Gangs of New York de Martin Scorsese, de un guión de Jay Cocks, Steven Zaillian y Kenneth Lonergan, basado en una historia de Jay Cocks, se inspiró en la crónica de 1928 de Herbert Asbury Gangs of New York, que Scorsese leyó durante más de 30 años. Hace mucho tiempo, compartiendo su entusiasmo por el libro como proyecto cinematográfico con un guionista-amigo, el Sr. Cocks. El resultado resuena en la pantalla con una fuerza letal y una furia más intensa que cualquier cosa que el Sr. Scorsese haya logrado hasta ahora en las calles más malvadas y queridas que pudiera imaginar o recordar.
La película ha sido muy criticada por jugar rápido y relajado con los hechos históricos del período, principalmente la década de 1860, y el medio: el barrio de Five Points en el bajo Manhattan. Aún así, no imagino que el tema hubiera sido abordado en primer lugar por un cineasta menos involucrado emocionalmente en el material que el Sr. Scorsese. Por lo tanto, le debo una deuda de gratitud por hacer la película en este momento lloroso, cuando demasiada gente sigue balbuceando sobre cómo los neoyorquinos han perdido su inocencia desde el 11 de septiembre.
Gangs of New York comienza con una escena de batalla extensa y masiva que involucra a bandas rivales de creencias de inmigrantes nativistas anti-católicos e irlandeses-católicos. El escenario es aparentemente el caldero de pobreza, crimen e intolerancia del bajo Manhattan conocido como los Cinco Puntos, alrededor de 1846, pero el armamento primitivo de los combatientes, es decir, hachas, cuchillos, espadas y garrotes, le da al espectáculo un aspecto y un sonido medievales. . Braveheart de Mel Gibson (1995), con su alboroto escocés / británico, me viene a la mente cuando la pandilla hiberniana de Five Points, los Dead Rabbits, liderados por el sacerdote Vallon de Liam Neeson, se enfrentan a las hordas protestantes dominantes lideradas por Daniel Day-Lewis, interpretado carismáticamente. William (Bill el carnicero) cortando. En un nivel más personal, la batalla también evoca Once Upon a Time in the West (1969), de Sergio Leone, cuando un joven Amsterdam Vallon (Cian McCormack) observa a su padre morir a manos y la espada de Bill the Butcher y jura. para vengarlo. Pero una vez que Scorsese y sus colaboradores se sumergen en la historia y la sociología de los Cinco Puntos 16 años después, en medio de la Guerra Civil, Gangs of New York se vuelve demasiado multifacético para transmitir el fervor étnico de Gibson o el emocionalismo visualmente enfocado de Leone. .
El Amsterdam Fallon adulto de Leonardo DiCaprio se insinúa con éxito en la confianza de Bill el Carnicero y en su pandilla, pero la creciente fascinación de Amsterdam por el asesino de su padre parece debilitar, como Hamlet, su determinación de vengarse. No sé qué sucedió durante la escritura y el rodaje de la película, pero en algún momento, Bill el Carnicero del Sr. Day-Lewis se convirtió en el Claudio que le roba el espectáculo al Hamlet del Sr. DiCaprio.
Ambos personajes disfrutan de los favores de la voluptuosa carterista Jenny Everdeane, interpretada con fuerte entusiasmo por el buen deporte por Cameron Diaz, probablemente un nombre de taquilla más grande en estos días después de Los ángeles de Charlie que el Sr. DiCaprio o el Sr. Day-Lewis. Aún así, hay demasiada ambigüedad y complejidad en el desarrollo de los personajes principales y sus diversas causas para las demandas maniqueas y moralmente simplistas de las epopeyas populares con héroes y villanos claramente definidos.
Esto no quiere decir que la puesta en escena de Scorsese sea menos que deslumbrante en su recreación de pesadilla de los frenéticos Five Points a través del maravilloso diseño de producción de Dante Ferretti, que utiliza decorados construidos desde cero en los estudios Cinecitta de Roma. Uno se siente atrapado en un pasado del que no hay escapatoria, ya que la historia de las pandillas parroquiales choca explosivamente con la historia estadounidense de libros de texto en los disturbios climáticos e infames de 1863, que iluminaron la intolerancia racial de los irlandeses contra los negros, en la forma espantosa de varios linchamientos y la injusticia subyacente de que los hombres ricos se les permita, nada menos que el gobierno de Abraham Lincoln, comprar su salida del servicio militar por $ 300, una suma inalcanzable para los inmigrantes irlandeses impulsados por la hambruna de la papa . Se rumorea que el precio actual de los billetes de la Guardia Nacional que permitió que los plutócratas de la generación de George W. Bush evadieran el servicio militar obligatorio era de 5.000 dólares, una escalada razonable para la inflación de un siglo.
Los propios disturbios y su brutal represión marcan un capítulo sangriento en la historia tanto de la ciudad de Nueva York como de la nación. Queda por ver si las audiencias con algún rastro de curiosidad histórica son lo suficientemente grandes como para que Gangs of New York al menos alcance el equilibrio. Pero con los jóvenes espectadores de referencia aparentemente desinteresados en la década de 1960, es difícil ver cómo una película sobre la década de 1860 los alejará de sus nuevos y relucientes videojuegos.
Para el resto de nosotros, Gangs of New York nunca es menos que interesante, y muy a menudo emocionante y absorbente. Su violencia es a veces espantosa, pero nunca gratuita. En última instancia, es donde estuvimos una vez en la tierra prometida que llamamos Estados Unidos, y sería muy adulto para nosotros recordarlo. La película se ve inmensamente ayudada por las interpretaciones persuasivas del personaje de Jim Broadbent como el cínico y corrupto Boss Tweed, John C. Reilly como el policía renegado irlandés-estadounidense en una administración municipal antiirlandesa, Brendan Gleason como un irlandés-estadounidense. mártir político y David Hemmings como conservador hipócrita y compasivo de la época.
Superficialidad oportuna
Chicago de Rob Marshall, de un guión de Bill Condon, ha sido adaptado libremente de la obra musical Chicago de 1975, dirigida y coreografiada para el escenario por Bob Fosse, con música de John Kander y letra de Fred Ebb. Maurine Dallas Watkins escribió la obra original en 1926 con el título The Brave Little Woman, que a su vez inspiró dos películas, el Chicago silencioso de Frank Urson en 1927 (de un guión de Lenore J. Coffee, con Phyllis Haver como Roxie Hart) y William Roxie Hart de A. Wellman en 1942 (de un guión de Nunnally Johnson, con Ginger Rogers en el papel principal).
En todas sus encarnaciones hasta la fecha durante los últimos 75 años o más, la historia básica no ha perdido nada de su actualidad superficial. De hecho, los juicios por asesinato de celebridades en beneficio del público hambriento y manipulado por los medios probablemente siempre estarán con nosotros, que es más de lo que se puede decir del género musical de Hollywood, que nació con la llegada del sonido a finales de los años 20 y floreció en el De los años 30 a los 50, solo para desaparecer virtualmente en las últimas décadas, principalmente debido a la creciente importancia para los resultados finales de los mercados extranjeros de Hollywood, a los que los musicales estadounidenses no viajan bien.
El Chicago actual ha sido aclamado por muchos de mis colegas como el musical que podría comenzar de nuevo el género moribundo. Desde cualquier punto de vista, es una gran mejora con respecto al Moulin Rouge (2001) de Baz Luhrmann, una mascarada pomposamente mullida que se hace pasar por un musical. De hecho, Chicago es, en muchos sentidos, un logro admirable. Tuvo éxito con varias apuestas, incluido el casting, la adaptación y la edición, que divide la presentación entre el mundo de los sueños y el mundo supuestamente real, entre el teatro de la mente y el teatro de Chicago de los años 20 y, lo más peligroso, entre el mundo de los sueños. intérpretes musicales no demasiado experimentados como Catherine Zeta-Jones, Queen Latifah y (lo más sorprendente de todos) John C. Reilly, y estudios rápidos comparativamente aficionados aunque talentosos como Renée Zellweger y Richard Gere.
El Chicago de Marshall es un musical de dos divas, con la Sra. Zellweger como Roxie Hart y la Sra. Zeta-Jones como Velma Kelly, la rival acérrima de Roxie hasta que forman una pareja de conveniencia para su último cobro de sus absoluciones. -por-asesinato, realizado con el aplauso de una ciudad. Pero uno podría notar, de hecho, que Velma no apareció como personaje en una de las dos películas anteriores o en la obra original; hizo su debut en la producción teatral de Bob Fosse de 1975, con Gwen Verdon bailando y cantando el papel de Roxie Hart, y Chita Rivera bailando y cantando el papel de Velma Kelly.
La química entre Zellweger y Zeta-Jones es más fría y mucho menos agradable que la de Marilyn Monroe y Jane Russell en Gentlemen Prefer Blondes (1953), de Howard Hawks, del guión de Charles Lederer, basado en la novela de Anita Loos, con canciones de Jule Styne y Leo Robin; en consecuencia, Chicago es casi por definición, un musical sin corazón: un ingrediente que la mayoría de nosotros necesitamos y esperamos en un musical, ya sea que elijamos admitirlo o no. Roxie y Velma son egoístas terminales y egoístas, con egos hambrientos y necesitados que juegan mejor en los escenarios frágiles e hipersofistizados de Broadway que en las pantallas plateadas del mundo.
Aquí, una curiosa paradoja entra en juego en la interacción icónica entre la Sra. Zellweger y la Sra. Zeta-Jones. Aunque la Sra. Zeta-Jones ha sido una belleza atractiva y con mucho cuerpo en sus papeles anteriores, nunca ha generado mucha calidez o sentimiento. Por lo tanto, está perfectamente elegida como Velma. La Sra. Zellweger es una historia completamente diferente, ya que ha expresado sus sentimientos más profundos con solo una apariencia moderada para ganarse el corazón de la audiencia. Afortunadamente, no carece de ingenio e ironía para suavizar la pura perra de su personaje en Chicago. Sin embargo, su crueldad hacia su marido, jugada con nobleza nebbish por el Sr. Reilly, la hace menos comprensiva. El caso es que los personajes de Monroe y Russell se gustaban mucho, y esa es una de las razones por las que su unión ha sido tan memorable. No obstante, debes ver Chicago, aunque solo sea para ver a qué me refiero y posiblemente no estar de acuerdo conmigo.
Dickens encantador
Nicholas Nickleb y de Douglas McGrath, de su propio guión, basado en la novela de Charles Dickens, felizmente resulta ser más fiel al espíritu navideño que todas las películas de Santa Claus juntas. Es un Nickleby delgado pero no anémico que McGrath ha creado a partir de la novela de Dickens de 816 páginas, manteniendo la narrativa central alegre y conmovedoramente atractiva. La película está enriquecida por un elenco imaginativamente mezclado de espíritus anticuados, encabezado por Christopher Plummer como el tío Ralph más sutil y complejamente malvado que he visto en las muchas adaptaciones cinematográficas y teatrales de la obra. No se queda atrás Jamie Bell como el desafortunado Smike; Jim Broadbent como el sádico Wackford Squeers; Juliet Stevenson como la espantosa Sra. Squeers; Tom Courtenay como el empleado borracho pero siempre servicial, Newman Noggs; Nathan Lane como el delicioso empresario teatral Vincent Crummles; Barry Humphries (también conocido como Dame Edna Everage) como la Sra. Crummles; Timothy Spall como uno de los gemelos Cheeryble, Edward Fox como el lujurioso Sir Mulberry Hawk; y Alan Cumming como un aristócrata más honorable, el Sr. Folair.
Las partes comparativamente rectas del propio Nicholas Nickleby (Charlie Hunnan), su amada Madeline Bray (Anne Hathaway), su madre indigente (Stella Gonet) y su atribulada hermana Kate (Romola Garai) son menos imponentes que las de los excéntricos, pero Dickens. Siempre se sentía más cómodo y creativo con sus irónicas criaturas que con sus héroes y heroínas de pan blanco.
Juventud de Hitler
Max de Menno Meyjes, de su propio guión, nos lleva a Munich en 1918, cuando dos veteranos alemanes derrotados que regresaban, uno ficticio, un comerciante de arte judío adinerado llamado Max Rothman (John Cusak), y el otro un hombre de 30 años. aspirante a pintor llamado Adolf Hitler, se encuentran y se involucran temporalmente en lo que resulta ser un momento crucial en la historia mundial. Los qué pasaría si hubieran ofendido a algunas personas, pero encontré la película fascinante por su subtexto sobre el arte y la política, entonces como ahora.
