Crudo, lascivo y descarado son tres palabras que describen con bastante precisión las películas de Adam Sandler en general, y 50 Primeras citas en particular. Al igual que su San Valentín de 1998, The Wedding Singer, esta supuesta nueva comedia empareja al ex alumno de Saturday Night Live con cara de paté de hígado con Drew Barrymore, el efervescente y con los ojos muy abiertos, quien es un buen agente leudante para la persona fea, abrasiva y espeluznante que el Sr. una fraternidad siempre desconcertante de críticos de cine equivocados que se alimentan de falta de gusto) probablemente llama estilo. Aún así, las bromas de idiota habituales y el sentimentalismo enfermizo y sofocante están aquí en abundancia: bromas gay, palizas salvajes, viejos seniles que hablan sucio y la pandilla patética de inadaptados sociales y médicos que tratan a la cartera de holgazanes estúpidos del Sr. Sandler como campeones. y héroes.
La inexistente trama reelabora la película de 1993 de Harold Ramis Groundhog Day, en la que Bill Murray interpretó a un cínico meteorólogo condenado a revivir los eventos del 2 de febrero una y otra vez hasta que aprendió a ser más empático con el roedor Punxsutawney en busca de su sombra. Si su personaje estaba atrapado en el purgatorio, el personaje de Drew Barrymore, Lucy, está condenado al limbo. Un fenómeno médico que vive solo en un tiempo fracturado, es una profesora de arte que sufrió una lesión en la cabeza en un accidente de coche. Ahora pierde su memoria a corto plazo todas las noches y se despierta cada mañana creyendo que es el día del accidente nuevamente, que también es el cumpleaños de su padre. Por razones que no quieres saber, su odioso padre (Blake Clark), su hermano adicto a los esteroides (Sean Astin) y varios bailarines de hula nativos (¿me olvidé de mencionar que todo tiene lugar en Hawái?) Están de acuerdo con la broma. , incluso viendo una repetición nocturna de El sexto sentido y fingiendo conmoción y sorpresa cada vez que Bruce Willis resulta ser un fantasma. Cuando la terapia del delirio aburre, el Sr. Sandler ingresa como veterinario marino y conquistador de mujeres turistas llamado Henry. Se enamora de Lucy en el momento en que la ve en un restaurante, haciendo una casa con una pila de gofres. A ella le gusta oler sus dedos porque huelen a caballa. Esa es solo la parte limpia y nauseabunda. Las repugnantes partes sucias asaltan lo que queda de tu propio cerebro más rápido de lo que puedes decir Farrelly Brothers.
En todas las películas de Adam Sandler, se burla de los gays, las personas mayores, los parapléjicos, las personas en los locos y las sillas de ruedas. Pero, ¿no es curioso que la única persona que parece dañada y sub-mental en todas estas películas sea el mismo Adam Sandler? En las desagradables 50 primeras citas, sus deficiencias parecen incluso más mortales que en el embrutecentemente pretencioso Punch-Drunk Love. Mientras que el pobre guión de George Wing llega a una duración insoportable de 95 minutos con una serie de citas interminables en las que Lucy cree que se encuentra con Henry por primera vez, las repetidas escenas de besos y abrazos son compensadas por el director Peter. El compromiso de Segal con la exageración brutal. En cada etapa del romance, la película se adentra en tanta escatología y adolescencia pueril que parece haber sido dirigida por el Sr. Segal con un dedo en la garganta. El Sr. Segal es el hombre responsable de Manejo de la ira y el Profesor Chiflado II: Los Klumps, entre otras deshonras imbéciles, por lo que es probable que nadie entre en esta cripta en busca de sutileza, frescura o estilo.
Pero incluso para los estándares de Hollywood, ¿qué tipo de mente te golpea con una combinación de tanto humor de baño y abuso físico al mismo tiempo? Prepárese para los horribles fragmentos de jardín de infantes sobre testículos magullados, una morsa que vomita profusamente y una casi hermafrodita. (¿No habría sido suficiente uno u otro?) El padre de Lucy imita cruelmente y se burla del impedimento del habla de su hijo. (¿No son suficientes los pectorales exagerados del joven?) Nos anima a todos a reírnos a carcajadas de un paciente mental con daño cerebral, y una broma enfermiza sobre el accidente de motocicleta casi fatal de Gary Busey cae tan plano como excremento de elefante. Luego está la actuación exagerada y exagerada del perpetuo compañero del repertorio de Sandler, Rob Schneider, como un adicto a la droga hawaiano de piel oscura y un inglés vulgar que sigue encontrando nuevas formas de abrir las heridas en su estómago por la mordedura de un tiburón.
Estúpida, grosera y abismalmente sin gracia, este es el tipo de película que te hace rezar para que un diente de tigre real aparezca en medio de una escena y cause un daño permanente por sí solo. Ahora hay una broma cruel que realmente me dejaría en puntadas.
Trío oversexed
A pesar de toda la exageración y la controversia que rodean su sexo pervertido y la desnudez masculina frontal completa, The Dreamers de Bernardo Bertolucci es una película que transpira para mandar, pero no logra mantener la atención. Es pesado e irritantemente poco atractivo. Embriagado por el cine y el Kama Sutra, Bertolucci ha abandonado en sus últimas películas las hormonas con las que condujo a Marlon Brando, en Last Tango in Paris, para demostrar el único uso de la mantequilla que nunca se le ocurrió a Julia Child. Pero en The Dreamers, ambientada en París durante la turbulenta primavera de 1968, Bertolucci vuelve en su broma a sus tres temas favoritos: sexo, películas y política. Los tres estaban en plena aceleración entonces, alimentando las revoluciones de los caóticos años 60. El año fue una época de huelgas, protestas estudiantiles, escándalos políticos y hedonismo furioso y empedernido, cuando Henri Langlois fue expulsado de las salas de felicidad de la Cinemateca Francesa de París y multitudes de cinéfilos alborotadores se encadenaron a las puertas con New Wave. iconos como François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jean-Paul Belmondo y Simone Signoret. El recién llegado Bertolucci, un ex asistente de Pier Paolo Pasolini que se unió a las filas sagradas después de su primera película en 1962, estaba allí, y la adrenalina de la memoria, obviamente, todavía está subiendo por su cerebro. Es la última vez que suficientes personas se vieron tan influenciadas por la filosofía que encontraron en la pantalla que estuvieron dispuestas a asaltar las barricadas y luchar contra la policía con garrotes y gases lacrimógenos para defender las películas de Nicholas Ray.
Adaptado por Gilbert Adair de su novela, The Dreamers narra las experiencias de Matthew (Michael Pitt), un estudiante estadounidense ingenuo y solitario y un cinéfilo insaciable que pasa el rato en la Cinemateca día y noche. Con un toque de brandy y un giro del destino, conoce a Isabelle (Eva Green) y Theo (Louis Garrel), exóticos gemelos franceses cuyos excéntricos padres se han ido de vacaciones prolongadas y han dejado a los hermanos solos en el desordenado, espacioso y un poco loco. apartamento familiar. En dos días, el hermano y la hermana trasladan las cosas de Matthew de su hotel a su apartamento, donde flirtean, fascinan, enamoran y lo seducen en un ménage à trois que cambiará su vida por completo. Aquí hay un estadounidense educado, de voz suave y de corte limpio de San Diego con un fondo de césped verde, camionetas y botones de Brooks Brothers, cuya propiedad sexual se ve disminuida gradualmente por un acto incestuoso de hermano-hermana ansioso por iniciarlo en los juegos bohemios de su propia revolución sexual poco convencional. Es tanto una película sobre el cine como sobre la cópula. Dado que las referencias del trío con exceso de sexo a las experiencias de la vida se restringen a escenas de películas que han visto en la pantalla, Bertolucci recorta clips de películas de Chaplin, Garbo en Queen Christina, Fred y Ginger y, por supuesto, la primera impresión indeleble de cada estadounidense de Paris-Jean Seberg vendiendo el International Herald Tribune en la Rue l'Opera en Breathless. Matthew flota en una existencia secular de decadencia incestuosa, entregándose a cada experimento sexual con total entrega, hasta que las aventuras en las calles desgarradas por disturbios de afuera superan los despertares en las camas de adentro, y el camino hacia la madurez y el autodescubrimiento termina en separación. Matthew se da cuenta por fin de que hay más en la vida que orgasmos de género inespecíficos. La pregunta que se plantea es: ¿Qué pasa con una secuela, donde pone a prueba su transformación cachonda bajo las palmas de San Diego?
Hay mucho sexo, pero la mayor parte es tenue y ninguno es muy palpitante. Los actores están casi rojos con una oleada de vergüenza, y con la excepción de Eva Green, que gime con lujuria simulada como una reina del porno, nadie parece estar muy excitado. Pitt, un actor intensamente torpe de Brooklyn con cabello color trigo y labios hinchados, descubre su trasero y su johnson, pero es demasiado escuálido y de boca remilgada para provocar mucha fiebre. El atelier barroco de París, donde la juventud representa sus fantasías, le da a la película una cualidad encantadora y apagada que rara vez se adentra en la luz del día, pero este es un tema miope que Bertolucci no logra extender del todo más allá de su propia visión personal. El clima político francés de 1968 no es un tema sobre el que mucha gente sienta curiosidad en 2004, y el sexo no es más erótico que el de Janet Jackson en el Super Bowl. Es una película sobre la juventud y la pasión que parece vieja y sin pasión.
Can-Can Can!
Can-Can, los primeros Encores! producción de 2004, disipó el mito de que esta popular serie de versiones de conciertos escenificados de viejos musicales de Broadway ha sobrevivido a su utilidad y popularidad. No lo sabrías por los gritos de aprobación que rebotaban en las vigas de los balcones del centro de la ciudad. Sin embargo, hay una pregunta que molesta. ¡El propósito original de Encores! Hace 10 años fue repetir espectáculos que nadie había visto durante años, montados sin decorados ni vestuario, con todo el elenco llevando libros y libretos en la mano y ejecutando partituras olvidadas, a menudo olvidadas, dignas de una segunda mirada. ¿Califica el can-can espumoso pero vacío de Cole Porter? Tal vez no se haya visto mucho desde que se inauguró en 1953 con críticas decididamente mixtas, con un elenco que incluía a Lilo, Peter Cookson, Gwen Verdon y Hans Conried, pero duró dos años y ganó premios Tony por Gwen Verdon y la coreografía. por Michael Kidd, entonces, ¿quién lo llamaría oscuro? Y podemos ir a nuestras respectivas esquinas del ring en este momento y salir peleando sobre si vale la pena o no volver a ser escenificado. El libro de Abe Burrows siempre fue plano, pero en 50 años le ha crecido el pelo. Y a pesar de su durabilidad resistente al tiempo, canciones de éxito como I Love Paris, C’est Magnifique y It's All Right with Me siempre han estado entre mis entradas menos favoritas en el catálogo de Cole Porter. Además de eso, encuentro a Michael Nouri un salmón ahumado hecho de ciprés, y siempre he sido completamente alérgico a los chillidos de Patti LuPone.
Habiendo dicho todo eso, ahora debo morder un gran trozo de humilde pastel y admitir que lo pasé perfectamente bien en Can-Can. La trama unidimensional sobre una batalla que se convierte en una historia de amor entre un juez tenso llamado Aristide, que promete respetar las leyes de censura de 1893 al prohibir todas las exhibiciones de danza pública sugerentes que puedan alentar o alimentar los instintos básicos de los parisinos traviesos, y el descarado La Mome Pistache, dueño del notorio cabaret Bal du Paradis en Montmartre, donde el can-can ilegal es un sorteo nocturno, está tan desechable como siempre. Todo conduce al juicio, donde en la sala del tribunal, solo una cosa cambiará la ley, influirá en el jurado y derretirá los corazones helados de los jueces: ¡Traigan el can-can! Es cursi más allá de toda descripción, con una cuadrilla intrusiva, ballet del Jardín del Edén y danza apache antorcha que fueron meramente superficiales. Pero también hubo algunos placeres innegables: la trama del segundo plátano sobre Boris, un artista búlgaro pomposo y hambriento, y su sufrida novia Claudine, una bailarina de can-can, fue enormemente mejorada por el encantador y desvergonzado Reg Rogers y el libidinoso , Charlotte d'Amboise de piernas largas. Y como la rolliza Pistache, Patti LuPone finalmente encontró un papel que llenó su voz y su corsé. Era la peor Annie Oakley que he visto en mi vida y, como Reno Sweeney en Anything Goes, no pude entender una palabra de lo que dijo (o cantó). Pero en Can-Can ella era una magdalena de la belle époque que poseía el escenario. Su canto se disparó sin ser descarado o plano, su actuación salada convenció sin ser nerviosa o aguda. Siempre que estaba esperando entre bastidores, se podía escuchar a la audiencia perdiendo la atención. Cuando regresó, dando zancadas pero sin estridencias, todos se pusieron firmes, listos para saludar. Esta es una producción de cortar y pegar, dirigida profesionalmente por Lonny Price, de un espectáculo que puedo aconsejar fácilmente, en la letra de Cole Porter, a allez-vous-en. No quiero volver a ver ni escuchar Can-Can nunca más, pero como un escaparate excepcional para destacar las mejores cualidades de Patti LuPone, el título de la canción C’est Magnifique se hizo sorprendentemente cierto.
