En 1964, Yoko Ono autoeditado un antología de “instrucciones” con derecho Pomelo .
El trabajo brindó orientación sobre cómo escenificar actos específicos o visualizar ciertas escenas, todo para capacitar radicalmente a los lectores para crear (o convertirse) en una obra de arte.
El texto inusual también ayudó a inspirar una de las mejores canciones de todos los tiempos.
Una nueva retrospectiva dedicada a Ono en la Tate Modern, “ YOKO ONO: MÚSICA DE LA MENTE ”, destaca su perspectiva artística provocativa, aunque a menudo pasada por alto. Ya sea organizando una sentada pacífica o siendo desvestido con unas tijeras por el público, Ono nos ha pedido que imaginemos y participemos juntos. Los actos individuales pueden conducir a una acción colectiva, sostiene Ono en su arte.
Pomelo , escrita entre 1953 y 1963, fue en sí misma una obra innovadora de pensamiento conceptual del artista japonés-estadounidense, emblemática de los cambios posmodernos respecto de las nociones tradicionales del arte. Presentaba las llamadas “partituras” que delineaban directivas, como “Pintura para pisar” y “Pintura para construir en tu cabeza”, para que los lectores las promulgaran. El producto final de Ono fue colocado de manera única en las manos o en la imaginación de un individuo.
El libro poco convencional también dio forma a una de las canciones populares más famosas de todos los tiempos: “Imagine”. Beatle famoso John Lennon (1940–1980) le dijo a la BBC en 1980 que “Imagine” se inspiró en él:
En realidad, debería acreditarse como una canción de Lennon-Ono porque gran parte de ella (la letra y el concepto) vino de Yoko. Pero esos días… omití mencionar su contribución. Pero estaba sacado de Grapefruit, su libro. Hay un montón de artículos sobre 'Imagina esto' e 'Imagina aquello'.
Debido a la escisión creativa de Lennon y otras políticas raciales y misóginas aprovechadas en Ono, nunca recibió un crédito generalizado por su contribución a la aclamada obra maestra. (La pregunta más popular y sensacionalista era si La “dama dragón” separó a The Beatles .)
La exposición del Reino Unido presenta siete décadas de obras del famoso iconoclasta, aunque también famoso “ desconocido '-artista. De trabajos de texto recientes a gran escala (como el de 2021 TE AMO TIERRA ), a grabaciones de películas infames (como Fondos de 1966 a 1967), la muestra demuestra la duradera preocupación de Ono por la imaginación y su capacidad para imbuir el escape individual y el empoderamiento colectivo. También muestra el borrador tipográfico original de Pomelo (que marca su primera aparición en el Reino Unido), recordándonos el papel de Ono en la configuración del inspirado himno que entona la paz mundial.
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El solo hecho de que la Tate Modern esté organizando una retrospectiva integral es señal suficiente del noble esfuerzo de la institución por recuperar la identidad artística de este artista multifacético (y a menudo públicamente difamado).
Nacida en Japón en 1933, Yoko Ono creció durante las secuelas nucleares de la Segunda Guerra Mundial, una época que devastó su país cuando llovieron bombas atómicas sobre Nagasaki e Hiroshima. Era la presencia segura y perpetua del cielo arriba, al que Ono a menudo recurría en busca de consuelo escapista cuando yacía escondido, como un lugar de consuelo y posibilidades. Más tarde, el cielo se convirtió en un motivo central de su arte, que representa lo ilimitado y la libertad de la mano, a veces cruel, de la Tierra.
Sin embargo, fue la época en que vivió en Nueva York en la década de 1960 la que impulsó el deseo de Ono de permitir al espectador fantasear, con o sin cielo, también. Los primeros trabajos pedían que proyectáramos nuestras propias imágenes mentales en lienzos en blanco con indicaciones, como en Pomelo, o jugar una partida de ajedrez no competitiva con sólo casillas y piezas blancas ( Juego de ajedrez blanco ). “Juega mientras puedas recordar dónde están todas tus piezas”, fueron sus instrucciones.
'Yoko trastocó la relación entre el artista y el público'. dice Juliette Bingham, curadora de arte internacional, quien ayudó a montar la exposición. 'Yoko Ono es una artista muy versátil y ha trabajado de muchas maneras diferentes para transmitir su mensaje'.
La participación sigue siendo clave para el trabajo y el mensaje de Ono, una línea que va desde las primeras piezas hasta los esfuerzos contemporáneos también. El ímpetu para pedirnos que experimentemos los placeres de nuestros propios pensamientos abstractos se energice para implementar también un cambio social real.
La exposición presenta obras como pieza cortada (1964), una performance filmada en la que se invitaba a los espectadores a cortarle la ropa, examinando la cosificación y el control sociopolítico ejercido sobre los cuerpos de las mujeres. Agregar color (barco de refugiados) (2019), otra pieza participativa pero producida décadas después, presenta un barco estacionado en una habitación blanca que instruye a los espectadores a colorear el espacio en blanco y su estructura de azul y blanco. El artículo nos pide que consideremos la difícil situación de los refugiados (a menudo vilipendiados en los medios y criticados por los políticos) que huyen de sus países de origen para buscar la salvación en Europa.
La percepción pública de Ono puede haber sido marcado por la misoginia y la difamación durante sus años casada con Lennon , pero fue después de su temprana muerte cuando Ono aprovechó en parte la notoriedad. Continuando el trabajo que ella había comenzado con él, como Bellotas por la paz 1969, en el que la pareja envió bellotas a los líderes mundiales, Ono continuó abogando por causas humanitarias a través de su arte. Tomarla Árboles de deseos Serie (comenzada por primera vez en 1996 y presentada nuevamente en la Tate hoy), un proyecto duradero que busca involucrar al público para que contribuya con deseos personales de paz mundial.
Algunos pueden verlo como un ejercicio inventado, pero es un trabajo popular y melancólico que atrae a muchos que desean fijar una nota en el olivo.
El mensaje de paz puede seguir siendo el mismo, pero su relevancia en una era de nuevos conflictos globales, desde Ucrania hasta Gaza, significa que las audiencias forman nuevas conexiones. 'Lo sorprendente es la forma en que la gente ve y aborda su trabajo y cómo su significado ha cambiado con el tiempo', Bingham dijo al Periódico de Arte . 'Cambia a lo largo de las décadas porque le aportamos un contexto diferente'.
“YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND” es un proyecto inspirado y esclarecedor, que recupera los logros artísticos oscurecidos, incluso pasados por alto, de Yoko Ono. Se suma a otros proyectos recientes, como el serie documental Volver , desafiando la imagen pública corrupta que rodea a Ono y la pasada devaluación de su propio arte.
Después de siete décadas de realizar esfuerzos creativos disruptivos, la forma en que Ono continúa desafiando las nociones de performance y el artista sigue siendo notable, ahora honrado legítimamente por una galería importante en su vida.
Mientras que otros artistas han visualizado en un lienzo o proyectado en abstracciones, Ono siempre ha desafiado a los espectadores a ver el potencial imaginativo en sí mismos. Sólo a través de la imaginación colectiva se puede encontrar una acción unida: “Un sueño que sueñas solo es sólo un sueño. Un sueño que sueñas juntos es realidad.'
“ YOKO ONO: MÚSICA DE LA MENTE ” está expuesto en la Tate Modern de Londres hasta el 1 de septiembre de 2024. Se recomienda reservar con antelación.
