El patriota de Roland Emmerich, de un guión de Robert Rodat, parece haber inspirado una curiosamente amplia gama de reacciones que abarcan muchos matices de opinión sobre el espectro político. Algunos columnistas conservadores amigos de la Asociación Nacional del Rifle han elogiado la película por recordarnos el papel crucial desempeñado por la milicia local al tomar las armas contra los opresores coloniales británicos. Benjamin Martin de Mel Gibson es una combinación de varias figuras guerrilleras de zorros de los pantanos del sur, versiones del Viet Cong del siglo XVIII, que hicieron la vida un infierno para los casacas rojas más ordenados. Incluso los niños pequeños de Martin son reclutados para disparar mosquetes al enemigo, y lo hacen con una precisión mortal.
No es que Martin no esté lo suficientemente provocado para arrasar las filas británicas con un hacha de guerra mortal que heredó de la guerra francesa e india, un salvaje baño de sangre que lo dejó con fuertes convicciones pacifistas. Olvídate de los impuestos sin representación o dame libertad o dame la muerte: Martin se niega a luchar contra los británicos hasta que la sangre de su propia familia se derrame a través de la brutalidad nazi del coronel William Tavington (Jason Isaacs). Emmerich y Rodat parecen querer tener ambas cosas, primero predicando contra la guerra con la retórica del siglo XX, luego demostrando su ferocidad en detalles gráficos y, a menudo, macabros que hacen que los lamentablemente escasos tratamientos previos de la Revolución Americana en la pantalla parezcan desfiles de la fiesta del té.
Mucho se ha hablado de la nacionalidad alemana de Emmerich, particularmente en Gran Bretaña, donde se ha amenazado con un boicot debido a la excesiva anglofobia de la película en un momento en el que Estados Unidos y Gran Bretaña están tan cerca que las políticas centristas de Bill Clinton y Tony Blair están en desacuerdo. en una alineación vergonzosamente simétrica. Los historiadores afirman que la escena en la que Tavington reúne a sospechosos patriotas (hombres, mujeres y niños) en una iglesia y luego ordena a un subordinado que prenda fuego al edificio se remonta, de hecho, no a la Revolución Americana sino a una atrocidad de las SS nazis en Francia en 1944. .
Cualquier defensa de The Patriot debe tomar en cuenta la reputación de éxito de taquilla de Emmerich: su Día de la Independencia interplanetario rompió todos los récords de taquilla cuando se inauguró el fin de semana del 4 de julio de 1996 después de una campaña publicitaria de seis meses. Para llevar a The Patriot al nivel comercial del Día de la Independencia, se requería al menos un intento de enfrentar el bien contra el mal.
Pero lo que le falta a The Patriot que tuvo el Día de la Independencia en abundancia son los coprotagonistas, el piloto de jet Will Smith y el presidente macho Bill Pullman, pateando traseros alienígenas en armonía multirracial. Aquí, Emmerich y Rodat tienen que bailar con cautela sobre el tema de la esclavitud en Estados Unidos al hacer del personaje de Gibson un Gran Emancipador antes de su tiempo. La película también nos recuerda muy inteligentemente que muchos colonos no querían ser separados de la madre patria, y que aristócratas británicos como Cornwallis (Tom Wilkinson) consideraban a los colonos sus futuros hermanos, así como súbditos de la corona. Por lo tanto, es probable que no sea una mala historia lo que haga que The Patriot sea menos popular que The Perfect Storm, sino demasiada historia.
También duele esa rara calificación R para violencia pura y sin adulterar, sin rastro de sexo, desnudez o palabras de cuatro letras. Tal como están las cosas, el Sr. Gibson y el Sr. Isaacs dieron un mejor espectáculo, mano a mano, que el que manejan Tom Cruise y Dougray Scott en M: I-2. Finalmente, el Sr. Rodat puede haberse burlado de sí mismo con los sofisticados de la audiencia al insertar una escena en la que Cornwallis prevé una América leal dominada por grandes terratenientes, como si nuestros propios Padres Fundadores fueran una turba de marxistas-leninistas encubiertos.
Ir a casa
La ducha de Zhang Yang, de un guión de Liu Fen Dou, Sr. Yang, Huo Xin, Diao Yi Nan y Cai Xiang Jun, induce en el público occidental la nostalgia familiar por un pasado más simple, dulce y sin alta tecnología en el contexto de una reunión familiar incómoda. Da Ming (Pu Cun Xin) es un exitoso hombre de negocios en la Nueva China. Después de recibir una postal toscamente dibujada de su hermano retrasado Er Ming (Jiang Wu), Da Ming sospecha que su anciano padre, el Maestro Liu (Zhu Xu), ha muerto. Se apresura a regresar a su hogar en el decadente barrio del viejo Beijing donde creció y del que huyó en un arrebato de emoción arribista.
Sin embargo, descubre que su padre está vivo y es el propietario de una antigua casa de baños con todas las comodidades para su colorida clientela. Lo viejo y lo nuevo contrastan satíricamente con la ducha moderna que Da Ming toma en un artilugio grotesco tipo lavado de autos que sirve como una reprimenda para ahorrar tiempo a las ceremonias de baño completo más pausadas presididas por el Maestro Liu. Las cartas se apilan a la antigua y familiar moda de Hollywood contra el ambicioso de la gran ciudad, que ha perdido el contacto con la vida más cálida y amigable que dejó atrás. Da Ming nunca le ha contado a su esposa sobre su hermano retrasado, que se vuelve tan intrusivamente conmovedor como su contraparte en el reciente Mifune, por no mencionar el idiota sabio ganador del Oscar de Dustin Hoffman en Rain Man (1988).
Debo confesar que encontré laboriosamente lindas todas las pequeñas tramas secundarias ritualizadas centradas en la venerable casa de baños. El reprimido y prácticamente tacaño de Pekín que puede cantar con terrible sinceridad O Sole Mio solo cuando le cae agua es uno de los artilugios más tediosos ideados para hacernos sentir vagamente culpables por los miles de millones de personas que no están del todo listas para llegar a la cima. hora. Tampoco me sentí particularmente conmovido o encantado por los ancianos que compiten entre sí compitiendo con sus grillos favoritos. Con la casa de baños programada para ser demolida para un centro comercial y algunas viviendas de gran altura, los aficionados al cricket lamentan que sus mascotas no puedan soportar las alturas. No quiero invocar la fatiga de la compasión en este momento, pero hay un límite en la cantidad de cambios en la vida que puedo lamentar.
Aún así, el eminente antropólogo Lionel Tiger ha defendido a Shower como una protesta elocuente contra la euforia del libre comercio global sobre la Nueva Economía que está dejando a tanta gente varada en los barrios, los guetos y los remansos. No obstante, encontré la película ingeniosa y fácil, a pesar de sus buenas intenciones.
La cura para la homosexualidad
But I'm a Cheerleader, de Jamie Babbit, de un guión de Brian Wayne Peterson, basado en una historia de la Sra. Babbit, se describe en las notas de producción como una sátira color caramelo sobre lo absurdo de 'curar' la homosexualidad. La premisa humanista de la película es aceptable, pero ¿qué tipo de público encuentra divertido este grado de caricatura y estereotipos? E incluso un campamento inofensivo, no está tan bien construido como debería.
Megan, de Natasha Lyonne, interpreta a una popular animadora con buenas notas y al capitán de un equipo de fútbol como novio. No obstante, el ominoso pero en el título sugiere que Megan está viviendo en un paraíso para los tontos. ¿Por qué otra razón debería pensar en los sujetadores deportivos y la ropa interior expuesta de sus exaltados colegas cuando está soportando uno de los besos con lengua babeantes e inexpertos de su novio? ¿Y por qué guarda chicas pin-ups en su casillero? Por la misma razón, supongo, que Sal Mineo mantuvo una imagen de Alan Ladd con el torso desnudo en su casillero en los días más subtextuales de Rebel Without a Cause (1955) de Nicholas Ray, con James Dean y Natalie Wood ondeando la pancarta de heterosexualidad sentimental.
Antes de que Megan sepa lo que la golpeó, se la expone como lesbiana y se la lleva a un campamento de homo-rehabilitación llamado True Directions, presidido por una dominatrix supuestamente heterosexual llamada (con sospechosa dulzura) Mary Brown e interpretada por Cathy Moriarty sin rastro de ironía traviesa. El comandante masculino del campamento es un hombre gay reformado llamado Mike, interpretado de manera extraña por el célebre travesti RuPaul Charles. Por lo tanto, desde el principio se nos indica que el de Megan no es un caso de Dreyfus sexual en el que está tratando de demostrar su inocencia ante la acusación de lesbianismo. En cambio, una vez que conoce a Graham de Clea DuVall, la deslumbrada Megan comienza a deleitarse y regocijarse en su culpa con las únicas escenas de sexo sinceramente eróticas de la película. El resto son posturas arqueadas y simulaciones tontas, con Mary Brown a mano para ridiculizar los juegos previos heterosexuales como algo para mariquitas. El examen final del campo de rehabilitación es un estudio de idiotez sin humor.
Hace más años de los que puedo recordar, escribí un artículo levemente homofóbico en The Village Voice titulado Los heteros también tienen problemas, y pensé que nunca llegaría a escuchar el final. De lo que me quejaba era de lo que entonces percibía como excesos de autocompasión gay. Esto fue mucho antes de que la aparición del SIDA cambiara para siempre las reglas básicas de tales discusiones. Hoy, soy mucho mayor y no mucho más sabio en el tema. De hecho, me he encontrado a lo largo de los años con tantos heterosexuales debilitados y tantos homosexuales musculosos que he dejado de asumir que puedo notar la diferencia.
Pero a medida que los vínculos entre homosexuales y lesbianas se vuelven más comunes y menos exóticos en la pantalla y fuera de ella, los viejos factores de poder entran en juego una vez más como obstáculos problemáticos para la felicidad universal. Heterosexuales o homosexuales, Megan y Graham son lo suficientemente atractivos como para elegir. Aún así, nada es fácil, y mucho menos las afinidades electivas. Por eso las viejas narrativas nunca mueren.
