Tim Burton's Corpse Bride, de Tim Burton y Mike Johnson, de un guión de John August, Pamela Pettler y Caroline Thompson, con música original de Danny Elfman, marca el vigésimo año de los esfuerzos consistentemente excéntricos de Burton con películas que han encontrado el favor del público joven. , y con admiradores de todas las edades por las tendencias extrañas, morbosas y francamente raras en su trabajo. En el nivel de consumidor-consultor, permítanme decir primero que Corpse Bride es muy superior artísticamente a Charlie and the Chocolate Factory del Sr. Burton, lanzado a principios de este año. Aún así, a pesar de todos sus méritos, Corpse Bride me deprimió inconmensurablemente. La verdad es que, a mi edad, me encuentro demasiado cerca de las insinuaciones de la mortalidad para apreciar los alegres juegos del señor Burton en el cementerio. Quizás debería idearse un sistema de clasificación para los cinéfilos mayores como yo para protegernos de los caprichos del Sr. Burton sobre esqueletos huesudos con gusanos en los ojos. Ahora, a sus cuarenta y tantos años, Burton nunca ha dejado de gustarle los elementos infantiles (si no totalmente infantiles) del entretenimiento cinematográfico.
Digo esto porque en la proyección de Corpse Bride a la que asistí, los niños de la audiencia parecían encantados con el macabro procedimiento mucho más que yo. Pero, ¿qué esperas? La muerte es una perspectiva mucho más remota para ellos que para un viejo como yo. En cualquier caso, Burton, como muchos cineastas, parece haber tenido una infancia comparativamente solitaria. La entrada biográfica de The Film Encyclopedia de Ephraim Katz es instructiva a este respecto:
Nacido en 1960 en Burbank, California, hijo de un empleado del Departamento de Parques, pasó muchas horas de reclusión infantil viendo dibujos animados y películas de terror en la televisión y comenzó a dibujar dibujos animados cuando aún estaba en la escuela primaria. Ganó una beca de Disney para estudiar animación en el Instituto de las Artes de California y, a la edad de 20 años, comenzó a trabajar en Disney como aprendiz de animador. Logró el éxito con su propia primera película animada, el cortometraje premiado de seis minutos, Vincent, inspirado y narrado por su héroe de la infancia, Vincent Price. En cuanto a los cortometrajes de acción en vivo, hizo una versión de Hansel y Gretel con un elenco totalmente asiático. Luego dirigió para Disney Frankenweenie, una parodia de acción en vivo de 30 minutos de Frankenstein en la que el monstruo es un perro. Considerada demasiado aterradora para los niños, la película nunca se estrenó, pero llevó a que Warner Bros.contratara a Burton como director de La gran aventura de Pee-Wee, que se convirtió en un éxito de taquilla. Destinada al mercado infantil, la película sorprendió a ciertos críticos con su originalidad, inventiva visual y un ojo para lo absurdo, cualidades que se convirtieron en el sello distintivo de Burton y fueron fuertemente evidentes en sus siguientes tres películas: la película de taquilla Beetlejuice, el éxito de taquilla. Batman y el muy aclamado cuento de hadas para adultos Edward Scissorhands. La secuela Batman Returns amplió el extraño simbolismo de la película de imágenes infantiles y obsesiones adultas. Después de Batman Returns, firmó un contrato para producir películas para Disney.
He seguido el surgimiento del Sr. Burton como un autor innegable, incluso cuando él no dirigió sus producciones, pero a gran distancia; tan grande, de hecho, que no puedo recordar en mi vida nada de lo que escribí sobre él. No me disgustaba el dúo de Batman y me repugnaban levemente Edward Scissorhands y Beetlejuice, aunque me impresionaron moderadamente los estilos de actuación sutilmente reticentes de Johnny Depp y Michael Keaton.
Corpse Bride resulta ser una pesada mezcla de títeres y animación que es tecnológicamente demasiado compleja y laboriosa para este crítico ludita desesperanzado, que está publicando esta reseña en una máquina de escribir portátil Smith-Corona SCM Classic 12. Todo lo que sé es que todos los personajes, vivos y muertos, tienen ojos enormes y cuerpos deformes. Las voces son proporcionadas por Johnny Depp como Victor Van Dort, el desafortunado novio que se encuentra comprometido con dos mujeres, solo una de ellas viva, al mismo tiempo: Helena Bonham Carter como la novia cadáver y Emily Watson como Victoria Everglot, la viva. futura novia. Los padres de Victor son interpretados por Tracy Ullman como Nell Van Dort y Paul Whitehouse como William Van Dort, los padres de Victoria por Joanna Lumley como Maudeline Everglot y Albert Finney como Finnis Everglot. Richard E. Grant es la voz siempre burlona del villano total Barkis Bittern. Christopher Lee suena como el pastor Galswells grotescamente dominante, y el compositor Danny Elfman (que ha estado con Burton desde el comienzo de su carrera) canta la voz de Bonejangles, el líder de la banda del cementerio.
La trama, tal como es, depende de la extrema torpeza de Víctor en el ensayo de la boda, lo que lo obliga a huir humillado a un cementerio boscoso, donde coloca por error el anillo de bodas de Victoria en la rama de un árbol que de repente se metamorfosea en la mano y el dedo de la novia cadáver. , con la novia emergiendo en toda su forma esquelética y sobria de la tumba en la que había estado languideciendo desde que fue asesinada por su malvado novio cazador de fortunas. Hay, al principio, un toque de Ichabod Crane en Victor Van Dort, pero con pinceladas mucho más amplias de nerviosismo histérico. Sin embargo, a medida que se desarrolla la historia, la amplitud lírica de la música de Elfman proporciona un fondo de dulzura que sirve como contrapunto a los espeluznantes detalles de las partes del cuerpo en descomposición y desintegración. De hecho, si Corpse Bride funciona, y no estoy seguro de que lo haga, es como un musical mordaz, no sin ingenio y una medida de compromiso emocional.
Los tres personajes principales se turnan à deux para tramos de cortejo de piano a dos manos, pero las líneas de demarcación entre este mundo y el siguiente se vuelven cada vez más borrosas. Esto es especialmente cierto cuando el coro de Bonejangles se roba el espectáculo (por así decirlo) con su estribillo recurrente en cada estrofa cada vez más triste del cuento de la novia cadáver en Remains of the Day.
Dice así: Morir, morir, todos morimos / Pero no frunzas el ceño porque está realmente bien. / Podrías intentar esconderte y podrías intentar orar / Pero todos terminamos como lo que queda del día. Ahora sé que en algún lugar dentro de mí hay un hombrecito que asiente con la cabeza de acuerdo con la verdad existencial del estribillo, pero le prohíbo absolutamente a este hombrecito que aplauda al unísono con los cantantes de Bonejangles. Lo que sigue a continuación en la narración es tan limpio y dulce como una canción de cuna. Normalmente, habría considerado la resolución de este extraño triángulo tan sentimentalmente artificial que se convirtió en un ejemplo de tener tu pastel (o cadáver) y comértelo también. Aún así, el Sr. Burton se inclina, aunque tarde, del lado de la vida y el amor, y no podría haberlo soportado si no lo hubiera hecho. Así que disfruta Corpse Bride si puedes. No lo hice, aunque tuve que admitir que fue bastante logrado por lo que fue.
Niña de papá
Keane de Lodge Kerrigan, de su propio guión, es la tercera película narrativa en primera persona distintivamente independiente y muy respetada que Kerrigan ha realizado en los últimos 11 años. Hizo su debut con Clean, Shaven (1994), un estudio detenido de un personaje esquizofrénico llamado Peter (Peter Greene), que deambula tratando de encontrar algún propósito a su existencia después de ser liberado de una institución mental. Mientras tanto, su pequeña hija ha sido puesta en adopción por su madre, una mujer policía que sospecha que Peter es el brutal asesino de otra niña y que le sigue el rastro.
El segundo largometraje de Kerrigan, Claire Dolan, fue una narrativa más sencilla y menos llena de dudas que Clean, Shaven, ya que siguió al personaje principal, interpretado por la fallecida Katrin Cartlidge, en sus rondas designadas como una prostituta de alto precio que opera en varios lugares entre Nueva Jersey y Nueva York, una región que se ha convertido en el territorio elegido por Kerrigan. Es un mundo transitorio de moteles, bares baratos y encuentros de una noche.
Keane está más cerca en su divagación de Clean, Shaven que de Claire Dolan desde el momento en que comienza, algo misteriosamente, en la terminal de autobuses de la Autoridad Portuaria de Nueva York, donde William Keane (Damian Lewis) busca frenéticamente a su hijo de 6 años. hija, que ha estado desaparecida durante seis meses después de que, según informes, desapareció en la terminal de autobuses mientras estaba bajo el cuidado de Keane. Al menos eso es lo que Keane afirma mientras abrocha a completos extraños con una foto de su hija y un recorte de periódico descolorido de su desaparición, ninguno de los cuales vemos por nosotros mismos, lo que lleva a la sospecha de que el descuidado y aparentemente demente Keane pudo haber inventado el toda la historia. Por un lado, se le muestra siempre murmurando o incluso gritándose en voz alta mientras es seguido implacablemente por la cámara de mano del director de fotografía John Foster, que permanece cerca de Keane, pero no lo suficientemente cerca como para que la audiencia se identifique con su punto de vista. Es como si una tercera persona invisible estuviera vigilando a Keane por alguna razón no especificada.
Lewis, un actor británico de gran talento, muestra un impecable acento estadounidense en lo que equivale a una monopolización hiperwellesiana del tiempo y el espacio de la pantalla. Justo cuando ha comenzado a agotar nuestra paciencia al incitar a una pelea tonta alrededor de una parada de taxis con un hombre del que sospecha inútilmente haber secuestrado a su hija, la trama comienza a espesarse considerablemente cuando conoce a una madre soltera con mala suerte. Lynn Bedik (Amy Ryan) y su hija Kira (Abigail Breslin) de 7 años en su hotel. Keane está claramente fascinado por la niña, posiblemente porque le recuerda a su propia hija perdida, y solo posiblemente porque es un pedófilo peligroso que tiene fantasías sobre una hija perdida hace mucho tiempo.
Hemos visto a Keane disfrutar de un encuentro sexual en el baño que huele cocaína con una mujer no identificada, pero su falta de potencia sexual en este encuentro despierta más sospechas cargadas de suspenso sobre sus perversidades sexuales. Cuando Lynn le pide a Keane que cuide a su hija mientras ella sale de la ciudad para conseguir algo de dinero para la manutención de los hijos de su exmarido, la tensión aumenta perceptiblemente a medida que Keane y Kira se unen como un padre sustituto devoto y una hija sustituta completamente confiable. Mientras Kira, bien interpretada por la adorable Sra. Breslin, intenta animar a la abatida Keane, nunca hace el movimiento falso o sospechoso que anticipamos ansiosamente. No puedo decir si el Sr. Kerrigan está jugando al billar sucio con nosotros en la audiencia o no. El abuso de menores sigue siendo un tabú grave, tanto dentro como fuera de la pantalla, pero las películas recientes han cruzado la línea (sobre todo en el sector independiente) y, en cualquier caso, nunca podemos estar seguros de un personaje que parezca pertenecer a una mentalidad. institución.
De hecho, no quiero cortocircuitar el suspenso contándote lo que sucede al final. Aún así, no puedo evitar algunas especulaciones de autor sobre una nota biográfica críptica que el Sr. Kerrigan incluyó en las notas de producción de la película: Vive en la ciudad de Nueva York con su hija Serena. En su primera película, Clean, Shaven, el protagonista perdió la custodia de una hija y es sospechoso del asesinato de la hija de otra persona. En Claire Dolan, la protagonista quiere abandonar la prostitución para poder tener un hijo propio. Y en Keane, una hija posiblemente real es reemplazada casi mágicamente por una hija sustituta con una mochila sorprendentemente similar en la misma terminal de autobuses.
La obsesión por las hijas es bastante plausible, pero la soledad móvil de los protagonistas de Kerrigan plantea diferentes preguntas sobre la visión del autor de la vida y la sociedad. Parecería que todos estamos nadando en un mar de indiferencia comunitaria, y supongo que esta es una descripción tan adecuada del mundo actual como cualquier otra.
Más salvaje
Some Like It Wilder: The Complete Billy Wilder, una retrospectiva de 26 películas, continúa su recorrido en el Museo de la Imagen en Movimiento (35th Avenue en 36th Street, Astoria) con A Foreign Affair (1948), el estridente regreso de Wilder a Berlín después de la guerra, con Marlene Dietrich contra la realidad como un nazi impenitente y Jean Arthur brutalmente como una congresista republicana de Iowa en una competencia sexual desigual con Dietrich por el amor de un soldado estadounidense corrupto (interpretado por John Lund). También prominente en el reparto es Millard Mitchell, como el comandante en jefe cómicamente sensato. Dietrich canta el mercado negro y las ruinas de Berlín. El hilarante guión se atribuyó a Wilder, Charles Brackett y Richard Breen, y las imágenes en el lugar de Berlín bombardeado hicieron su propia declaración irónica. (Sábado 24 de septiembre, 2 p.m.)
Stalag 17 (1953) supuestamente fue superior al éxito teatral de Broadway de Donald Bevan y Edmund Trzcinski. En la adaptación cinematográfica de Wilder y Edwin Blum (que ganó un Oscar por William Holden), el antihéroe inicialmente espinoso se vuelve inesperadamente heroico en un campo de prisioneros de guerra nazi, el mencionado Stalag 17. El espléndido reparto incluye el improvisado equipo de comedia de Robert Strauss y Harvey Lembeck (repitiendo sus payasadas en el escenario), Don Taylor, Richard Erdman, Peter Graves, Neville Brand, Ross Bagdasarian y Gil Stratton Jr., así como los villanos brillantemente interpretados e ingeniosamente escritos de Otto Preminger (como el sardónico comandante del campo) y Sig Ruman (como el guardia del cuartel engañosamente jovial). A pesar de la posterior Hogan's Heroes, la comedia de situación de mal gusto inspirada en el éxito de la película, Stalag 17 sigue siendo una de las mezclas más resonantes de comedia y melodrama de Wilder. (Domingo 25 de septiembre, 2 p.m.)
The Front Page (1974) es, por desgracia, el cansado remake de Wilder de His Girl Friday (1940), de Howard Hawk, que había heterosexualizado hábilmente (con Cary Grant y Rosalind Russell) el romance original entre amigos de la etapa de los años 20 entre Ben Hecht y Charles MacArthur. comedia, así como la versión cinematográfica de Lewis Milestone de 1931 con Adolphe Menjou y Pat O'Brian (después de que el productor Howard Hughes supuestamente rechazara a Clark Gable y James Cagney, en las primeras etapas de sus carreras, para los papeles principales). En la versión Wilder, Jack Lemmon y Walter Matthau restauran la venerable tradición de amigos. (Sábado 1 de octubre, 2 p.m.)
The Apartment (1960), que se muestra en una impresión Dolby Digital restaurada de 35 milímetros, ganó merecidos premios Oscar a Mejor Película, Mejor Guión (Wilder y IAL Diamond), Mejor Montaje (Daniel Mandell) y Mejor Dirección de Arte - Decoración de Escenografía ( Alexandre Trauner y Edward G. Boyle). Inmerecida fue la derrota del Oscar de Shirley MacLaine como Mejor Actriz; su encantadora actuación de chica mala fue infinitamente superior a la ridícula prostituta de Elizabeth Taylor en Butterfield 8 de Daniel Mann, por la que Taylor ganó uno de sus premios periódicos de Hollywood rindiendo homenaje a su cínica codicia y su bien engrasada máquina publicitaria. Fred MacMurray tiene el papel ingrato de marido infiel y adúltero mezquino, pero Jack Lemmon y la Sra. MacLaine son nada menos que exquisitos en sus vulnerabilidades compartidas, sobre las que finalmente triunfan en una ráfaga de movimiento espectacular de cámara. (Sábado 1 de octubre a las 4 p.m. y domingo 2 de octubre a las 4:30 p.m.)
