Fue una gran noticia cuando Frank Ocean, el recluso generacional adyacente a Salinger de R&B, se retiró del lugar principal para el segundo fin de semana de Coachella después de una semana de apertura que fue un desastre absoluto de relaciones públicas. Ocean ha dado muy pocas presentaciones en vivo desde su rápido ascenso al estatus de leyenda, manteniendo un aire de mística que la mayoría de las figuras públicas no pueden mantener en la era de las redes sociales. Realizó giras frecuentes a principios de la década de 2010 con el colectivo Odd Future, pero después de años de giras con moderación, una aparición en el festival de 2017 en Helsinki parecía ser su último espectáculo. Cuando Coachella anunció a Ocean como cabeza de cartel durante ambas semanas, las bromas se sucedieron rápidamente.
Ocean, que ya es notoriamente privado, tiene una predilección por los espectáculos breves y las cancelaciones, pero vale la pena señalar que la reacción inicial al anuncio fue en su mayoría positiva. Los fanáticos con el dinero para asistir (los boletos de Coachella costaron entre $ 500 y $ 1,000) estaban emocionados de ver el tan esperado regreso del rapero, al igual que aquellos que planeaban sintonizar la transmisión de YouTube del festival. Programado para el último espacio del primer fin de semana, la una a.m., hora estándar del este, un domingo por la noche, se suponía que el set de Ocean sería un escaparate trascendental. En cambio, fue momentáneamente decepcionante.
La línea de tiempo está ofuscada, pero aparentemente las cosas se rompieron la semana del primer programa. Ocean sufrió una lesión menor en bicicleta a principios de semana que supuestamente arruinó sus extravagantes planes para el espectáculo, que incluían una rutina en la que docenas de exjugadores de hockey patinarían alrededor de una pista elaboradamente diseñada en medio del desierto de California.
Las súplicas del equipo de Ocean para cambiar toda la actuación en el último minuto cayeron en oídos sordos y, en protesta, realizó un breve set que incluyó tanto pinchar y bailar como sus propias canciones, interrumpido inesperadamente por las doce a.m. PDT de la ciudad. toque de queda. Después de todo, Ocean apareció una hora tarde. También se anunció, mientras los fanáticos esperaban que comenzara el set, que la actuación no lo haría ser transmitido en YouTube. Los poseedores de boletos aún podían disfrutar del espectáculo, pero todos en casa se vieron reducidos a ver el set a través de transmisiones ilegales de 240p y videos de Instagram publicados furtivamente por la multitud.
El alboroto fue tremendo y culminó en un tsunami de discurso anti-Frank Ocean. Beardos corrió a Twitter para llamar a Ocean un mocoso por sus payasadas y que no apreciaba a la multitud que esperaba ansiosamente su regreso al escenario después de tantos años. Los nerds de la industria y los teóricos de la conspiración creían que este 'incidente' era otra táctica en una larga lista de acrobacias de la máquina de relaciones públicas de Frank Ocean para generar entusiasmo por su hipotético próximo álbum. Señalaron el hecho de que no transmitió el programa en vivo como prueba de que está tratando de inflar la demanda de su música, algo que claramente no necesita, como lo demuestra la exageración de este programa a pesar de que Ocean pasó varios años sin nada nuevo. salida de música
Los críticos vestidos de franela también se aseguraron de señalar que miles de espectadores pagaron una cantidad considerable de dinero para ver el set en persona, ignorando que una buena parte de los que eran allí inmediatamente defendió Océano. El puñado de adultos razonables involucrados en estas conversaciones justificaron la imprevisibilidad de Ocean, señalando que siempre ha sido abierto sobre su miedo a actuar y que este fue su primer show en vivo desde que perdió trágicamente a su hermano menor. Días después, Ocean canceló su segunda aparición en Coachella, citando la lesión en bicicleta antes mencionada. Cue nueva indignación.
En última instancia, los fanáticos están irrazonablemente enojados con un artista que es humano como el resto de nosotros. Es correcto que esto haya surgido de un festival de música con reputación de estar lleno de vanidad y carente de alma, donde muchos asistentes, que pagaron el alquiler de algunas personas para asistir, en realidad no se preocupan tanto por la música como por la imagen. les gusta el idea de estar en Coachella y ver un set legendario más que la música en sí misma, lo que crea una tormenta perfecta, emblemática de un punto de ruptura en la percepción pública de la música en vivo.
Las redes sociales se están comiendo la música en directo
Es importante tener en cuenta el papel que juegan las redes sociales en la digestión de la música en vivo. Si bien hubo una contingencia de fanáticos que estaban en el programa defendiendo valientemente a Ocean en línea, formaron una pequeña minoría en la discusión. Señalaron una lista de canciones de calidad que incluía pistas profundas de Sin fin, versiones de soul y remixes de cortes clásicos de Jersey Club, pero sus súplicas de una evaluación racional fueron ahogadas por Twitter Finger Lynch Mob. En un comunicado sobre su set de Coachella, Ocean dio una respuesta profética que resume el momento: “Fue caótico. [Pero] hay algo de belleza en el caos”.
La escena de música en vivo de hoy es una bestia diferente de los conciertos y actuaciones de antaño. Alguna vez fue un escenario para que los artistas jóvenes personificaran la energía y el carisma de su música ante oídos desprevenidos... para que las megaestrellas experimentaran una coronación en tiempo real frente a los fanáticos que los adoraban... partidarios de mucho tiempo. La música nunca se ha centrado exclusivamente en el espectáculo en vivo, pero ha sido omnipresente como piedra de toque cultural y complemento de los catálogos de los artistas.
Antes de que fuera posible el archivado obsesivo de la música, la única forma de conocer a algunos de los músicos más influyentes era atraparlos en persona. Robert Johnson, el legendario bluesman del delta del Mississippi cuya leyenda urbana afirma que vendió su alma al diablo a cambio de venerables habilidades con la guitarra de 12 cuerdas, solo grabó 29 canciones en toda su vida. Incluso esas grabaciones, citadas por íconos como Keith Richards y Eric Clapton como sus mayores influencias, no estuvieron disponibles para el público hasta décadas después. La palabra de la leyenda de Johnson nació de los murmullos de los clientes de los bares de juke joints del delta que no podían creer lo que escuchaban. Pero eso fue suficiente para catapultar el nombre de Johnson al folclore del rock and roll.
Tal es el poder de la música en vivo. Cuando impacta, genera adoración y empuja a los artistas a un reino mítico. A medida que el rock 'n' roll maduró, ciertos actos fueron cimentados en la tradición por sus conciertos. Los Rolling Stones se convirtieron en la banda de rock por excelencia a través de las travesuras de la gira y el talento para el espectáculo que ha durado seis décadas. También lo han hecho Grateful Dead, los músicos en vivo más destacados de Estados Unidos, que comenzaron a tocar todos los días en fiestas caseras durante las pruebas de Kool-Aid de Ken Kesey a mediados de la década de 1960 y no han parado desde entonces, creando efectivamente la jam band y construyendo una comunidad más grande que la banda en sí, un gigante que impregna la cultura pop hasta el día de hoy. Otros actos históricos, como Bob Seger y Allman Brothers, grabaron sus mejores álbumes en vivo.
La música en vivo de esos años se siente menos monumental y más accesible: una novedad frente a un aspecto necesario del espíritu musical. Piensa en algunos de los mejores álbumes de música en vivo y sus momentos legendarios. Un oyente puede vislumbrar a una banda que supera sus estándares. O tal vez pueden escuchar a la banda sacar una versión diferente de una canción clásica, para sorpresa de una multitud absorta. James Brown Vive en el Apolo o MC5 Saca los atascos se me ocurre. Ahora piensa en lo que tienen en común. Ninguno de ellos es remotamente reciente. Pasé días devanándome los sesos por última vez realmente legendario álbum en vivo. ¿Mi mejor conjetura? Probablemente algo de la era MTV Unplugged, tal vez Alice in Chains en 1996. No se me ocurre nada del siglo XXI.
No es como si los shows en vivo se convirtieran malo. Crecí en la era de Internet, después de la muerte del álbum en vivo, y he visto innumerables actuaciones impecables. Lo que ha cambiado es que el potencial publicitario ya no es el mismo. La creación y venta de álbumes están dictadas en gran medida por las demandas del mercado y, por primera vez en la historia reciente de la música, a nadie parece importarle el álbum en vivo en el contexto del éxito artístico. Los músicos en ciernes ya no necesidad depender de los shows en vivo para construir su marca. En cualquier otra era, las bandas tenían que tragarse su orgullo y tocar en conciertos locales para ganar notoriedad. Los Beatles tocaron en bares en Hamburgo, Alemania, para ponerse frente a los promotores. Bob Dylan tocaba a altas horas de la noche en cafeterías del Greenwich Village de Nueva York para insertarse en el circuito folk.
Incluso en años más recientes, los raperos legendarios de la década de 1990 en Nueva York, como Biggie y Big L, perfeccionaron sus habilidades de MC en batallas de rap frente a los líderes de la industria en las esquinas. Hoy en día, los artistas pueden tomar rutas más efectivas, incluida la publicación de sus pistas en sitios de transmisión y el lanzamiento de campañas publicitarias en las redes sociales. No es que los actos jóvenes sean particularmente anti-música en vivo, pero hacer cualquier cosa cuesta más dinero que antes. Es probable que los fondos en el camino hacia el éxito potencial se gasten mejor aprovechando la tecnología moderna que martillando un espectáculo en vivo tras otro, al menos para los artistas jóvenes.
Impecable y cada vez más inaccesible
Además, los conciertos son menos accesibles que nunca. A medida que avanza el capitalismo de última etapa y la tecnología moderna descentraliza el mundo, la música ya no es local. Hay demasiada desregionalización entre las escenas underground. A finales de los años 60, si quería sumergirse en la escena de la música en vivo, podía hacer autostop hasta San Francisco. A finales de los 80 y principios de los 90, si querías ser algo en el grunge, podías reservar un billete de ida a Seattle. Esos “terceros espacios” de la música ya no existen hoy porque ya no hay una comunidad física a su alrededor que atienda sus necesidades. Los nuevos actos pueden hacer espectáculos en sus ciudades de origen, pero ya no hay cultos muy unidos de fanáticos que financian la escena y difunden el evangelio.
Los precios de los boletos también son un robo en la carretera, y lo han sido en un grado cada vez mayor durante las últimas dos décadas. El primer momento preocupante a nivel nacional llegó en 1992 cuando Pearl Jam era la banda más grande del mundo. Ticketmaster , el lugar más popular para conseguir entradas para cualquier evento, se lanzó en 1982 y para principios de los 90 había comenzado a acaparar la industria. Antes de esto, la experiencia de compra de boletos en persona no era fácil (la demanda siempre ha sido capaz de superar la oferta, causando agotamiento), pero siempre fue asequible. A mediados de los 90, actos heredados como Billy Joel y The Eagles cobraban más de $ 100 por boleto, una cifra más parecida a los precios actuales.
es rick y morty en hbo
El odio ardiente que el líder de Pearl Jam, Eddie Vedder, sentía por las prácticas depredadoras de Ticketmaster llegó a un punto crítico cuando la compañía cobró tarifas por boletos gratuitos para los espectáculos de bienvenida de la banda en Seattle. Las batallas legales entre Pearl Jam y Ticketmaster duraron años, pero, lamentablemente, Pearl Jam no pudo derrotar al monstruo. Era inútil luchar contra un monolito que tenía tratos con tantas sedes regionales. En cierto punto, a Pearl Jam se le hizo difícil encontrar lugares razonables, por lo que cesaron sus quejas. Finalmente, se cerró la investigación del Departamento de Justicia de los Estados Unidos sobre el aumento injusto de precios por parte de la compañía, y Pearl Jam comenzó a trabajar con Ticketmaster nuevamente en 1998.
A lo largo de los años, las tarifas depredadoras de Ticketmaster han crecido y se han enconado como una infección imparable. Tan solo el año pasado, la avaricia de la empresa empañaba el entusiasmo por algunas de las giras más esperadas. Las tarifas de la gira 2023 de Beyoncé se han vuelto tan extravagantes que algunos estadounidenses optan por volar al extranjero y ver a Beyoncé en su pierna europea a un precio similar. Taylor Swift llevó a Ticketmaster a los tribunales por prácticas anticompetitivas después de que a los Swifties de todo el mundo les resultara imposible conseguir entradas a un precio razonable, alegando que la plataforma obliga a los asistentes al concierto a usar su sitio para poder aumentar los precios. Incluso Robert Smith, el líder normalmente reservado de The Cure (que se embarcaba en su primera gira estadounidense en años), ha tenido suficiente con Ticketmaster. Antes de la gira, The Cure tenía como objetivo mantener los precios asequibles y justos optando por no usar precios dinámicos ni boletos transferibles, un movimiento para sofocar el voraz mercado de reventa. Pero cuando los fanáticos fueron a comprar boletos, se dieron cuenta de que Ticketmaster todavía cobraba tarifas exorbitantes a pesar de los precios baratos de los boletos; las tarifas de algunos fanáticos cuestan más que el boleto en sí. Hasta el día de hoy, Smith es el único músico que logró una victoria moral contra el gigante de las entradas, ya que Ticketmaster fue avergonzado públicamente al reembolsar a los fanáticos una parte de sus tarifas.
Luego está la pandemia, el elefante en la habitación cuyo impacto aún se siente en la música en vivo. Los lugares están abiertos nuevamente, pero las restricciones de distanciamiento social mataron temporalmente el impulso del medio. A pesar de la emoción percibida en torno al regreso de la música en vivo y la mejora en la venta de entradas en el llamado mundo post-COVID, los promotores de conciertos han notado una desaceleración en la venta de boletos debido a la sobresaturación y precios exorbitantes. En un país donde todo el mundo está arruinado, las tarifas masivas y los costos de boletos cada vez mayores son difíciles de justificar. Dado eso, además de una mayor ansiedad en torno a prácticas potencialmente inseguras (como meterse en salones de baile oscuros y sudorosos como el atún, bailar sin pensar mientras los gérmenes y las bacterias giran por la habitación), es difícil cuantificar exactamente cómo COVID cambió la música en vivo, pero no puede ser bueno.
Es importante tener en cuenta que los programas transmitidos en vivo, que se han vuelto comunes en los últimos años, son algo objetivamente bueno . Es una forma accesible y económica de llevar la música en vivo a las masas. A saber: miles de jóvenes fanáticos del indie rock pudieron ver a su querido supergrupo boygenius en la página de YouTube de Coachella, muchos de ellos, si no la mayoría, no podían soñar con pagar boletos.
Los fanáticos adolescentes del indie rock no están solos. Cada vez más, el hombre común ya no puede ir a espectáculos con tanta frecuencia como solía hacerlo en todos los géneros. Mientras estaba en la universidad, mi padre era un Deadhead por excelencia, pasando sus veranos siguiendo a Grateful Dead en todo Estados Unidos. No puedo imaginar cómo alguien podría hacer eso ahora como estudiante a menos que dedique un porcentaje irracionalmente grande de sus fondos a ver música en vivo. Los ricos son cada vez más ricos, los pobres cada vez más pobres y las generaciones más jóvenes en las fases de descubrimiento de la vida tienen menos fondos discrecionales que nunca. Pearl Jam, Taylor Swift, Beyoncé y The Cure son algunos de los artistas más famosos del mundo. No debería ser tan difícil ver música en vivo. Spotify, otro mal del que se necesitarían miles de palabras más para lamentarse, cuesta diez dólares al mes. Ese es un punto de precio alineado con el presupuesto atractivo para las masas, incluido yo, ya que los eventos en vivo se vuelven inaccesibles.
Perseguir la perfección ha llevado a la mercantilización
La creciente inaccesibilidad de los espectáculos en vivo cambia por completo la forma en que interactuamos con la música en vivo. Se vuelve menos sobre la experiencia orgánica e inmersiva desprovista de expectativas y más sobre el momento en sí. Muchos fanáticos no ven música en vivo con frecuencia, por lo que si gastan el dinero para ir a un espectáculo, las expectativas pueden volverse irrazonablemente altas. Queremos desesperadamente que las experiencias de los conciertos sean perfectas, espirituales y fotogénicas; algo que podamos publicar en las redes sociales para inspirar celos. Empezamos a tratar a los artistas más como productos comerciales que necesitan proporcionarnos algo de valor tangible, en lugar de un enigma, un ser vivo individual. Al hacerlo, dejamos de lado la singularidad que nos atrajo a su música en primer lugar.
Desde la perspectiva del artista, las giras pierden su brillo y desaparece el incentivo para realizar una gran actuación en vivo. No hay nada que equilibre las molestias de la vida de la gira: los gastos, los meses de gira, los fanáticos implacables y las tarifas de los proveedores y los lugares. Hubo un tiempo en el que el aprecio de los fanáticos y la falta de expectativas rígidas podían hacer que una banda siguiera adelante, pero en esta era distópica de las redes sociales en la que todo tiene un patrocinador y todo es cuestión de efectivo, los restos de una base de fanáticos rabiosos pueden no ser suficientes para moverse. la aguja Parece, más que nunca, que los actos más grandes están sacando provecho del sueldo en festivales con exposición masiva y grandes presupuestos. ¿Quién puede culparlos? Los conjuntos suelen ser más cortos, necesita hacer menos en un año por la misma cantidad de publicidad y son buenos eventos de networking en un espacio que ha experimentado una descentralización comunitaria.
Afortunadamente, la música en vivo no está muerta. todavía y probablemente vivirá de alguna forma para siempre. Mientras haya dinero, el espectáculo continuará. Una refutación a mi punto anterior acerca de que los espectáculos en vivo son ineficaces para los artistas jóvenes con un presupuesto limitado es que los espectáculos en vivo son menos depredadores financieramente que las transmisiones, que hacen que los artistas casi no ganen dinero. Los espectáculos en vivo pueden no ser fuentes de ingresos para los actos jóvenes, pero al menos los artistas tienen la oportunidad de ver una mayor parte de las ganancias. Por supuesto, hay mejores formas de mantener vivo el espíritu del espectáculo y el arte de la interpretación musical que los incentivos lucrativos, pero es mejor que nada. La música en vivo es esencial para el tejido de la música en sí misma y para la cultura pop en su conjunto, y debemos apreciarla como tal. Parte de la mística detrás de los más grandes creadores del medio es su excentricidad, creatividad e imprevisibilidad. Son misterios, y su singularidad brilla en el escenario, ya sea reafirmando tu creencia en la belleza del arte o cambiando por completo tu idea de lo que el artista está tratando de hacer.
La música en vivo es visceral. es necesario El teatro sin representaciones es solo un conglomerado de palabras en una página. La arquitectura sin edificios es solo un plano. ¿Qué se supone que debemos hacer con eso? No puedo recordar una sola vez que me haya arrepentido de ver música en vivo, y dudo que vuelva a suceder pronto.
