¿El aislamiento es bueno para los artistas?Khara Woods / Unsplash Nos encontramos en un momento extraño en el tiempo, que nos obliga a permanecer aislados. Y mientras el mundo tal como lo conocemos está en espera, aún debemos llenar nuestros días y tratar de ganar suficiente dinero para sobrevivir. Algunas personas tienen la suerte de hacer su trabajo desde casa, otras han sido suspendidas hasta que regrese la normalidad, mientras que muchas han sido despedidas por completo. Los creativos se encuentran en una posición extraña en la que pueden, al menos en teoría, continuar produciendo arte en los espacios en los que viven. Internet está lleno de sugerencias sobre qué hacer mientras se aísla a sí mismo, cómo pasar el tiempo, aunque el mito del artista sugiere que los creativos están bastante acostumbrados a estar aislados y les afecta mínimamente. La verdad en la que proviene esta percepción es en realidad mucho más interesante que la fábula del artista torturado y solitario que engendró.
El aislamiento voluntario ha sido una buena forma para que los artistas, históricamente y hoy, encuentren la paz para crear, lejos de los rumores, la burocracia y el ruido general de la vida. Al arquitecto y artista renacentista (y padrino de la historia del arte) Giorgio Vasari le gustaba ir a un monasterio en la Toscana rural donde, como él mismo escribió, no podría haber encontrado un lugar mejor para conocerme a mí mismo. Fue en una de sus primeras visitas allí, un período de dos meses, que pintó un Virgen y Niño con los Santos Juan Bautista y Jerónimo y esto llevó a los monjes a encargarle todo un retablo.
Durante este tiempo, los que pudieron dejaron las ciudades abarrotadas donde una plaga se estaba extendiendo rápidamente. Los retiros a granjas, monasterios y entornos rurales, lejos de grupos de personas, era una de las mejores medidas preventivas contra las enfermedades; los médicos, en ese momento, no estaban bien equipados para recomendar otras medidas comprobadas de protección. En las ciudades, el agua y el vinagre se consideraban antisépticos. Las transacciones en las tiendas se limitaban a colocar monedas en un recipiente con agua o vinagre y deslizar las monedas a través de una ranura en la puerta de la tienda, después de lo cual el dueño de la tienda deslizaba los productos hacia el comprador. La oración feroz también se consideraba un buen defensor contra la enfermedad.
Los artistas, históricamente, han podido crear obras en autoaislamiento si se relacionaba con evitar la enfermedad, pero no si se trataba de evitar la guerra y en situaciones de asedio. En esos momentos, los nervios estaban tan tensos y el material no estaba disponible, que la producción artística tendía a ser enormemente limitada o inexistente. De hecho, la mayoría de los artistas fueron reasignados a roles como ingenieros militares en tales circunstancias, y personas como Leonardo, Benvenuto Cellini y Vasari cumplieron este rol en tiempos de conflicto.
Es en parte gracias al legado de Vasari que tenemos este mito del creador aislado, a través de su influyente libro de 1550, La vida de los artistas, que describe al artista como alguien que vive en la periferia de la sociedad (literal o metafóricamente). El cliché posterior que generó ha servido para elevar la vida privada de algunos artistas a un nivel de fama más allá incluso de lo que alcanza su trabajo. El mejor ejemplo es Vincent van Gogh, ese genio loco devorador de zapatos y cortador de orejas que evitaba los cafés de París, que es donde pasaban el rato todos los que eran cualquiera en el mundo del arte, y se mudó a Arles, en el sur profundo.
Van Gogh es el modelo del artista torturado, aislado e ignorado, que entendemos como el Artista Verdadero. Dijo que su movimiento fue acercarse a los colores y alejarse de los grises de París, y explicó que estar en completo aislamiento y alejado de la gente y de todas las posibles influencias distintas de sus propias visiones le hacía ver las cosas con mayor claridad. Ese aislamiento completo lo ayudó a estar en la zona , o continuamente hipnotizado, como Murakami describió recientemente el propósito de su propio aislamiento autoimpuesto al escribir un libro nuevo. Lo cierto es que para muchos creadores, un espacio donde poder a solas con sus pensamientos es ideal. Los escritores y artistas asisten regularmente a retiros, que es esencialmente un autoaislamiento voluntario para hacer su trabajo sin las distracciones de la vida cotidiana. Sin embargo, no olvidemos que muchos crean en estudios compartidos, en campus llenos de gente o en colaboración con otros.
Pero indudablemente sucede algo cuando invertimos todo lo que tenemos en un período más largo de inmersión total en el proceso de hacer arte, y poco o nada más. Al mismo tiempo, en muchos casos, los artistas nos adentramos tanto en nuestro trabajo que puede volverse invisible para nosotros. Con demasiada frecuencia, la resolución final, ese clic, ese golpe del genio, el aliento de la divinidad, cuando todo (usted incluido) se levanta del suelo, cuando la magia se asienta sobre su trabajo, aparece solo cuando saca su rostro de él y respira un poco. A veces, alejarnos del trabajo nos ayuda a verlo todo con mayor claridad. ¿Con qué frecuencia el bloqueo del escritor (u otras estaciones de la cruz artística) se ha resuelto mágicamente por una desviación no planificada, una borrachera inesperada, una historia de amor o simplemente un café en un lugar nuevo, fuera de la rutina ordinaria? Por lo tanto, el aislamiento es bueno para realizar grandes cantidades de trabajo. Pero necesitamos el respiro de alejarnos del tablero de dibujo (literalmente) para hacer nuevos avances, resolver problemas y encontrar las notas de gracia que completan nuestras sinfonías (a veces literalmente).
Fue cuando el amigo de Van Gogh, su rival en algún momento, Paul Gauguin vino a pasar un tiempo con él en Arles que ambos artistas realmente lograron avances y florecieron. Pero los artistas pueden ser susceptibles y existe una delgada línea entre la camaradería y la rivalidad. Esta estadía conjunta convirtió su amistad en un desastre, e incluyó el famoso acto de Van Gogh cortándose la oreja, seguido de Gauguin yendo de retiro, lejos de la civilización conocida como él la llamaba, terminó en Polinesia.
Algunos artistas han convertido el autoaislamiento en su arte, no solo en un vehículo para hacer arte. Chris Burden preparó una actuación ( Pieza de cama, 1972) en el que dio instrucciones estrictas a su galerista de no interferir con él de ninguna manera. Luego se presentó en la galería, se acostó en una cama dentro de ella y permaneció allí, en completo aislamiento autoimpuesto, durante tres meses. Esto tuvo una resonancia extra para él porque, después de un grave accidente automovilístico cuando tenía 13 años, se vio obligado a pasar nueve meses en cama mientras se recuperaba. Haciendo referencia a Burden, el artista chino Tehching Hsieh se encerró en una jaula dentro de su estudio durante todo un año ( Pieza de jaula , 1978-1979).
Es una danza constante para los artistas entre el aislamiento y la interacción social. Cuando hay demasiada vida real, se siente como una interferencia y anhelamos un tiempo a solas para hacer nuestro trabajo. Pero el simple hecho de estar solo con nuestro trabajo puede dar lugar a repeticiones obsoletas. Las pausas e interacciones nos refrescan y dan a nuestros jugos creativos la oportunidad de fluir de nuevo. También sentimos que nuestras carreras están en peligro si estamos aislados y trabajando durante demasiado tiempo; esa es una preocupación posmoderna, que tienes que estar ahí para que el mundo del arte te recuerde y mantenga tu relevancia.
No hay una respuesta sencilla al equilibrio entre aislamiento y socialización para el artista, pero apreciamos la libertad de elegir. Elija cuándo aislar, elija cuándo participar. Es un proceso, un acto constante de caminar sobre cables.
Entonces, la pregunta es, ahora más que nunca, ¿el aislamiento significa que haré mejor arte, o estar inmerso en el vórtice social no solo abre mis oportunidades de ser visto, sino que hace que mi arte sea mejor y más relevante? La respuesta es ambas. Se destaca ahora, porque no podemos sumergirnos en el vórtice social, aparte de las redes sociales, que proporciona el efecto recuérdame, pero no ofrece la distancia positiva y refrescante de tu trabajo que te permite cocinar nuevas ideas y agregar guinda. el pastel de los viejos.
A los artistas les gusta saltar a los extremos. Navegar lo más lejos posible de todos en ocasiones, inmerso en todos los rincones posibles del arte contemporáneo, grandes, complejos y variados proyectos paralelos, exposiciones, colaboraciones, publicaciones, presentaciones y conferencias. Los artistas quieren mostrar lo que hemos hecho mientras estábamos en una de nuestras cuevas secretas, o mostrar que ahora solo podemos trabajar cuando flotamos en un océano de información y disponibilidad ... hasta que no podamos esperar para escapar de nuevo, así que puede tomar un respiro y apreciarlo todo. Hay muchos clichés sobre los artistas, pero uno es ciertamente cierto: ya sea que abracen los extremos o no, son un grupo complicado, y estamos mejor por eso. Sin sus intentos creativos de entenderse a sí mismos y al mundo, todos seríamos mucho más pobres.
