Sam Poon, el baterista Anthony Genovesi, Jakeim Hart y Gian Perez en Sing Street .Matthew Murphy La película sobre la mayoría de edad del escritor y director John Carney sobre los niños de Dublín de la década de 1980 que se abrían camino hacia la liberación personal se estrenó en 2016 y menos de cuatro años después, es un musical de Off Broadway. Debe ser un nuevo récord de velocidad terrestre para adaptar una propiedad de pantalla a escenario. Basado en el mudo y decepcionante Sing Street en el New York Theatre Workshop, sin embargo, el equipo creativo debería haber tardado más, fallar más y aprender de sus errores. La mayor parte de lo que es fresco y atractivo en la película (que es alegremente formulado) se ha perdido en un marco teatral plomizo que mina el entorno, el carácter y la creación musical de cualquier tensión o encanto.
Al representar a un variopinto grupo de marginales irlandeses llenos de granos que forman una banda, practican sus canciones en dormitorios y garajes y luego se preparan para el Big Show, la película tiene ventajas considerables. En primer lugar, puede elegir a adolescentes reales en toda su incómoda gloria, no a un grupo de actores que son un poco demasiado mayores y demasiado pulidos para ser completamente convincentes. La película también captura el período y la clase de manera más eficiente que el libro desenfocado y simplista de Enda Walsh. En la película original, los problemas económicos familiares obligan a Conor, de clase media, a trasladarse de una elegante escuela privada a una sórdida institución de clase trabajadora dirigida por los Christian Brothers. Las peleas y el acoso allí, tanto de estudiantes como de sacerdotes abusivos, le dan a la situación de Conor un toque clasista brutal. Pero Walsh y la directora Rebecca Taichman evitan las espeluznantes y atrevidas posibilidades, con el resultado de que la nueva situación de Conor es simplemente un inconveniente, no una pesadilla.
La trama realmente se pone en marcha cuando Conor (Brenock O'Connor) espía a la hermosa y joven Raphina (Zara Devlin), parada en una esquina con gafas de sol y luciendo increíblemente genial. Enamorado de inmediato, hace lo que haría cualquier chico de sangre roja en 1982: le dice que su banda está grabando un video musical y que a ella le gustaría estar en él. Por supuesto, ahora debe apresurarse para formar una banda. Una vez más, el proceso de contratación de músicos aficionados fue peculiar y ganador en la película; aquí, es mecánico, ya que Walsh no logra individualizar a los miembros de la banda más allá de los tics perezosos: uno tiene bigote, otro quiere bigote, un tercero quiere parecer un loro. En comparación, los niños que destrozan la guitarra en Escuela de Rock eran prácticamente chejovianos. Brendan (Gus Halper), hermano agotado y agorafóbico de Conor, se acerca más a una figura completamente desarrollada en el escenario, y obtiene el gran final catártico, pero se siente como una ocurrencia tardía. Devlin tiene un carisma abundante y un vibrato encantador que recuerda a Kate Bush, pero ella, como todos, se ve oscurecida por las bromas engreídas de Walsh (comentarios recurrentes sobre el dramaturgo irlandés John Millington Synge que no llevan a ninguna parte).
Las canciones, de Gary Clark y Carney, son números originales que canalizan hábilmente el pop con mucho sintetizador y la nueva ola de los 80, y el elenco parece disfrutar de la improvisación por sí misma. Las secciones de conciertos son agradables, con la banda golpeando sus instrumentos o haciendo pucheros y arreglándose para la cámara. Pero sobre esos elementos del video musical: el manager de la banda, Darren (Max William Bartos) es el camarógrafo jefe, y organiza sesiones de rodaje con un presupuesto reducido con Raphina y los chicos. El diseñador de escenarios Bob Crowley ha colocado una gran pantalla en el centro del escenario, en la que está impresa una gran imagen del mar abierto (una señal bastante contundente de escapismo). La pantalla parece un espacio acogedor para la proyección de videos en vivo o quizás para metraje de fantasía: la autoimagen esperanzada de la banda. La falta de video en el diseño de producción parece una elección poco convincente y contradictoria.
Pero claro, el enfoque general de Taichman sobre la historia es frustrantemente vacilante. En lugar de optar por el realismo teatral de Billy Elliot o la estilizada construcción del mundo de Despertar la primavera , ella opta por una estética de presentación simplificada. Los actores se doblan como músicos, mirando desde el margen cuando no están en una escena. Apenas hay piezas fijas o señales visuales para aliviar el paladar opaco y fangoso: una sotana negra de sacerdote, uniformes escolares grises, esa extensión de mar estática y aburrida de fondo. Un minimalismo tan desafiante comienza a parecer una falta de imaginación y nerviosismo.
Quizás no deberías intentar hacer un musical art-house deconstruido a partir de una película tan profundamente convencional y romántica como Sing Street . A menos que los productores estén dispuestos a invertir millones en una espléndida versión de Broadway a todo color, ¿tal vez con actores adolescentes y adultos como sus futuros dobles de fantasía?, Este tipo de compromiso resumido decepciona a todos: a los que adoran la película y a los que simplemente quiero un musical que funcione e imparta alegría. Sin duda, el New York Theatre Workshop está hambriento de otra fuente de ingresos para transferir a Broadway, como Una vez (también una película de Carney) hizo hace unos años. Pero este es un trabajo urgente con el escritor de libros y el equipo de diseño equivocados. Una de las pistas más pegadizas de la partitura es un rockero de la libertad llamado Drive It Like You Stole It. Es posible que hayan robado el vehículo correcto, pero nadie puede ponerlo en primera.
