Munich de Steven Spielberg, de un guión de Tony Kushner y Eric Roth, basado en el libro Vengeance de George Jonas, se parece a otras películas importantes recientes: es demasiado larga, psicológicamente desenfocada, temáticamente tortuosa y curiosamente anacrónica en su criptopacifismo. Incluso antes de su lanzamiento oficial, había desencadenado tormentas de controversia entre los llamados sionistas y antisionistas, israelíes y palestinos y, como siempre, entre quienes creen fervientemente en el ojo por ojo y quienes profesan creer que la violencia vengativa solo engendra más violencia. De hecho, antes de ver Munich, me habían hecho creer que el Sr. Spielberg, el Sr. Kushner y el Sr. Roth estaban sugiriendo que en este caso, la represalia israelí por la masacre de atletas israelíes en Munich ha demostrado ser desacertada, inútil e inútil. incluso contraproducente. Por lo tanto, se habría seguido que el horror de la masacre en sí se hubiera minimizado en la película.
Por lo tanto, me sorprendió descubrir que el Sr.Spielberg había empapado la película de principio a fin con recreaciones traumáticas del ataque terrorista del 6 de septiembre de 1972 contra atletas israelíes en la Villa Olímpica de Munich por un grupo palestino autodenominado Septiembre Negro. y todo ello ante una audiencia televisiva estimada en 900 millones de espectadores en todo el mundo.
Ciertamente, Spielberg habría asumido que los 33 años que han transcurrido desde este horrible evento pueden haber causado que su lección moral, si la hubiera, se desvaneciera en la memoria de aquellos que tenían la edad suficiente en ese momento para comprender lo que estaba sucediendo justo antes. sus ojos vidriosos por los medios. Por lo tanto, las personas que ahora tienen 30 años o menos deben tratar el evento no como un recuerdo, sino como una historia.
En los años intermedios, han circulado rumores e incluso se han escrito libros sobre las represalias israelíes encubiertas contra los terroristas de Septiembre Negro. El prólogo de la película dice que se inspiró en hechos reales. La palabra clave inspirada permite algo (pero no mucho) bordado narrativo de los hechos establecidos. Como señala Todd McCarthy de Variety en su perspicaz revisión:
El controvertido tomo de George Jonas, Vengeance, fue adaptado una vez antes en 1986, para la bien recibida película para televisión de HBO Sword of Gideon, dirigida por Michael Anderson y escrita por Chris Bryant, sobre una unidad de comando de cinco hombres enviada extraoficialmente por el gobierno israelí para asesinar los 11 terroristas palestinos identificados como cabecillas en los asesinatos de 11 miembros del equipo olímpico israelí.
Spielberg y sus guionistas han combinado imágenes de televisión reales de la época (con el presentador de ABC Jim McKay y sus entonces asistentes, Peter Jennings y Howard Cosell) con recreaciones de la retribución que puso en marcha la primera ministra israelí Golda Meir ( Lynn Cohen) y el oficial de caso del Mossad Ephraim (Geoffrey Rush). El hombre elegido para encabezar la misión es Avner (Eric Bana), un ex agente del Mossad y guardaespaldas de Meir, quien recuerda con cariño al padre de Avner. El Primer Ministro israelí se había negado a negociar con los terroristas sus demandas de liberación de 234 prisioneros palestinos, así como con los líderes terroristas de izquierda alemanes Andreas Baader y Ulrike Meinhof. En una conversación curiosamente sesgada entre Ephraim y Avner, Ephraim explica la verdadera razón por la que el primer ministro Meir no asistió al funeral público de los atletas israelíes asesinados. Su razón oficial fue la muerte de un familiar, pero su verdadera razón, asegura Ephraim a Avner, era que no deseaba ser abucheada en público por su negativa a negociar con los terroristas por las vidas de los atletas israelíes. Es casi como si Spielberg y sus guionistas estuvieran tratando de establecer un paralelo entre el desafío de George W. Bush y el de Golda Meir cuando declaró: Olvídense de la paz por ahora, tenemos que demostrarles que somos fuertes.
Avner recibe instrucciones de que hasta que se complete su misión, está desconectado de cualquier vínculo con el Mossad o cualquier otra entidad gubernamental israelí. Avner está completamente solo, puesto a cargo de cuatro colegas y una cantidad ilimitada de dinero que puede extraerse de un banco suizo según sea necesario. Esto significa dejar atrás a su esposa embarazada Daphna (Ayelet Zurer) sin decirle adónde va ni nada sobre su misión. En Europa, reúne a su equipo: el experimentado asesino a sueldo y ocasional exaltado Steve (Daniel Craig), el hombre de limpieza más cauteloso Carl (Ciaran Hinds), el experto en explosivos Robert (Mathieu Kassovitz) y el falsificador de documentos Hans (Hanns Zischler).
Su primer objetivo es un traductor literario palestino presentado con simpatía con base en Roma, a quien el grupo despacha sin demasiada dificultad. Su segundo objetivo, sin embargo, es una propuesta más complicada en su lujoso apartamento de París, gracias a las impredecibles idas y venidas de una esposa y una hija pequeña. Recibimos los primeros indicios aquí de que los miembros del grupo no son tan despiadados por su renuencia a matar o herir a civiles inocentes en el curso de los asesinatos. Además, pueden vagar por toda Europa, pero no en ningún país árabe o en la Unión Soviética.
Aun así, una de las cualidades más entretenidas de la película es su simulación de la vida callejera en ciudades tan variadas como Ginebra, París, Beirut, Tel Aviv, Atenas y Londres, lo esencial de cada ciudad reproducido por expertos en las ubicaciones reales de la producción en Malta, Hungría y Francia. No importa, el Sr. Spielberg muestra una afinidad por la picaresca que está a la altura de los más altos estándares del género. A medida que continúan los asesinatos y los intentos de asesinato, aumentan las tensiones dentro del equipo. Cuando tres de los asesinos palestinos de Septiembre Negro que habían sido capturados en la escena son liberados después de que un avión de Lufthansa es secuestrado y luego aclamados como héroes conquistadores en la televisión libia, se muestra a algunos de los miembros del equipo de ataque instando a Avner a ignorar sus órdenes oficiales de no para operar en un país árabe. Cuando Avner se niega, los malos sentimientos dentro del grupo comienzan a enconarse. Pronto resulta que el propio Avner está obteniendo información sobre los objetivos del grupo de un misterioso agente francés llamado Louis (Matthieu Amalric), cuya identidad se oculta a los propios aliados de Avner, para su disgusto.
Mientras tanto, la esposa de Avner da a luz a una niña, la noticia devasta a Avner y aumenta sus dudas sobre toda la misión. Sin embargo, el problema con Avner como personaje es que, aparte de su comportamiento perpetuamente perturbado, no tiene a nadie con quien pueda comunicar sus propios sentimientos con seguridad. Este es también el problema con los otros miembros del equipo, cuyos sentimientos internos están envueltos en el secreto forzado de la misión. Luego están las misteriosas fuentes francesas, Louis y Papa (Michael Lonsdale), y los crípticos aforismos del señor de la mansión de este último sobre su participación en el juego internacional de espías. El señor Amalric y el señor Lonsdale, dos de los talentos más brillantes de Francia, parecen monopolizar el poco irónico capricho que hay en el sombrío negocio que nos ocupa.
Una de las secuencias más desagradables y aparentemente más explotadoras involucra a una aspirante a recogida de bar llamada Jeanette (Marie-Josée Croze), que intenta sin éxito seducir a Avner. Avner luego advierte a Carl sobre la tentadora en el bar, pero fue en vano, ya que Carl es encontrado muerto en su habitación de hotel a la mañana siguiente con el distintivo perfume de la chica del bar por toda la habitación. Para localizar a Jeanette y vengar a Carl, Avner recurre a Louis de nuevo por el dato que coloca a Jeanette en una casa flotante holandesa y atribuye a sus muchas conexiones internacionales (incluido, si mal no recuerdo, la C.I.A.). Tres de los cuatro miembros del equipo supervivientes se enfrentan a Jeanette en su casa flotante y matan a la mujer fatal semidesnuda muy lentamente con una extraña combinación de balas y lo que parece ser un dardo venenoso. Es como si de repente nos sumergiéramos en una película sobre asesinos rituales. Más tarde, uno de los miembros del equipo lamenta haber elegido matar a Jeanette.
La cuestión es que el personaje de la Sra. Croze parece haber sido insertado en la película de forma gratuita para aportar un poquito de sensacionalismo a los procedimientos que de otra manera estarían monótonamente llenos de pesimismo y dudas. Ninguna de las críticas que he leído hasta ahora ha mencionado esta escena, que por alguna razón me viene a la mente por su autocomplacencia sorprendentemente sádica en la patología del odio.
A partir de este momento, los cazadores comienzan a caer como los perseguidos y las matanzas continúan en ambos lados en lugares tan conflictivos como Irlanda del Norte y Vietnam. En un estado de total confusión moral, Avner deja su equipo, el Mossad y el propio Israel para una nueva vida en Brooklyn con su esposa, hijo y madre (Gila Almagor). Pero el horror del 6 de septiembre de 1972 en Munich nunca lo abandonará, como se hace evidente en una secuencia ya controvertida que sincroniza la matanza recreada de los atletas israelíes con su propio orgasmo frenético en el clímax de su relación sexual en Brooklyn con su esposa claramente aprensiva.
El Sr. Spielberg, el Sr. Kushner y el Sr. Roth han optado por mostrar todas las dudas y vacilaciones sobre el uso del terror en el lado israelí, pero ¿qué pasa con el lado palestino? ¿Hay dudas y vacilaciones ahí? El Sr. Spielberg y compañía no lo dicen. Se les ha elogiado merecidamente por no demonizar a los palestinos y por no regocijarse sin pensar en la venganza de los israelíes. Pero, ¿es esta una declaración suficiente sobre el estancamiento entre Israel y los palestinos que persiste hasta el día de hoy? El Sr. Spielberg y compañía se oponen claramente a la violencia en los asuntos de los hombres y de las naciones; sin embargo, recuerdo el famoso ensayo de George Orwell sobre Ghandi y su llamado a la no violencia para liberar a la India del dominio británico. Orwell notó que Ghandi se basó en una explosión de opinión mundial indignada para ayudarlo. Todo eso estaba muy bien, argumentó Orwell, con una potencia colonial comparativamente moderada como Gran Bretaña. Pero, ¿y si Gandhi hubiera intentado la misma táctica en la Unión Soviética de Josef Stalin? Habría sido silenciado en un gulag siberiano en un santiamén.
También recuerdo otra Munich en 1938 cuando el primer ministro inglés Neville Chamberlain, el premier francés Edouard Daladier y el canciller alemán Adolf Hitler negociaron un acuerdo que, como dijo Chamberlain a las multitudes británicas que lo vitoreaban, traería la paz en nuestro tiempo. Menciono este otro Munich porque creo que el Sr. Spielberg es presuntuoso de predicar la paz y la no violencia a los israelíes y al resto de nosotros en el Munich contemporáneo, cuando el primer Munich produjo inexorablemente el Holocausto.
Lento oeste
The Three Burials of Melquiades Estrada de Tommy Lee Jones, de un guión de Guillermo Arriaga, resulta ser un western literalmente lento que se desarrolla tan laboriosamente como su título. En el debate en curso sobre los inmigrantes ilegales que cruzan nuestra frontera con México, esta película hace todo lo posible para convertir a la Patrulla Fronteriza de los Estados Unidos en un villano colectivo empeñado en perseguir a mexicanos económicamente empobrecidos pero espiritualmente nobles que simplemente intentan hacer una vida mejor para sí mismos. en América, la tierra de los inmigrantes. Tommy Lee Jones interpreta a un lacónico capataz de rancho llamado Pete Perkins, quien se hace amigo de un peón mexicano llamado Melquiades Estrada (Julio Cesar Cedillo). Los dos entablan una amistad poco probable, que incluye acostarse con mujeres jóvenes dispuestas en un motel local. Melquíades le hace prometer a Pete que, si lo peor llega a ser peor, se asegurará de que Estrada sea enterrado en la ladera mexicana que ha descrito con tanto cariño.
Pero cuando se encuentra al peón del rancho después de que un patrullero fronterizo llamado Mike Norton (Barry Pepper) lo mata accidentalmente, lo entierran rápidamente no una sino dos veces sin ninguna investigación oficial sobre el crimen. Pete no está satisfecho de que su amigo mexicano haya recibido un trato justo por parte de la Patrulla Fronteriza, y se propone rectificar las cosas secuestrando a Norton, obligándolo a sacar a Melquiades de su tumba y luego obligando a Norton a acompañar a Pete y a la patrulla fronteriza. cadáver al cementerio deseado de la víctima, un lugar en México que Pete nunca ha visto, utilizando sólo un mapa burdo dibujado por el malogrado mexicano. Y así comienza la larga odisea de dos hombres con un cadáver.
Se han hecho menciones en algunas reseñas de westerns supuestamente comparables como The Searchers (1956) de John Ford y Ride the High Country (1962) de Sam Peckinpah. De ninguna manera, José, esas sublimes sagas crepusculares de héroes de acción envejecidos pero aún indomables tienen poco en común con los mórbidamente quijotescos (aunque encomiablemente progresistas) Tres entierros. Lo que la película de Jones se parece más es al éxito artístico belga de 1996 The Promise (La Promesse), de Jean-Pierre y Luc Dardenne, en el que el hijo de 15 años de un explotador de inmigrantes ilegales desafía a su padre. para mantener una promesa que le hizo a un trabajador africano mientras agonizaba a causa de un accidente de construcción para cuidar de su esposa e hijo. Aún así, The Promise involucra la obligación de un joven con la familia viva de un muerto, no el lugar de entierro preferido de un muerto.
Lo que empeora las cosas es que Jones y Arriaga han caricaturizado groseramente a Norton y su tonta esposa Lou Ann (January Jones) en lo que equivale a un caso de racismo inverso. Arriaga no es ajeno a las narrativas intrincadas, como demuestra en sus anteriores guiones para Amores Perros (2000) y 21 Gramos (2003) de Alejandro González Iñárritu. Aún así, Jones casi mantiene todas las piezas de la narrativa orgullosamente fracturada junto con la persuasión y la convicción de su actuación principal, y Melissa Leo, Dwight Yoakam y Levon Helm son memorables en papeles secundarios.
Bombas F de Dame Judi
Mrs. Henderson Presents de Stephen Frears, de un guión de Martin Sherman, resulta ser un descuidado vodevil de esos gloriosos troupers Judi Dench y Bob Hoskins en lo que equivale a una tonta orgía de patriotismo nostálgico y la excitante picardía de la desnudez estacionaria. De hecho, la saga del venerable Windmill Theatre, que permaneció abierto durante el London Blitz, puede hacer que algunas personas quieran ponerse de pie y cantar There'll Always Be an England, pero usé la mayor parte de mi anglofilia en el conmovedor brindis de Celia Johnson para cantar. mi peor enemigo: este barco y todos los que navegan en él en En lo que servimos (1942) de David Lean y Noel Coward y el Discurso del día de San Crispín de Laurence Olivier en Enrique V (1944).
Christopher Guest merece una mención por su quisquilloso señor chambelán, que permite que la desnudez botticelliana florezca en el escenario de Windmill mientras permanezca, como un lienzo, dentro de su marco, mientras que Kelly Reilly (como la naturaleza muerta más animada, Maureen) llega a un mal final en el Blitz para mezclar algunas lágrimas con todas las risas.
Debo confesar que me divirtió un poco la impunidad con la que Dame Judy lanza sobre la palabra F antes temida y hace una broma sobre la circuncisión de un hombre en estos días cuando, en 1939, David O.Selznick tuvo que irse de manos y se arrodilla para suplicarle a la oficina de Breen que le permita que Clark Gable le diga a Vivien Leigh en Lo que el viento se llevó: Francamente, querida, me importa un comino. Oh, cuánto hemos progresado en estos más de 60 años. Pero, ¿por qué no soy mucho más feliz?
