Principal letras Reseña: Aicon Gallery presenta los coloridos pigmentos de Victor Ekpuk y Natvar Bhavsar en exposiciones paralelas

Reseña: Aicon Gallery presenta los coloridos pigmentos de Victor Ekpuk y Natvar Bhavsar en exposiciones paralelas

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Dos espectáculos en curso en Aicon Gallery. Galería Aicon Galería Aicon

El color es un lenguaje polifónico que acerca al artista nigeriano-estadounidense Víctor Ekpuk (n. 1964) e indio-estadounidense Natvar Bhavsar (n. 1934) para explorar la extensión de una paleta ricamente saturada y expresiva para dibujar nuevas geografías en espectáculos paralelos en Galería de iconos .



Tres años después de un primera exposición individual , Ekpuk presenta en “ Soy la esencia de mi antepasado pinturas y esculturas de acero de 2014 a 2022, revisando la noción de hogar, desarraigo y tradiciones reimaginadas. A través de trazos audaces falsos e ingenuos, Ekpuk da cuerpo y voz a los colores primarios dominantes. Ellos rugen; desafío; e interrumpir. Ekpuk reinterpreta de manera sensible pero gráfica los nsibidi, símbolos pictogramas tradicionales del sur y sureste de Nigeria que viajaron a Haití y Cuba junto con el comercio de esclavos en el Atlántico.








Estos símbolos flotan sobre la mente de los personajes, por ejemplo, en pinturas. matriarca 2 (2021) y cabeza a cabeza 2 (2022), y escultura Chica Ibibio (2022), que transmiten la intraducibilidad de los pensamientos interiores. En Oráculo (2014-2022), formas azules inspiradas en nsibidi envuelven todo el lienzo. Su totalidad solidifica sus rasgos indivisibles. El personaje, casi simétrico y texturizado, se funde en esta vasta inconsciencia colectiva que no es ni del pasado ni del presente. Su rostro está simbolizado por un ojo omnisciente. La mente principalmente observa; su función es ver lo visible y lo oculto.

Victor Ekpuk, Head to Head 1, 2022, Acrílico sobre lienzo, 60 x 48 in (152,4 x 121,92 cm). Cortesía de la galería y el artista. Cortesía de la galería Aicon



De raíces africanas a paisajes más cercanos, este americano (2022) es un intento impresionante de capturar el aspecto físico de la negritud en la sociedad estadounidense actual. La pintura se basa en un boceto anterior, entonces llamado Jefe de Estado (2011). Las líneas nítidas y vívidas sugieren división, confrontación y liminalidad: hay un interior y un exterior, un yo y otros. El personaje parecido a un tótem, una iconografía recurrente en las obras de arte de Ekpuk, se mantiene erguido. Sus cabellos forman los contornos de ambiguos miradores. Uno puede alcanzar a otros en estos intersticios o protegerse de ataques externos. Aquí, las formas nsibidi también se suman al patrón y la textura que resisten el borrado.

“No es necesario tratar de leer literalmente mi trabajo, es más importante permitirse sentir el arte, sin la carga de buscar el significado en cada marca”, dijo Ekpuk en una entrevista con Art Breath, en un vocabulario personal que ha derivado del arte y la escritura. Miembro del Instituto Smithsonian que ahora reside en DC, las obras de Ekpuk se han presentado en la Bienal de Johannesburgo (1995), la Bienal de Dakar (2014) y la Instituto del Mundo Árabe (2017) entre otros lugares y colecciones destacados.

Victor Ekpuk, Liberian Girl, 2022, Acrílico y collage sobre papel, 30 x 22 in (76,2 x 55,88 cm). Cortesía de la galería y el artista. Cortesía de la galería y el artista.






El arte basado en papel de Ekpuk, a través de acrílico sobre collage, celebra la feminidad y sus atributos sagrados. La tela y más marcas laberínticas nsibidi definen las siluetas de las estatuillas, recordando cómo Bronces de Benin y otros artefactos indígenas adquiridos indebidamente permanecen en una cantidad obscena de colecciones, lejos de donde realmente pertenecen: en sus hogares, en sus comunidades. La confianza y el desafío de Chica liberiana (2022) contrasta con la mirada melancólica en dama en vestido de domingo (2022) y hay un grado de pérdida en ambas imágenes. En el primero, el contorno rojo y vacío de un tótem acecha como un recuerdo doloroso, mientras que el segundo lleva consigo una nube de pensamientos sinuosos, proyectando una sombra en un día soleado.



En tales obras, Ekpuk utiliza los códigos del retrato y los iconos de colores incendiarios para denunciar los legados coloniales y su estética simplificada. Encarnación de un suelo mental y hogar cultural, los tótems son los testigos esencializados de una identidad fluida que busca captar anhelos celestiales y el firme reconocimiento de una tierra y un territorio. El color es un medio para percibir y tal experiencia fenomenológica no tiene paralelo en las obras de Natvar Bhavsar.

Parte III: Obras de 1987 a 2005 ” forma la tercera entrega de una retrospectiva serializada. En esta última muestra que incluye 14 pinturas, Bhavsar juega con la infinidad lingüística del color que convierte en una danza, una intimidad, un movimiento de pigmentos despojado de elementos figurativos. Al hacerlo, revela el poder de la intensidad visual en términos minimalistas pero poderosos.  

Natvar Bhavsar, RANAK, 2001, Pigmentos secos con medios de aceite y acrílico sobre lienzo, 44 ​​x 38 in (111,76 x 96,52 cm). Cortesía de la galería y el artista. Cortesía de la galería y el artista.

Bhavsar, nacido en la India, se mudó a la ciudad de Nueva York en 1962, en un momento en que los artistas vivían en los mismos barrios que las galerías, y el entorno del SoHo incluía perfiles familiares como Mark Rothko y Barnett Newman. Es en abstracción que Bhavsar recuerda los colores de los textiles y tintes indios y los polvos del Festival Holi. El color es un refugio para los caprichos de los recuerdos, las difracciones de la mente y su potencial liberador.

Bhavsar presenta tres cuerpos de obras que colectivamente abrazan la tensión de explorar la mente y encontrar el lugar de uno en el mundo. Esta dualidad se muestra como una exploración gradual de colores fríos a cálidos, la mayoría de los cuales contienen un núcleo denso de pigmentos como VASO II (1997) y VASO III (1997). Estas salpicaduras, bocanadas y manchas canalizan la frontera inconmensurable del espacio exterior, una escala maleable que también se presta a formas moleculares. Ya sea en lo infinitamente grande o en lo irreductiblemente pequeño, nuestra mente divaga en las diversas difracciones y declinaciones que aumentan estos pigmentos.

De color intensamente saturado, pinturas como MANJAREE II (1996) y VERGAA (1973-2004) trae tonos más tenues y etéreos. Con ellos, hacemos una pausa y el tiempo se detiene suavemente en una vista edénica similar al algodón. TAG III (2001) es más desordenado y problemático, con grises que desaturan los tonos amarillos.  

Bhavsar generalmente pinta en fases o ciclos, alternando entre azules, rojos, morados y más. No hay un color al que no se haya acercado en sus más de 50 años de carrera. Obras más recientes como BHADRA III (2005) y ANDHARE (2005), aplican artesanía controlada al tallar hermosas hendiduras y detalles que conversan con la interpretación artística de Ekpuk de nsibidi o Rachid Koraichi s letrismo místico.

Es difícil transmitir con palabras la emoción sensorial que provocan estas pinturas. Bhavsar es en parte mago, en parte músico y el talento experimentado que impregna sus obras se aferra a su aparente simplicidad. Donde Ekpuk comunica amor visceral y violencia, la luz difusa de Bhavsar parece más indulgente pero no menos profunda.

Natvar Bhavsar, AKSHYAA, 1992-93, Pigmentos secos con aceite y medios acrílicos sobre lienzo, 66 x 90 in (167,64 X 228,6 cm). Cortesía de la galería y el artista. Cortesía de la galería y el artista.

Bhavsar entiende la oscuridad y las sombras como variantes e interlocutores necesarios de los compañeros prismáticos, una subjetividad que se apropia de la pintura como algo más que una materia o un medio. Bhavsar representa la evanescencia y los ensueños, el humo de un momento y las aliteraciones de la elevación humana de formas mucho más orgánicas que el movimiento Light and Space de la costa oeste de la década de 1960, que ha sido revivido a través de espectáculos recientes como “ Color Out of Darkness” comisariada por James Turrell en Pace la primavera pasada. Si bien sus obras forman parte de un número impresionante de colecciones institucionales y privadas, su contribución al expresionismo abstracto contemporáneo a menudo ha sido subestimada.

“El color me posee. No tengo que perseguirlo. Siempre me perseguirá, lo sé”, escribió Paul Klee en su diario, durante un memorable viaje de dos semanas a Túnez con sus compañeros artistas August Macke y Louis Moilliet en 1914. “El color y yo somos uno. Soy pintor”, agregaría Klee ese mismo día.

Tanto en torno al color sigue siendo esquivo, inmaterial y consagrado. La luminosidad es un aura, una energía, estímulos adictivos y pura vida. En los espectáculos de Ekpuk y Bhavsar dedicados al desplazamiento y el sentimiento, vemos en color un corazón que late, las remanencias de los sueños, las imágenes posteriores y los sonidos inquebrantables de otros lugares.

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