Hace unas semanas abrió Theaster Gates “ Abrázame, abrázame, abrázame ”, su primer show con el recién inaugurado puesto de avanzada de White Cube en la ciudad de Nueva York. Aunque a menudo se clasifica a Gates como escultor, su arte no siempre encaja en categorías tan ordenadas y generalmente se extiende para incluir instalaciones y prácticas sociales, esta última activada a través de su Reconstruir la Fundación en Chicago. Hay más de lo que parece en todo su trabajo, así que nos reunimos con él para escuchar más sobre “Hold Me, Hold Me, Hold Me”, que estará abierto hasta marzo.
Entiendo que el título de su programa proviene del estribillo del dúo de los años 70 “Be Real Black For Me” de Donny Hathaway y Roberta Flack. ¿Cuándo conociste esta canción por primera vez? ¿Qué crees que te atrajo como fuente de inspiración artística?
Siento que Donny y Roberta han estado en mi mente desde que nací. Nací en el 73 y “Be Real Black For Me” se lanzó en 1972. Nací en la música soul y nací en esta alegría poética negra. Fue alegría a pesar de las complejidades de la vida negra en las ciudades urbanas, pero puedo recordar una conciencia de Roberta y Donny en mi preadolescencia, normalmente los sábados cuando me obligaban a escuchar la música de mis hermanas. Siempre interpretaban a Roberta Flack, especialmente en los primeros cortes. “Be Real Black For Me” como una conciencia total comenzó a golpearme más recientemente mientras reflexionaba sobre mis propias colecciones de álbumes. Una de las colecciones que tengo es de una increíble alfarera negra llamada Marva Jolly. Su pareja me dio los álbumes de Marva cuando murió, y Marva tenía todos los álbumes de Roberta Flack. Se centró principalmente en músicas femeninas. Al pensar en Marva y tocar sus álbumes, la última década ha sido un reflejo real de estas formas en que el amor y las vidas de los negros se reflejan en nuestra música.
Esta canción en particular se sentía importante porque anunciaba una admisión armónica. A menudo, Roberta proporciona el tipo de armonía básica que le permite a Donny ser extravagante con sus notas. Ella canta con una especie de simplicidad y Donny canta con un vibrato un poco más intenso. Juntos se sienten como una pareja, y hay algo en ese dúo que los hace sentir adecuados para reflexionar sobre la pintura.
recientemente dijiste chicago revista, 'Cuando tengo una exposición, tengo la oportunidad de decir: '¿Qué me apetece estudiar ahora mismo?''. ¿Qué otro estudio se incluyó en esta exposición?
Las exposiciones siempre han sido un momento de reflexión. El período previo a la exposición es el que mejor se siente, especialmente la investigación que implica la creación de una historia que pueda conducir a obras. Para “Hold Me, Hold Me, Hold Me”, gran parte del trabajo que se estaba realizando era pensar en la dirección futura de mi pintura y en cómo quería expresar nuevas ideas escultóricas. En algunos casos, estas ideas y las pinturas han estado en mi cabeza durante mucho tiempo, como usar color en la antorcha, pero trato de ser algo metódico en la forma en que despliego el material. Cuanto más utilizamos el material, más me doy cuenta de que puede hacer cosas más grandes, más complejas. Puede ser plano, como un techo, pero también puede tener dimensionalidad y puede tomar la forma de todas las cosas que toca. Con eso, imagino que el uso futuro del material en escultura crecerá.
Una de las esculturas de esta exposición fue hecha a partir de su viejo piano, que cubrió con alquitrán. ¿Cuáles son algunos de tus primeros recuerdos con ese piano? ¿Cuál fue tu relación con la música mientras crecías?
El piano no es nada sentimental para mí. El quid del piano tiene más que ver con Donny Hathaway y Roberta Flack como grandes músicos. El piano guarda la música negra, guarda su paso por la Universidad de Howard, reflexiona sobre nuestro conocimiento de la formación clásica y la improvisación juntos. El acto de taparlo es esta conversación continua que estoy teniendo sobre la preservación y la muerte. Conservar este piano que ha estado en mi vida durante mucho tiempo significa dejarlo inservible. A veces eso parece una escultura. El acto de fijar o utilizar alquitrán como fijador y conservante. También es extraño lo que hacen los museos. Hace que la cosa esté disponible en el futuro volviéndola absolutamente inútil.
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Es justo decir que siento que se ha producido una compartimentación en mi vida musical. Mi papá no escuchaba música de iglesia y mi mamá, al menos cuando yo era joven, no escuchaba mucha música secular. Entonces, cuando escuchaba la música de mi época, la escuchaba con mis hermanas. También estaba personalmente interesado en Pat Metheny, John Patitucci, Dave Weckl, Johnny Hodges, Nina Simone; estaba interesado en los cánones del jazz y el soul y algo de música clásica, pero también del nuevo jazz, el sonido experimental y la electrónica. En la escuela secundaria escuchaba mucho a Depeche Mode porque eso era lo que había a mi alrededor. De vez en cuando, dedicaba algo de tiempo a Joni Mitchell. Lo asimilaba todo y lo convertía en himnos de la iglesia bautista todo el tiempo. Admito que hacer música con los Monks me da mucho placer, pero también lo hace hacer un cuadro exitoso.
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Su práctica abarca escultura, instalación, performance e intervenciones urbanas. ¿Hay algún medio que te resulte más gratificante que otros? ¿Hay alguno que sea más divertido?
No creo que mi práctica abarque o incorpore múltiples estrategias. Siento que tengo un principio filosófico general, o que tengo un conjunto de creencias, y uso cualquier material que quiera para expresar ese conjunto de creencias. Creo que parte de la razón por la que hay tanta continuidad entre los edificios, los objetos y las intervenciones públicas es que todo surge de un conjunto de valores, y creo que esos valores son consistentes. Este conjunto de valores incluye reconocer y respetar el poder dentro de los objetos; invertir en rituales; elegir ser un conducto para las ideas; imaginar las condiciones (buenas y malas) que me rodean como condiciones a las que debería responder y de las que mi trabajo debería ser parte. Si la condición es que hay un edificio abandonado al lado de mi casa, debo hacer algo al respecto. Utilizo mis adyacencias reales para determinar mi próximo proyecto.
El otoño pasado celebró el décimo aniversario del Retiro de Artistas Negros de su Rebuild Foundation. ¿Qué has aprendido durante diez años organizando el retiro?
Cuando pienso en el Black Artists Retreat 2013 y en ver a Njideka Akunyili Crosby, Amy Sherald, Lynette Yiadom-Boakye y, finalmente, Deborah Roberts, y en participar en The Gathering en Kenia con Michael Armitage, me doy cuenta de que esta última década de práctica artística negra ha estado lleno de nuevas e increíbles oportunidades para los creativos negros y morenos. Al haber convocado a tantos artistas durante la última década, también te das cuenta de que los artistas necesitan las historias de los demás para ser mejores en lo que hacemos. A lo largo de los años, nos hemos dado consejos sobre cómo navegar las complejidades del mercado; nos hemos apoyado mutuamente en tiempos buenos y malos; y muchos artistas se conocieron en los retiros y se convirtieron en amigos y, a veces, socios para toda la vida. Reunirse es un acto poderoso y no requiere intervención institucional para que suceda. Estoy agradecido por ser un convocante y por todas las demás personas que han organizado reuniones increíbles antes y después de mí.
Otras obras de esta muestra provienen de los archivos de Ébano y Chorro . ¿Leíste esas revistas cuando eras niño? ¿Cuál es tu impresión de ellos ahora?
Recuerdo haber usado Chorro revista y mirando la programación de televisión para saber cuándo iban a emitir Sanford and Son o Good Times. Las revistas siempre estuvieron presentes. Eran como una extensión de la conciencia negra. No fue algo que recuerde como un acto individual, sino que fue parte de la vida de estar en mi casa. Ahora ocupan el mismo peso que la Enciclopedia Británica. Es una herramienta de referencia increíble para los “flacos” de la vida negra semana tras semana.
Sé que hay una gran cantidad de libros, publicaciones periódicas y otros materiales que se pueden encontrar en su fundación en el Stony Island Arts Bank de South Side. ¿Cuáles son algunos otros aspectos destacados personales de su colección allí?
Mis colecciones son especiales porque hay muchas cosas que no he desempaquetado. Parte del placer de tener colecciones es que constantemente me brindan la oportunidad de maravillarme. Últimamente he estado escuchando mucha música soul en las tiendas de discos Dr. Wax del barrio de Chicago, una de mis primeras colecciones de álbumes. He estado mirando el arte de las letras de una pequeña colección de libros de artista que compré en una librería en Cleveland, Ohio. La producción que estaba ocurriendo en los años 1960 y principios de los 1970 en el arte blanco estadounidense fue súper interesante. Hubo mucho arte con máquinas de escribir, escritura basada en diarios y emociones personales disponibles para el público. Se podía sentir que los artistas trabajaban con menos recursos económicos y, a menudo, con un tipo diferente de impulso creativo. Fue tan biográfico como conceptual. Tener estos archivos es como tener más amigos artísticos a mi alrededor todo el tiempo.
