Si aún no ha visto Million Dollar Baby de Clint Eastwood y tiene toda la intención de hacerlo, le aconsejo respetuosamente que no siga leyendo. Solo guarde esta columna para después de que la haya visto, porque tengo la intención de explicar por qué, a diferencia de mis estimados colegas, no comparto su entusiasmo por esta película. Así que tendré que revelar más que algunos detalles de la trama para apoyar mi caso.
Permítanme comenzar diciendo que ninguna película en mi memoria me ha deprimido más que Million Dollar Baby. Lo vi dos veces, primero en una proyección temprana y luego en DVD, y aunque no estaba tan deprimido la segunda vez, todavía me dejó bastante triste.
Adaptado de un guión de Paul Haggis, Million Dollar Baby se basa en una colección de historias titulada Rope Burns: Stories from the Corner, del veterano cutman del boxeo F.X. Toole. El Sr. Eastwood, un notablemente enérgico de 74 años, interpreta al canoso entrenador de peleas Frankie Dunn. Junto con su amigo y antiguo luchador Eddie (Scrap) Dupris, interpretado por Morgan Freeman, Frankie dirige un gimnasio para veteranos en el centro de Los Ángeles, que también funciona como el lugar donde duerme Scrap. La pequeña camaradería de los dos amigos se asemeja a la de una pareja de ancianos casados, al igual que sus pistoleros mágicamente unidos en Unforgiven de Mr. Eastwood (1992).
La imagen comienza con Frankie manejando a un joven y prometedor peso pesado, Big Willie Little (Mike Colter), pero después de varias victorias impresionantes, Big Willie abandona a Frankie porque el gerente se muestra reacio a organizar una pelea por el título. Uno de los muchos demonios en el pasado lleno de culpa de Frankie es la ceguera parcial de Scrap, en la que incurrió cuando Frankie lo manejó en una pelea por el título que puso fin a la carrera de boxeo de Scrap. Otro demonio: las muchas cartas que regresó sin abrir de la hija separada de Frankie, a quien, sin embargo, sigue escribiendo con regularidad. Frankie prácticamente asedia al padre Horvak (Brian O’Byrne), su párroco, para que le aconseje sobre cómo expiar adecuadamente sus pecados pasados, con estudiar para leer W.B. Yeats en el gaélico original es uno de sus rituales de expiación.
De acuerdo con la sociología del boxeo de clase baja, los luchadores en el gimnasio son negros o latinos, al menos hasta que aparece Maggie Fitzgerald (Hilary Swank). Ella comienza a trabajar sin experiencia en un saco de boxeo, con la intención declarada de convertirse en campeona de boxeo bajo la tutela de Frankie. Dejando a su familia de trailers-park-trash a trabajar por centavos y sobras como mesera en un restaurante barato, Maggie está decidida a salir adelante en el ring. Frankie intenta desanimarla señalando que, a los 33 años, es demasiado mayor para comenzar a entrenar como luchadora. Pero con la ayuda de Scrap, Maggie persevera hasta el punto en que comienza a ganar peleas de clubes. Por supuesto, surge una relación padre-hija sustituta entre Frankie y Maggie; él incluso ideó el astuto truco promocional de presentarla como una orgullosa luchadora irlandesa para asegurar una base de fans étnica.
Y luego la caída. La primera nota amarga se golpea cuando Maggie gasta parte de sus ganancias para comprar una casa nueva para su madre y sus hermanos. Margo Martindale, como la madre de Maggie, debería ganar algún tipo de premio por ser la madre del infierno de todos los tiempos; a pesar de la generosidad de su hija, se burla de Maggie con desdén porque todo el mundo se ríe de ella por la forma en que se gana la vida.
Aún así, hay algo de consuelo en la triunfante gira mundial de Maggie, con la gente animándola donde quiera que va. Cuando regresa a Estados Unidos, Maggie está en plena forma para una pelea de campeonato contra un oponente que pelea tan sucio que hace que Mike Tyson parezca un niño de coro. La pelea comienza, y Maggie parece estar ganando, hasta que, en un momento de descuido después de que suena la campana, su oponente la golpea con un puñetazo tan feroz que envía a Maggie tambaleándose por el ring, su cabeza chocando contra el taburete que Frankie se detiene después de la campana.
Maggie ahora es un caso perdido, succionando oxígeno de un tubo en una cama de hospital. Ella le suplica a Frankie que la ayude a terminar con su vida. Además del horror, Monster Mom aparece junto con toda su codiciosa prole y un abogado con contrato para traspasar todas las ganancias de Maggie a su familia. Perdiste, cariño, perdiste, dice la mamá, reduciendo a su hija a una total humillación. Cuando Maggie no puede firmar el contrato (sus manos están paralizadas), su madre amablemente se coloca el bolígrafo en la boca, después de lo cual Maggie entra en la suya escupiendo el bolígrafo, maldiciendo a toda la familia y enviándolos a correr fuera del hospital como si nada. ratas de un barco que se hunde.
Lo que encontré más desconcertante sobre el trágico giro de los acontecimientos fue cómo una pelea por el campeonato que terminó en un acto cuasi criminal no logra generar repercusiones o protestas ilícitas, por parte de Frankie o de cualquier otra persona. Sé que John F. Kennedy dijo que la vida era injusta mucho antes de ser asesinado, y sé que los críticos de cine han sido condicionados a condenar los finales felices, pero ¿justifica eso una malignidad tan excesiva?
Lo que me divierte y me frustra un poco es cómo los críticos han evitado escrupulosamente entrar en detalles sobre la repentina acumulación de desgracias que supuestamente hace que la película de Eastwood sea tan conmovedora. Por supuesto, no quieren estropear la diversión del público, que se queda estremecido por la repentina aparición del dolor y la tristeza terminales.
Pero sugeriría que describir el resultado final como una tragedia, como han hecho algunos críticos, es un error grave. Las tragedias no me deprimen, porque están cuidadosamente construidas para evitar los caprichos del accidente ciego y el mal al azar.
Al final, Frankie accede a las súplicas de Maggie y facilita su suicidio, después de lo cual, según la narración de Scrap, Frankie desaparece de la vista y nunca más se la vuelve a ver. El espinoso tema del asesinato por piedad se convierte en una especie de anticlímax junto a la conjunción opresiva de un luchador malvado y una madre monstruo; yo diría que nada en la narrativa nos prepara para un desenlace tan desastroso, aunque algunos críticos afirman haber discernido un siniestro oscurecimiento de la textura de la película, ya que parecía estar moviéndose en su forma inspiradora de Rocky. Ruego diferir mientras apoyo mi caso contra Million Dollar Baby. Esto no quiere decir que quiera degradar el trabajo del Sr. Eastwood, el Sr. Freeman y la Sra. Swank: todos son excelentes en lo que es, en mi opinión tal vez ultraaristotélica, una causa perdida.
Lanzamiento dulce
El mar adentro de Alejandro Amenábar (en español, con subtítulos en inglés), basado en el libro de Ramón Sampedro Letters from Hell, también cuenta la historia de un protagonista discapacitado que desea terminar con su vida para morir con dignidad. Pero mientras Million Dollar Baby me dejó abatido, The Sea Inside me dejó entusiasmado. De modo que mi problema no es con los sentimientos complejos involucrados en el deseo de los afligidos de morir con dignidad, sino en cómo se cuenta la historia del buscador de la muerte. Donde Million Dollar Baby se hunde en el pozo de la desesperación sin fondo, The Sea Inside se eleva a las alturas fantásticamente románticas del amor entre un hombre y una mujer. Y cuando digo remontar, lo digo literalmente para describir una de las escenas de amor más grandes de la historia del cine.
Javier Bardem interpreta a Ramón Sampedro, un tetrapléjico de 55 años que quedó paralizado tras un accidente de buceo 30 años antes. En su estado postrado en cama, pasa años solicitando a las autoridades seculares en España que le otorguen el derecho a terminar su vida con dignidad.
La escena de amor a la que me referí ocurre luego de que se enamora de Julia de Belén Rueda, una abogada que ha venido a ayudarlo a presentar su alegato judicial. Julia está parcialmente discapacitada y usa un bastón para moverse debido a una enfermedad degenerativa. Ella está casada y Ramón está postrado en la cama, pero, sin embargo, logran un grado de relación espiritual sin precedentes.
Entonces, un día, al son de la conmovedora melodía del aria que conquistaré de Turandot de Giacomo Puccini, Ramón se levanta mágicamente de su cama, la aparta de la ventana para arrancar y vuela por la ventana hacia la orilla del mar, donde conoce a Julia para un apasionado abrazo. Hay más que un poco de audacia como director en esta incursión onírica en los reinos que Blaise Pascal resumió mejor en el aforismo El corazón tiene sus razones. Esta audacia parecería ser algo natural para un director cuya obra anterior estuvo empapada de sobrenaturalidad, en películas como Thesis (1996), Abre los ojos (1997) y Los otros (2001).
Hay otras dos mujeres en la existencia de Ramón físicamente pero no emocionalmente restringida: Rosa de Lola Dueñas, una madre de dos hijos volcánicamente mezclada y desordenada, que ve en Ramón a un hombre al que puede derramar su corazón sin que lo pisoteen. en el barro, y Manuela de Mabel Rivera, cuñada de Ramón, que se dedica más a las necesidades de Ramón que a las de su propia familia. La única pregunta (y finalmente se responde) es cuál de estas mujeres lo ama lo suficiente como para satisfacer el deseo de su corazón y, por lo tanto, separarse de él para siempre.
A lo largo de su supuesta experiencia interminable, Ramón de Bardem, como su contraparte en la vida real, sigue siendo una presencia alegre y sonriente para las personas que acuden en masa a su cama para alegrarse de sus propios malestares. Este alegre estoicismo de Ramón lo traduce brillantemente el señor Bardem, actualmente uno de los grandes actores del mundo.
Mucama en los Ángeles
El spanglish de James L.Brooks, de su propio guión, podría ser acusado de intolerancia inversa por el contraste desigual que hace entre una niñera mexicana llamada Flor (Paz Vega) y su adinerada patrona de Los Ángeles, Deborah Clasky (Téa Leoni). De hecho, Brooks dirige a Leoni, una actriz que no es ajena a la sutileza, con la misma nota única y estridente durante casi toda la película. Los críticos, y supongo que el público, se ven prácticamente obligados a odiar a su personaje, aunque, cuando lo piensas, nunca hace nada realmente malicioso, excepto posiblemente comprar ropa un poco más pequeña para su hija regordeta, Bernice (Sarah Steele ). Por el contrario, Flor, la policía buena, amablemente cose un atuendo para Bernice que le queda perfecto.
Adam Sandler interpreta al desventurado esposo de Deborah, John Clasky, un chef famoso de clase mundial. En una inversión de tipo, el Sr. Sandler interpreta un personaje de Casper Milquetoast, respondiendo invariablemente con gentileza y sensibilidad a los arrebatos más escandalosos de Deborah. También se suma al caos en el hogar la alegre madre bebedora de Deborah, Evelyn (Cloris Leachman). En realidad, la historia está narrada por la precoz hija de Flor, Christina (Shelbie Bruce), en un adelanto de su solicitud para Princeton a pesar de su origen de inmigrante ilegal.
Pero justo cuando estaba a punto de descartar la película del Sr.Brooks como la de un bienhechor rico que se odia a sí mismo y tiene debilidad por las chicas latinas, de repente comenzó a cambiar su punto de vista para revelar que la fuente de la angustia de Deborah había mucho que ver con su carrera fallida y su infancia infeliz con una madre promiscua ebria.
En una de las escenas más divertidas de personas de habla inglesa y española tratando de comunicarse, una escena que muestra cuán ingeniosa es una actriz infantil, la Sra. Bruce, Christina no solo traduce para su madre, sino que también improvisa gestos y movimientos para dramatizar. el contenido emocional de las palabras de su madre. Este aullido de una escena vale por sí solo el precio de la entrada. También me gustó la escena en la que Deborah hace que Flor parezca un poco tonta tratando de dejarla atrás en el camino a casa, con la Deborah sobresaliente, por una vez, sin siquiera darse cuenta de que está siendo desafiada.
Sin embargo, no es casualidad que el español preceda al inglés en esta pieza de súplica especial para la población inmigrante. Sin embargo, la película mejora a medida que avanza, y todos los personajes, incluida Deborah, se vuelven más interesantes y atractivos a medida que los conocemos mejor. Ahora que lo pienso, Brooks siempre ha tenido una tendencia a volverse estridente, incluso en sus mejores películas como Terms of Endearment (1983) y Broadcast News (1987). El spanglish está lejos de ser lo mejor, pero es lo suficientemente bueno para estos tiempos generalmente estúpidos.
Un clásico italiano
Luchino Visconti (1906-1976) adaptó la penetrante novela histórica de Sicilia de Guiseppe di Lampedusa en 1860 en El leopardo, una de las películas más importantes de todos los tiempos, así como una de las más profundas políticamente. El Film Forum está mostrando la versión italiana sin cortes (195 minutos), incluida la escena de baile final de 45 minutos, que resume todos los temas de la película con un estilo lujoso a medida que la vida de un hombre se desvanece lentamente. Con Burt Lancaster, Alain Delon, Claudia Cardinale, Serge Regianni y Paolo Stoppa (12 al 20 de enero).
