancos. Pero los Ramones no solo se estaban gastando la broma a sí mismos; el punk rock que inventaron fue el único género musical que nació con ironía, razón por la cual su base de fans seguía siendo cretinos a partes iguales que no entendían la broma y críticos que pensaban que lo habían inventado. Si bien la comunidad punk mostró su cercanía después de la muerte de Joey Ramone en mayo, sospecho que cualquiera que viera el mundo como un montón de cabezas de alfiler lobotomizadas se sentiría algo separado de cualquier facción que lo celebrara. ¡Y así 1-2-3-4! siguen siendo los números más solitarios que jamás conoceremos.
- D. Strauss
