Mona Lisa Smile de Mike Newell, de un guión de Lawrence Konner y Mark Rosenthal, supuestamente tuvo como génesis un artículo de revista sobre los años de Hillary Rodham Clinton en Wellesley College en la década de 1960. Los guionistas decidieron retroceder una década y ambientar la película durante la muy difamada década de 1950, la era de Eisenhower, una época en la que todavía se exhortaba a las mujeres a convertirse en amas de casa felices y olvidaban que habían realizado hábilmente (y de manera rentable) trabajos de hombres durante Segunda Guerra Mundial. A algunas personas les puede parecer extraño que dos guionistas y un director hayan colaborado para crear una de las declaraciones feministas más fuertes que aparecerán en la pantalla este año. Por supuesto, es el pasado lo que está siendo criticado, y no siempre de manera justa y precisa, como en las exhibiciones de créditos finales de algunos de los comerciales de ama de casa felices más tontos de la época, junto con algunas imágenes de los concursos de Mrs. America.
Cabe señalar que los graduados de Wellesley han sido, en su mayor parte, un grupo élite de mujeres jóvenes con más opciones que la mayoría de sus contrapartes en circunstancias más humildes. Por otra parte, más familias lograron subsistir con un solo salario en la década de 1950 que en la actualidad; ahora, muchas mujeres ingresan al lugar de trabajo no tanto por deseo político como por pura necesidad económica. Este es el pequeño y sucio secreto de la supuestamente floreciente economía estadounidense: la mayoría de los trabajadores de clase media no reciben la paga suficiente para mantener a sus familias de la manera a la que los medios de comunicación los han acostumbrado.
Habiendo emitido este descargo de responsabilidad introductorio, debo decir que disfruté enormemente de Mona Lisa Smile, en gran parte debido al puro virtuosismo del elenco mayoritariamente femenino, varado por una máquina del tiempo infernal en un período en el que se esperaba que los hombres lideraran la pista de baile. y en todas partes. La actual administración de Wellesley cooperó plenamente con los productores, ¿y por qué no? No hay ninguna vergüenza institucional contemporánea en admitir el hecho de que hace medio siglo, según el señor Konner, hacían literatura francesa por la mañana y cómo servir el té al jefe de su marido por la tarde. Este dato satírico solo atestigua el progreso realizado en la educación de la mujer desde entonces.
La película nos pide que asumamos que en este caldero de conformidad entra Katherine Watson (Julia Roberts), una emisaria de la iluminación de la civilización avanzada de California, donde estudió historia del arte en la U.C. Berkeley. El Sr. Konner explica: Tan recientemente como hace 50 años, Nueva Inglaterra todavía era una extensión del Viejo Mundo, mientras que California realmente era el Nuevo Mundo. Así que pensamos que sería el lugar perfecto para que Katherine hubiera crecido, tanto en términos de sus distinciones de clase menos rígidas como de sus actitudes sociales más permisivas.
En los años 50 de la vida real, este provinciano de las afueras no se dio cuenta de que la California de los Nixon y los Knowlands era mucho más avanzada culturalmente que la Nueva Inglaterra de los Kennedy y las Logias. Además, trabajé bajo la ilusión de que las pinturas de acción de Jackson Pollock, que tanto angustiaron a los fideicomisarios de Wellesley en la película, se sentían más a gusto en la cercana Manhattan que en la lejana Los Ángeles. Pero admitiendo todas las suposiciones geográficas y culturales de la película, e incluso aceptando toda la retórica de que las mujeres jóvenes tienen opciones además del matrimonio temprano, e incluso la opción de complementos profesionales para el matrimonio temprano, no pude evitar sentir que la película era un poco presumida. al dar a entender que las personas eran tan tontas en ese entonces en comparación con lo inteligentes que son ahora. Hoy en día, el gran problema no es tanto si las mujeres jóvenes pueden elegir, sino si pueden esperar razonablemente tenerlo todo. Y algunas cosas no han cambiado mucho, por ejemplo, las mujeres en Estados Unidos todavía emplean procedimientos quirúrgicos para reducir el tamaño de sus pies con el propósito de cazar hombres. ¡Sombras de la vieja China!
La propia Katherine es uno de los personajes atrapados en el zumbido de las expectativas convencionales de la sociedad. Ha estado comprometida e incluso ha tenido aventuras, pero siempre ha dudado antes de dar el paso final, incluso con un anillo de compromiso en el dedo. Por lo tanto, se acerca a sus estudiantes, en su mayoría de alto nivel, en un estado de vulnerabilidad de clase media. La primera clase de Katherine es un fiasco vergonzoso cuando sus alumnos recitan los nombres de pinturas hábilmente memorizadas del plan de lecciones tradicional de la escuela. (La propia Katherine nunca ha estado en Europa para ver de primera mano muchas de las obras maestras que enseña en diapositivas y libros ilustrados).
Su principal némesis es Betty Warren (Kirsten Dunst), la editora bien conectada del periódico escolar, que encarga un asalto mezquino de primera plana contra Amanda Armstrong (Juliet Stevenson), una enfermera progresista con inclinaciones lésbicas sotto voce, por publicar anticonceptivos a estudiantes presuntamente promiscuos. Betty consigue que Amanda despida y advierte a su nuevo profesor que su madre fiduciaria práctica puede hacer mucho por ella si se atreve a darle una mala calificación a Betty. Los otros personajes estudiantiles importantes son Joan Brandwyn (Julia Stiles), la alumna más brillante de Katherine; Giselle Levy (Maggie Gyllenhaal), la desafiante chica de cama de profesores del campus; y Connie Baker (Ginnifer Goodwin), el inseguro miembro del grupo. Todas las jóvenes se unen a la escandalosamente perra Betty para formar el círculo íntimo de la escuela, lo que al principio parece improbable.
Pero poco a poco Betty, acobardada bajo el dominio de su madre, se ve presionada a contraer matrimonio con un marido infiel, de quien finalmente se divorcia, para gran consternación de su madre, y luego huye a Greenwich Village, donde comparte un apartamento con Giselle. . Por su parte, Joan se postula a la Facultad de Derecho de Yale por sugerencia de Katherine; es aceptada, pero se niega a asistir cuando también se casa antes de tiempo, siguiendo a su esposo a la Universidad de Pensilvania, donde fue admitido para estudiar leyes. Katherine está decepcionada con la decisión de Joan, pero Joan le recuerda al profesor idealista que debe respetar las decisiones de los demás si quiere tener la libertad de tomar las suyas propias. Katherine procede a seguir sus propias reglas al abandonar a dos amantes masculinos y al propio Wellesley College, después de que los fideicomisarios imponen onerosas condiciones a la renovación de su contrato. En cambio, se embarca en un viaje a Europa, donde, presumiblemente, intentará encontrarse a sí misma.
Una figura particularmente cautelosa en esta historia de moralidad feminista es la reprimida y frustrada Nancy Abbey (Marcia Gay Harden), que instruye a las niñas en el habla, la elocución, el equilibrio y las tareas del hogar. Abbey soporta el peso de los absurdos percibidos de la época, ya que casi literalmente se seca en la vid.
Moan Lisa Smile es en todos los aspectos un tesoro de mediana edad, y debo confesar que me sentí muy aliviado de que ninguno de los personajes jóvenes encontrara el embarazo o el suicidio como golpes punitivos de melodrama. Su año escolar en Wellesley fue lo suficientemente tenso.
Chicas con perlas
La niña con un pendiente de perla de Peter Webber parece haber sido creada para atraer a los espectadores que creen que una pintura prestigiosa es infinitamente más importante que una mera película que celebra la exaltada existencia de esta pintura. En consecuencia, un elenco de primer nivel tiende a sumergirse en un cosmos pictórico que se centra en la pionero de la domesticidad de la visión artística de Vermeer. Colin Firth como Johannes Vermeer y Scarlett Johansson como su sirvienta, modelo y musa, Griet (el tema de la pintura eróticamente esquiva), se convierten en figuras apagadas en el paisaje flamenco. El desorden amortiguado de la casa de Vermeer está dominado por su suegra comercialmente astuta, Maria Thins (Judy Parfitt), y atormentado por su esposa, que es mentalmente inestable y frecuentemente embarazada, Catharina (Essie Davis). Agregue a la mezcla el mecenas rico y lujurioso del pintor, van Ruijven (Tom Wilkinson).
Por su parte, Griet tiene las manos ocupadas defendiéndose de los ataques de celos de Catharina, los tanteos exploratorios de Van Ruijven y los ojos penetrantes de Vermeer, que parecen ofrecer una evaluación creativa de su ser interior. Griet incluso encuentra el tiempo para responder tentativamente a las corteses insinuaciones del honorable carnicero Pieter (Cillian Murphy). Desafortunadamente, la Sra. Johansson nunca sale de su caparazón en este papel, como lo hizo de manera memorable en Lost in Translation de Sofia Coppola. La película es la más pobre por ella, Vermeer o no Vermeer.
Para 3-D, marque M
Con motivo de su 50 aniversario, Dial M for Murder (1954) de Alfred Hitchcock se revivirá en su formato original en 3-D en el Film Forum del 2 al 8 de enero (209 West Houston Street; 212-727-8110). Cuando finalmente vi la versión 3-D en los años 60 (más de una década después de haber visto el formato estándar 2-D), noté en mi columna de Village Voice que en 2-D, Dial M es un Hitchcock menor; en 3-D, es el mayor Hitchcock. La dimensión adicional explotó las limitaciones de la película de un campo visual restringido y un diseño de escenario abarrotado al dotar a los objetos que flotan en el espacio vacío de 3-D con una autonomía siniestra.
En este espectáculo limpio y acogedor, Grace Kelly interpreta a la dama rubia por excelencia de Hitchcock en apuros; Ray Milland, el villano suave y carismático; Robert Cummings, un adúltero torpe convertido en defensor caballeresco; Anthony Dawson, un oportunista divertido manipulado reducido a un asesino a sueldo desafortunado; y John Williams, un inspector de Scotland Yard maravillosamente divertido que se roba el espectáculo justo cuando todo parece perdido. Todo es muy divertido a través de la magia de la ultrafuncional puesta en escena de Hitch.
¡Judy ha vuelto!
Judy Garland (1922-1969) es el tema de un resplandeciente resurgimiento de nueve películas en el Museo Americano de la Imagen en Movimiento (35th Avenue y 36th Street, Astoria, 718-784-4520), y vale la pena visitarla para verla. en la cima, más o menos, de su impresionante y ahora inquietante talento. Mi vehículo favorito de Garland es Meet Me in St. Louis de Vincente Minnelli (1944) (27 y 28 de diciembre y 1 de enero). Prefiero St. Louis a la enorme y casi universalmente sobrevalorada El mago de Oz (1939), dirigida por Victor Fleming (20, 21, 26 y 31 de diciembre). De hecho, prefiero todas las demás entradas de Garland en esta serie a Oz, incluida una más de Minnelli, The Clock (1945) (28 de diciembre) y Babes in Arms de Busby Berkeley, (1939) (20 y 29 de diciembre) y Strike Up the Band (1940) (21 y 30 de diciembre). A Star Is Born (1954) (3 y 4 de enero) de George Cukor y Easter Parade (1948) (3 de enero) de Charles Walters también entraron en escena.
Los consortes masculinos de Garland en la serie incluyen a Fred Astaire, Gene Kelly, James Mason, Robert Walker y Mickey Rooney, no exactamente el hígado picado ellos mismos, sin mencionar a los melodoneros de época como Harold Arlen y E.Y. Harburg, Irving Berlin, Hugh Martin y Ralph Blane, Richard Rodgers y Lorenz Hart. ¡No hay un virtuoso del hip-hop entre ellos!
Clarion Call
Ellen Drew (1915-2003) falleció recientemente sin mucha fanfarria. Drew llegó en un momento en que su marca de buena apariencia sana era una moneda de diez centavos la docena en el molinillo de carne de Hollywood de los años treinta. No es de extrañar que rápidamente fuera enviada a lugares soleados estereotipados. Quizás el único momento brillante en la carrera de Drew de 21 años y 40 películas fue un primer plano que habría hecho que Norma Desmond se pusiera verde de envidia. Ocurre en la chiflada comedia de Preston Sturges sobre la oficina y el vecindario, de la pobreza a la riqueza, Navidad en julio (1940). Dick Powell interpreta a la ambiciosa savia de un novio de Drew, que piensa erróneamente que ganó un concurso de radio con lemas de café con el brillante aforismo Si no puedes dormir, no es el café, es la litera. El público ya sabe que es víctima de una broma perpetrada por un trío de bromistas de oficina. Pero su jefe también es engañado y nuestro héroe asciende a la oficina principal. Cuando se descubre el engaño y el jefe está a punto de retirar la promoción, la novia del pobre idiota (Drew), que ha estado colgando dulcemente de su brazo durante toda la película, de repente da un paso adelante y devora toda la pantalla haciendo una súplica apasionada por su novio y todos los jóvenes que nunca tienen la oportunidad de fracasar en su búsqueda del gran premio. El arrebato emocional de Drew es asombroso en el contexto de esta farsa ingeniosa pero loca, y todavía resuena en la pantalla 63 años después: un toque de clarín proletario a Estados Unidos para que esté a la altura de su facturación como la tierra de las oportunidades. Gracias, Ellen Drew.
